Categorie / Critică literară
FERENCZES István – Arghezi/Ergezi
Vrăbiile mamii
În urma publicării articolului Arghezi/Ergézi (ianuarie 2015, revista Székelyföld [apărut în limba română în revista Vatra, numărul 3-4/2015 – aici]), cuprinzând rezultatele cercetărilor mele privind clarificarea obârşiei mamei lui Arghezi, am primit numeroase semnale pe care le consider ca noi adaosuri la temă.
Mă aflam încă sub influenţa poeziei postume, fragmentare, cu care mi-am încheiat articolul (Te tot visez săracă şi flămândă…), acea mărturie-khatarsis a poetului despre mamă, pe care am încercat s-o traduc în limba maghiară. Am recitit-o, de nenumărate ori, frământându-mă să găsesc forma prin care zbuciumul sufletesc al poetului să poată fi exprimat, cât mai fidel, în traducerea maghiară.
Apoi mi-a căzut în mână poezia Vrăbiile mamii. Această temă a păsărilor gri, neînsemnate, observate din fereastra poetului, va fi prelucrată în trei poezii, dar, după părerea mea, poezia amintită este sfâşietor de răscolitoare. De altfel, e una dintre poeziile târzii ale poetului, fiind aşternută pe hârtie în mai 1967, cu puţin timp înaintea trecerii sale în nefiinţă. Facsimilul manuscrisului este inclus şi în Addenda celor două volume de poezii, editate în 2000 de Editura Academiei Române. Versurile despre „vrăbiile mamii” pot fi socotite ca un prolog sau epilog al poeziei postume Te tot visez săracă… (hotărâtoare în alegerea uneia dintre cele două ipoteze fiind data scrierii poeziei). Recitindu-le, una după alta, te cuprind fiori descoperind cum, în sufletul poetului ce-şi trăia ultimele zile ale vieţii, răbufnesc chinurile de coşmar, aducându-şi aminte de mamă:
„Plouă pe voi, în arbori adunate…
V-aş apăra şi nu ştiu cum se poate.
Strigaţi cu toate către cer să stea
Că nu puteţi zbura,
Şi vă e frig şi foame,
Căci în april nu sunt ţânţari, nici poame.
Unde-aş găsi, vai mie, vai de ele,
O mie de mantale de-o palmă ori umbrele?
Când le-a făcut cin’ le-a făcut
S-a dovedit croitor nepriceput.
Uituc de timpuri, fără de-ndoială,
Le-a pus să zboare aproape-n pielea goală.”
Ergézi Rozália, născută la Vlăhiţa, în acel moment al anului 1879, la coborârea din tren în Gara de Nord, n-avea cum să zboare. Singură, azvârlită în vacarmul istoric al vremii, îmbrăcată într-o manta cusută neîndemânatic, s-a pomenit, de pe-o zi pe alta, sub săgeţile frisoanelor provocate de grijile cotidiene. Şi-a asumat destinul slujnicelor secuience, care ar fi putut deveni comun cu al atâtor părtaşe ale sale de aceeaşi soartă.
Mă nelinişteşte, însă, faptul că Rozaliei, nici după trecerea în nefiinţă, nu i-a fost acordată empatia cuvenită din partea marii majorităţi a istoricilor literari, preocupaţi de opera şi viaţa marelui poet, fiul ei. De pildă, într-o monografie apărută în 2011, la Editura Dacia (autor: Dumitru Micu), poate fi citit următorul pasaj: „Dintr-un motiv oarecare, copilul avut cu prima soţie, Maria (de care a divorţat sau avea să divorţeze), nu a fost alăptat de (sau numai de) mamă-sa, ci a supt, timp de o lună, împreună cu viitorul pictor Jean Steriadi, «ţâţa împrumutată a unei aceleiaşi doici». Cine era doica? Probabil (spre a nu spune: sigur!) Rosalia Arghesi, o ardeleancă, concubina unui alt negustor, Manole I. Pârvulescu, dată de unii cercetători (Şerban Cioculescu, urmat de Dinu Pillat şi G. Dimisianu), fără dovezi, drept «adevărata» mamă, nedeclarată, a scriitorului. Sigur, pare că Rosalia Arghesi a fost «femeia în grija căreia a fost lăsat Tudor Arghezi», într-un moment al fragedei copilării şi că, «»lipsit de căldura părintească», el «s-a ataşat, inevitabil» de aceasta.”
Citatul de mai sus trădează, în mod evident, intenţia autorului care, fără niciun dubiu (în pofida atâtor paranteze), rămâne adeptul convingerilor sale, fără a-i păsa de legătura cu adevărul: nu merge până la capătul consecinţelor afirmaţiilor sale, nu formulează întrebări al căror răspuns l-ar apropia de adevăr.
Să începem cu afirmaţia din prima propoziţie a citatului. Autorul spune, nici mai mult, nici mai puţin, că prima soţie a lui Nae Theodorescu, Maria, de care a divorţat sau este în curs să divorţeze (sic!), n-a alăptat copilul. Dacă n-ar fi aduse dovezi de către Constantin Popescu-Cadem că, în această perioadă, numitul nu era căsătorit, puteam fi tentaţi să dăm crezare acestei afirmaţii. Însă Popescu-Cadem pune pe masă un document, respectiv cererea adresată Primăriei din Bucureşti, înregistrată cu nr. 32393/30 octombrie 1881, în care Nae Theodorescu solicită, de la Primărie, legalizarea certificatului scutirii de serviciul militar. Motivul invocat se află pe versoul certificatului, purtând semnătura acelui comisar care, pe baza celor constatate la faţa locului, a notat: „…tânărul Nae Theodorescu este unicul fiu al Doamnei Bălaşa Theodorescu, văduvă, şi că prezenţa sa (lângă mamă) este indispensabilă”.
Cererea a fost aprobată la 12 ianuarie 1882. Întrebarea legitimă, obligatoriu a se pune fiind: dacă numitul ar fi fost căsătorit pe vremea aceea, deci în preajma naşterii copilului (a poetului de mai târziu), din ce cauză nu s-a specificat, în cerere, existenţa soţiei şi a fiului, motivându-se solicitarea scutirii de serviciul militar şi prin statutul său de familist (întreţinător de familie)?
Examinând partea a doua a citatului, considerăm nedemnă aplecarea autorului, cu lux de amănunte, asupra relaţiei de concubinaj dintre Rozalia Ergézi şi Manole Pârvulescu, deoarece naşterea lui Alexandru Ergezi şi avorturile „spontane”, dovedite de documentele spitaliceşti, confirmă acest lucru. Spre deosebire de modul în care am tratat această temă, autorul monografiei parcă ar data, prea de timpuriu, aruncarea în braţele „patronului” a fetei tinere, ajunsă în Bucureşti abia cu un an mai înainte. În legătură cu această afirmaţie, în fragmentul în cauză, găsim o propoziţie şi „mai bătătoare la ochi”. Când autorul citat notează că Arghezi a supt din acelaşi piept cu Jean Steriadi, nu-şi pune şi întrebarea firească unui om care nu e certat cu logica, şi anume: de unde şi prin ce minune avea doica lapte? Sau, altfel spus: cine era cel de-al treilea prunc? Răspunsul e simplu de tot: ca o doică plătită să poată alăpta doi copii străini, potrivit legii biologiei, trebuia să fi născut mai înainte şi ea un prunc, cel care face „să încolţească al laptelui izvor”. Posibil ca naşterea să se fi produs, dar copilul a murit? Sau Rozalia Ergézi şi-a „metamorfozat în înger” propriul copil, să profite de pe urma lui, angajându-se – sărăntoaca de ea! – ca dădacă? Autorul a ocolit aceste întrebări pentru că altfel – dacă n-ar fi făcut-o – trebuia să presupună, în mod logic, existenţa celui de-al treilea copil, a cărui istorie trebuia să fi lăsat ceva urme, amprente, în familia lui Arghezi, unde această secuiancă şi-a trăit o parte importantă a vieţii. După cum trebuie să se fi păstrat şi în memoria lui Alexandru ceva urme, a cărui calitate de martor nu este luată în seamă de o parte a literaţilor români, aceştia nerecunoscând ca autentice mărturiile sale. Logic, ne putem întreba: ce interes ar fi urmărit cel de-al doilea fiu al Rozaliei Ergézi, afirmând un neadevăr, declarându-se fratele poetului? Sau însuşi poetul ar fi acela care minte, adresând scrisori din Elveţia mamei sale şi fratelui său?
Este mai mult decât grotescă minimalizarea în aşa măsură a situaţiei Rozaliei, „ardeleanca”, la care cei din jur obişnuiau să se raporteze cu nuanţe peiorative. Ea este principala victimă a hărţuielilor ivite în jurul naşterii poetului şi după ce Arghezi, în interviul dat prietenului său, preot (interviu ce poate fi socotit şi ca un fel de spovedanie târzie), recunoaşte clar şi concis, fără menajamente, că femeia având statutul de doică în familia sa era, de fapt, mamă-sa cea bună (pe baza unei expresii maghiare elocvente: mamă-sa ‘dulce’).
Ei, şi dacă Rozalia Ergézi ar fi fost numai şi numai doica poetului, n-ar fi meritat şi atunci o fărâmă de respect? Cea care, ca şi „vrăbiile”, n-avea altă grijă în viaţă decât să nu-i fie „frig şi foame”, încercând să zboare, măcar la o şchioapă deasupra pământului, chiar şi „aproape-n pielea goală”. Ca o vrabie ce era!
Copil din flori
Faţă de veridicitatea seacă a datelor biografice (sau chiar a falsităţii lor!), în ceea ce-l priveşte pe poet avem de-a face şi cu un alt adevăr, situat deasupra celor înşirate: adevărul eului poetic. Eul unei persoane de rând – intenţionat sau din greşeală – poate să mintă, poate să bată câmpii, să falsifice, să muşamalizeze unele fapte biografice, să le ascundă sub tăcere, poate chiar să-şi creeze o mitologie proprie. Natura memoriei instabile, precare, poate să joace feste, omul – deseori – rememorează greşit unele întâmplări. Chiar şi unele convenţii sociale, apăsătoare, îl pot obliga să ascundă adevărul. Şi – dacă ne raportăm la convenţiile sociale specifice ale Bucureştilor de la cumpăna dintre secolele XIX–XX, unui individ, obţinând statutul, aşa-zis, de „persoană importantă”, de „om de vază”, nu i se admitea să se fi născut dintr-o relaţie extraconjugală. Darămite ca fiu al unei parii sociale, cum erau socotite slujnicele secuience! Convenţia socială a închis ochii când a fost vorba de dezonorare, dar naşterea dintr-o asemenea relaţie era un păcat de neiertat. Îi face onoare – oricum – tatălui lui Arghezi, care printr-o serie de şiretlicuri şi diferite trucuri de înregistrări matricole, a obţinut pentru fiul său natural „statutul de născut în familie”. Însă la persoana mamei copilului a renunţat fără să clipească. Deci: dreptatea eului poetic este mai presus decât dreptatea eului omului de rând. „Ştii, poetul nu minte pentru nimic:/ zi-ne adevărul, nu doar ce-i veridic…” – scria József Attila, poetul maghiar, fiind contemporan cu Arghezi (în a cărui soartă şi viaţă plină de crize identitare găsim multe similitudini cu ale poetului român), iar această atitudine, exprimată ca artă poetică de Attila József, se potriveşte credoului poetic al lui Arghezi: adevărurile vieţii poetului român obţin strălucire în această ambianţă. Da, şi Arghezi afirmă, în locul veridicului, adevărul. A nu se omite aserţiunea: literatul e liber să vorbească, şi vorbeşte! Cititorului revenindu-i datoria de a-i descifra şi decripta semnalele transmise. Mai mult ca sigur, opera îi conţine viaţa în întregime, gândurile, absolut nimic nu este lăsat afară… Astfel că dacă biografii lui Arghezi, cei care, ici-acolo, bat câmpii în privinţa faptelor vieţii poetului, ar fi recunoscut acest adevăr, se impunea să dea o importanţă mult mai mare poeziei Copil din flori, inclusă în volumul Cântare omului. Într-adevăr, în această poezie poetul se destăinuie, enunţând adevărul despre sine însuşi, la persoana întâi, singular: şi anume că „copilul din flori”, evocat în poezie, este poetul însuşi. Iată, câteva fragmente esenţiale din poezie:
„Erai o scamă-n haos, plutită la-ntâmplare,
Suflat de-o adiere ca dintr-un puf de floare.
Între-ndoieli trecute, uitări şi presimţiri,
Ţi s-a-mpletit ursita să ţii de două firi.
Când eşti ce nu fuseseşi, când pari a fi şi tu,
Şi ne-ntrerupt te cleatini între «ba da» şi «nu».
Încredinţare dârză o zi, şi-o zi tăgadă,
În lupta ta cu tine eşti unul şi-o grămadă.
Aceloraşi cuvinte le dai alte-nţelesuri,
Eresuri în credinţă, credinţă în eresuri,
Şi nu e de mirare că eşti cum te arăţi,
Cusut în lung, din creştet, din două jumătăţi.
(…)
Eşti o făptură-ntreagă, te-ntrebi, sau de pripas?
Ai căutat cu şoaptă din ce părinţi te-ai tras,
Din oameni, din nenuferi, din şoimi? Într-adevăr,
Tu te găseşti cu vremea şi semenii-n răspăr.
(…)
Te-ai fi simţind cu tine mai viu şi împăcat
Să te cunoşti odraslă de zmeu sau de-mpărat?
Din ce-mpărat şi-anume din ce împărăţie,
Crezându-ţi cuvenită coroana ei şi ţie?
Destoinicia minţii n-ar fi putut să iasă
Decât dintr-o-ntrupare domnească de mireasă? (…)”
Traducând în limba maghiară această poezie, m-am aflat faţă în faţă cu adevărul axiomei lui Arghezi, citată mai înainte, axiomă rostită de poet însuşi în interviul dat lui Kányádi: „Poezia este un lacăt pus pe limbă care nu poate fi întotdeauna deschis cu cheia unei alte limbi”.
După ce am finisat un fel de traducere „brută”, în mare parte conform conţinutului poeziei, şi am trecut la elaborarea ritmului, a metricii speciale şi redarea rimelor specifice poeziei în limba maghiară, mi-am dat seama că astfel are de suferit „conţinutul” şi mă îndepărtez de textul poeziei originale. (Situaţia semnalată fiind – de altfel – dilema oricărei traduceri artistice. Principiul de bază, în traducere, după Lator László putând fi formulat astfel: trebuie tradus totdeauna ceea ce este acolo, prezent, dat în textul original – nota trad.). La acest fragment de traducere am ajuns după o coordonare aproape zilnică cu colegul meu, Lövétei Lázár László, textul astfel obţinut fiind fidel întrucâtva atât „conţinutului”, cât şi „formei” originalului. Aduc ca exemplu, la cele afirmate, primele două versuri ale poeziei: „Erai o scamă-n haos, plutită la-ntâmplare,/ Suflat de-o adiere ca dintr-un puf de floare.” Traducerea mot-a-mot a celor două versuri în limba maghiară: „A káosz egy foszlánya valál, találomra lebegtetett,/ melyet egy enyhe fuvallat elfúj a virágbóbitáról.” Cu toate că tragicul textului este redat şi în traducerea brută, în limba maghiară, nu este însă poezie! A devenit poezie în varianta tradusă de noi, textul pierzând puţin din caracterul năucitor, consternant al originalului, dar a păstrat, totuşi, în mod accentuat frământările interioare ale poetului pentru aflarea identităţii.
Poetul declară, în urma unui zbucium lăuntric, că se consideră o făptură încropită din două jumătăţi nu tocmai identice, toate ale sale sunt perechi: „Tălpi două, două braţe, doi ochi, două urechi;/ Dar când învălmăşeala simţirilor te fură,/ Ca să le spui trunchiate nu ai decât o gură.”
Ca şi când şi-ar zgândări rănile, formulează un şir de întrebări: cine este el, cine i-au fost predecesorii, din ce părinţi se trage: „Din oameni, din nenuferi, din şoimi?” Şi-a căutat tot timpul vieţii sale „străbunia” şi „părinţii”. Nedumeririlor le dă şi un fel de răspuns: şi-ar afla odihna sufletească, găsindu-şi un singur stăpân: tatăl, de fapt. Şirul întrebărilor se succed una după alta, poetul ajungând până acolo încât se învinovăţeşte pe sine: „Eşti o făptură-ntreagă, te-ntrebi, sau de pripas?” Şi-ar găsi, oare, odihna sufletului aflând că este: „odraslă de zmeu sau de-mpărat”? Sau dacă s-ar trage „dintr-o-ntrupare domnească de mireasă”?
Ciclul Cântare omului nu este evaluat de unii critici între reuşitele de excepţie ale poetului, ca vârf al creaţiei sale, nu cu puţină simplificare, fiind considerată o apoteoză a Omului, a Omenirii, scrisă cu majusculă. Însă, acordând mai multă atenţie poemelor incluse, ne putem da seama de unele reminiscenţe personale ale destinului poetului. Citez doar un fragment din poezia Mâna lui, din acelaşi ciclu:
„…E mută când vorbeşte tăcut, ca o pecete
C-un crin săpat în mijloc şi litere secrete.
Făgăduieşte-o dată, trecând pe lângă tine:
Făgăduinţa-i sfântă şi-atunci când nu şi-o ţine.
De câte ori o viaţă întreagă nu se-ngână,
Mâhnită, printre lacrimi, cu-o strângere de mână?
Şi câte visuri, câte şi vieţi nu au pierit,
În suflet cu inelul părut făgăduit?…”
Parcă văd chipul Rozaliei Ergézi învârtind pe deget o verighetă (poate a fost din aur) primită de la cofetarul din vecini, Nae Theodorescu, dar pe care „amorezul ei” i l-a tras pe deget, însoţit de cuvinte „mieroase”, promiţându-i marea cu sarea, însă, de fapt, numai cu intenţia seducerii. Îndeplinirea „făgăduinţei” s-a tot amânat, pe zi ce trecea, rămânând, în cele din urmă, visul unei vieţii deşarte: „Şi câte visuri, câte şi vieţi nu au pierit,/ În suflet cu inelul părut făgăduit?”
Buna-Vestire
O altă poezie (îndrăgită de mine!) din volumul Cuvinte potrivite trimite tot la chipul mamei lui Arghezi. Este vorba de poezia Buna-Vestire, tradusă în limba maghiară de poetul Szemlér Ferenc. Primele versuri amintesc de o poezia lui Sapho, despre torsul firului care se rupe permanent. „Dragă mamă, dragă mamă,/ Pânza iar mi se destramă./ Sufletul şi-acum mă doare,/ Trupul iar, în cingătoare,/ Braţul mi se leneveşte,/ Fusul scapă dintre deşte,/ Firul răsucit, din furcă,/ Mi se-nnoadă şi se-ncurcă…” Poezia lui Sapho are ca temă dorul de iubire, în Buna-Vestire, însă, sentimentul dragostei împlinite se ondulează până la atingerea unor accente tragice: „Dragă mamă, îmi năzare,/ Că din brâu, pe la-nserare,/ Înviem şi suntem doi.” Se poate închipui situaţia copilului Arghezi, cel care până la vârsta de zece ani, chiar dacă nu era mereu în preajma mamei sale, cu intelectul în formare, a putut percepe situaţia exprimată în ultimul vers: „Înviem şi suntem doi.” Nu i-a pricinuit multă bătaie de cap, multă fantezie să obţină inspiraţia pentru a crea această poezie: revelaţia i-a incendiat propria piele, poate a şi auzit îngerul aducându-i Buna-Vestire. Firesc să-i fie teamă. O teamă cruntă.
Nu ştiu
Temerile lui Arghezi n-au avut ca sursă, în exclusivitate, nelămuririle sale identitare. Biografia poetului conţine evenimente existenţiale care i-au accentuat sentimentul de auto victimizare. De două ori a stat în închisoare. Prima oară, în 1919, la Jilava, împreună cu grupul „colaboraţioniştilor” – între care şi Slavici. Puterile instituţionale, în curs de instalare, din România Mare, l-au învinuit de „germanofilie” şi că a colaborat cu conducerea armatei germane care, o perioadă, în timpul primului război mondial, a ţinut sub ocupaţie Bucureştiul. Detenţia a durat un an şi jumătate.
În 1939, viaţa îi este iarăşi în pericol, este ameninţat de o boală cumplită. Cel puţin aşa crede, convins că are cancer. Cade la pat, pentru o perioadă destul de îndelungată. Va fi vindecat de un medic excentric, care-l pune pe picioare cu o singură injecţie. Adevărul este că diagnosticul iniţial s-a dovedit a fi greşit. Suferea „doar” de sciatică.
În timpul celui de-al doilea război mondial, în 1943, este închis a doua oară, de astă dată la Târgu-Jiu. Acum – ce ironie cumplită a sorţii! – este acuzat de atitudine antigermană. Scrisese pamfletul virulent – caracteristic stilului său polemic – împotriva ambasadorului german din Bucureşti, Killinger, cu titlul Domnule baron!, pentru care Gestapoul vroia să-l trimită la Dachau. Aşa că, ajungând numai la Târgu-Jiu, se putea declara mulţumit!
Poetul n-a fost ocolit de temeri nici după război. Puterea comunistă, nou instalată, l-a scos din viaţa publică. Din eseul lui Csiki László, intitulat Transformările lui Arghezi: aflăm că „chiar ’vindea pătrunjel’ la balul literaturii mari… şi pe piaţă.” Această perioadă de „vânzător la piaţă” – având ca miză asigurarea celor de-ale gurii pentru el şi familie – a durat între 1948–1956. La situaţia precară, trebuie adăugat preludiul cu distrugerea tipografiei private de la Mărţişor. Mai apoi, Baruţu – folosind rămăşiţele tipografiei – execută unele comenzi de afişe pentru persoane dovedite ca duşmani ai noului regim. Băiatul va fi arestat, iar tatăl suportă consecinţele. Face recurs la forurile de conducere, personal către Gheorghiu-Dej, pentru eliberarea fiului. Nu mai poate mira tonul scrierilor din această perioadă, asemănător celui din poezia Nu ştiu, creată în 1953, din care redau fragmentul următor:
„Mi-e frică.
Nu ştiu de ce mi-e, mamă, frică.
Mi-e frică de umbră şi de soare,
Mi-e noaptea prea lungă şi ziua prea mare.
Orele trec încâlcite şi-ncete
Parcă bolnave şi parcă bete
Şi se opresc toate la mine,
Se uită zgâite ca nişte măşti şi chipuri străine.
Mă cercetează, mă întreabă, fără chemare, fără cuvinte.
Sunt ca un om care ascunde şi minte
Şi nici eu şi nici ele, nici una,
Nu ştiu care-mi este minciuna.
Am minţit
Că m-am născut, că am trăit?
Şi eu m-am născut? Şi eu am trăit?
(…)
Şi mi-e frică şi să nu cad
În cine ştie ce lume de Iad.
Şi orele, măştile m-aşteaptă
La fiecare treaptă,
Frumoase sau schimonosite,
Presimt că-mi caută o vină
De pe când nu eram în lumină
Să mă acuze, să mă judece
De pe când eram încă în scutece.”
Temerile, îndoielile, minciunile sale (ale căror origini sunt datate de însuşi poetul la vârsta de bebeluş) îl fac să se îndrepte, de obicei, către mama lui sau către amintirea ei. Această atitudine nu e ocazională. Relaţia sa cu mama nu e, în niciun caz, univocă, fiind în totul ambivalentă. Precum reiese din fascinantul său roman Ochii Maicii Domnului (eroul principal, Ioan Vintilă fiind un alter ego al autorului) are complexul lui Oedip, fiind îndrăgostit de mamă, cea care îl creşte singură, şi faţă de care – pe lângă ataşament – simte şi teamă. Aşa precum reiese din confesiunea de rămas bun, scrisă de Arghezi înainte de a se călugări.
Îndată după apariţia în revista Székelyföld a textului amintit, poetul Bogdán László, prietenul meu, mi-a atras atenţia asupra unui fapt ţinând de speţa istoriei culturii. În opera monumentală a lui Mircea Eliade: Istoria credinţelor şi ideilor religioase, capitolul XXXVIII (Religie, magie şi tradiţii hermetice înainte şi după reforme), subcapitolul 306 (Vânătoarea de vrăjitoare şi vicisitudinile religiei populare) citim următoarele despre unele superstiţii populare româneşti: „Numele zeiţei a devenit zâna (dziana) în româneşte. În plus, derivând de la aceeaşi rădăcină, un alt cuvânt, zănatec, însemnând ’zăpăcit’, cu minţile aiurea, nebun, adică ’luat’, răpit de Diana sau de zâne. Zânele pot fi nemiloase, este imprudent să le rosteşti numele: li se spune ’Sfintele’, ’Ocrotitoarele’, ’Rusaliile’ ori simplu ’Ele’ (Iele). Zânele, care sunt nemuritoare, au aparenţa unor tinere fete atrăgătoare, fascinante. Îmbrăcate în alb, cu sânii goi, ele nu se văd ziua. Înaripate, ele zboară prin văzduh, mai ales noaptea. Dar le place să cânte şi să joace, şi acolo unde au jucat, iarba este roşie ca focul. Ele îi îmbolnăvesc pe cei care le văd jucând sau care încalcă anumite interdicţii şi aceste boli nu pot fi vindecate decât de căluşari.
Datele româneşti, graţie arhaismului lor, sunt de mare ajutor în înţelegerea vrăjitoriei europene. În primul rând, numai poate exista îndoiala în ce priveşte continuitatea anumitor rituri şi credinţe arhaice privind mai ales fertilitatea şi sănătatea. În al doilea rând, aceste scenarii mitico-rituale implicau o luptă între două grupuri de forţe opuse, deşi complementare, grupuri personificate ritualic de tineri flăcăi şi fete (benandanti, striga, căluşari). În al treilea rând, după lupta ceremonială urma uneori împăcare a celor două grupuri antitetice. În al patrulea rând, această bipartiţie rituală a colectivităţii implica o anumită ambivalenţă, căci, exprimând procesul vieţii şi fertilităţii cosmice, unul din grupurile rivale personifica întotdeauna aspectele negative. În plus, personificarea principiului negativ putea, în funcţie de moment şi de circumstanţele istorice, să fie interpretată ca o manifestare a răului. Este ceea ce pare să se fi petrecut la români cu strigoii şi, într-o măsură mai slabă, cu zânele, care corespund cortegiului Dianei.”
Am prezentat aceste informaţii prietenului meu scriitor, Ion Nete, un bun cunoscător al operei lui Eliade, pentru că eram nedumerit în legătură cu denumirea de Rosalia a zânelor rele. Mi-a promis că se va documenta asupra problemei în traducerea în limba română a operei (NB.: lucrarea respectivă fiind scrisă, iniţial, în limba engleză, în America). Reîntâlnindu-ne, îmi spune că versiunea românească a textului nu conţine numele de Rosalia. Nu mi-a precizat, însă, numele care îl înlocuieşte. Şi-atunci, drăcuşorul din mine nu mi-a dat pace până n-am făcut rost de ediţia românească, în trei volume a lucrării. Într-adevăr, în fragmentul în cauză nu se află numele de Rosalia, ci Rusalia, denumirea ducându-mă la numele, în limba română, al sărbătorii creştine: Rusalii. În prima reacţie, am pus-o în seama unei greşeli de traducere, în limba maghiară, deşi eram conştient de exigenţa – cunoscută, de altfel, de toţi prietenii cărţii – a Editurii Osiris. Am trecut la cercetarea dicţionarelor, lexicoanelor, a internetului etc. până când m-am lămurit, în proporţie de sută la sută, că nu este vorba de nicio traducere greşită. Rezultatul fiind următorul: numele feminin Rozalia este de origine latină şi provine din „rosa”. În Imperiul Roman, în fiecare primăvară, se celebra sărbătoarea morţilor, cu ocazia căreia mormintele celor trecuţi în nefiinţă erau acoperite cu flori de roze. „Rosalia” (Sărbătoarea Rozelor) după calendarul lui Constantin era pe 23 mai, fiind preluată, apoi, pentru denumirea sărbătorii Rusaliilor (Duminica Rusaliilor) la creştinii-ortodocşi. (În Europa de Vest, Rosalia este denumirea şi a unui şir de sărbători care se leagă de venerarea unei femei martire, originară din Sicilia).
Poate că e doar o închipuire şi nimic nu este real, dar nu pot exclude cu desăvârşire că în acel mediu bucureştean, de sfârşit de secol, pe când apare în capitala României, plină de superstiţii, eresuri, de „realităţi” mistice, ezoterice, slujnica Ergézi Rozalia – chiar şi datorită numelui – a fost primită şi tratată ca „zănatecă”, fluşturatică, haihui. Numele de Rozalia se întâlneşte foarte rar la cei de origine română. Interpretarea mea o fi eronată, însă nu poate fi exclus că în acel registru matricol, mult discutat, oficialii trec numele de Maria desemnând o persoană de sex feminin, având 18 ani (şi fără orice nume de familie) din cauza unei aversiuni faţă de numele Rozalia, deoarece persoana numită astfel aduce farmece în familie. Parcă-o văd, în faţa mea, pe mama lui Nae Theodorescu, olteanca Bălaşa, impunându-i fiului: „Să nu-mi aduci în casă o persoană cauzatoare de rele!”, şi sfătuindu-l să-şi schimbe atitudinea, în legătură cu intenţia de a se căsători cu Rozalia.
Pot fi considerate drept nişte exagerări presupunerile mele privind superstiţiile larg răspândite în România sfârşitului de secol XIX, un excedent de nestăvilit al fanteziei mele. Dar nu m-aş fi încumetat să le formulez, dacă din presa de bulevard, din media românească a zilelor de azi, oamenilor nu li s-ar da de veste despre exorcisme, organizate în mănăstirile monahale sau în comunităţile de maici, despre schingiuirea groaznică a novicelor, învinuite de vrăjitorie, sau despre existenţa altor practici de magie neagră, cu un deznodământ deseori tragic.
Trebuie adăugat, totodată, că practicarea superstiţiilor, de la sfârşit de secol XIX, nu era numai un specific românesc. Ergézi Rozália putea să aducă de acasă diferite reprezentări magice, închipuiri mistice la care s-au adăugat şi cele asimilate din noua sa ambianţă. Am citat fragmentul din scrisoarea adresată Aretiei Panaitescu, în care Arghezi se plânge de „misticismul idiot” al mamei. Ipotezele mele, pentru justificarea cărora l-am citat pe Mircea Eliade, poate sunt nişte închipuiri, fantasmagorii, răstălmăciri în biografia Rozáliei Ergézi, în relaţiile sale cu cei din mediul ambiant. Îmi asum toate consecinţele! Un lucru, însă, e cert: această femeie „nu intra în rând”. Ieşea de sub tipar. Întâi prin faptul că era străină, nu încape nicio îndoială. Dar era „outsider” în toate privinţele. Era o stigmatizată.
Mă uit
Szőcs Géza, poetul disident în Ungaria, mi-a atras atenţia asupra amintirii tatălui său, criticul literar Szőcs István în legătură cu poetul român. L-am contactat telefonic pe domnul Szőcs István, bătrân şi bolnav, care mi-a relatat următoarele (Conţinutul convorbirii noastre telefonice – practic – era identic cu cele consemnate de către sus-numitul critic literar într-un articol apărut în revista clujeană Helikon, cu titlul Felfedeztem Arghezit (L-am descoperit pe Arghezi), din care preiau următorul pasaj:
„Am ajuns, foarte tânăr, în 1951, la Editura Tineretului din Bucureşti. Tocmai atunci, sau cu puţin timp în urmă, a circulat în redacţie, din mână în mână, un pamflet pe care l-au tradus în grabă şi în limba maghiară: Putrefacţia poeziei sau poezia putrefacţiei. Mi s-a părut agresiv şi plictisitor, de aceea l-am parcurs superficial, în grabă, însă mi-a sărit în ochi o strofă pe care autorul mâzgăliturii a inclus-o drept exemplu negativ:
«Glasuri mă strigă cu nume străine.
M-aţi chemat pe mine?
Sunt eu cel căutat?
Mi se pare că vântul s-a înşelat».
La loc comanda! Are talent poetul acesta! Şi m-am interesat de la cei din redacţie, oare cine este acest Arghezi? Singur nea Máté ştia, «sfătuitorul» nostru artistic. «Tovarăşul Máté» era un bolşevic vechi (originar din Oradea, iniţial purtând numele de Neuman Ernő), într-o perioadă a lucrat şi la ediţia de limba maghiară a radioului din Moscova, obişnuia să aplice cu o severitate ieşită din comun metodele analizei partinice faţă de colegii noştri tineri şi amatori.
– Vai, tovarăşe Szőcs, este vorba de o nedreptate cruntă, omul acesta este cel mai onest om din toată România şi este şi cel mai mare poet. El este acela care a scris împotriva ambasadorului nazist pamfletul: «Domnule baron, duceţi-vă acasă!» Acum – ca răsplată – i s-a aplicat un picior în fund… Vinde roşii pe stradă, în faţa casei.
– Din ce cauză? – îl întreb.
– Pentru că tatăl redactorului şef al Scânteii, Sorin Toma (cel care a scris această maculatură) este poetul proletar, fără talent, Alexandru Toma, cel din care vor să creeze acum un poet de mărime naţională… Cam aşa merg acum lucrurile, tovarăşe Szőcs.
Mi-a promis că mă duce odată acasă la Arghezi, dar mai înainte trebuie să discute treaba şi cu dânsul. Cumva această vizită nu s-a realizat. A urmat însă jubileul celei de-a cincea aniversări a înfiinţării Editurii Tineretului. Eveniment ce trebuia sărbătorit. Fiecare dintre noi a primit câte o invitaţie pentru o singură persoană (membrii familiei erau excluşi). Pentru că unul dintre noi, minorităţi, s-a îmbolnăvit, ne-a rămas o invitaţie în plus. Cum s-o folosim? Înainte ca cineva să aibă vreo părere, am exclamat:
– Nea Máté, să nu pierdem ocazia! Daţi invitaţia în mâinile lui Arghezi!
Banchetul festiv se ţinea în aula Ministerului de Externe, vis-à-vis cu Universitatea. Pe podium erau aşezaţi directorii şi alţi corifei de la Minister, scriitorii «de vază», jos în sală ceilalţi scriitori bucureşteni şi redactorii şefi, într-o lojă scriitorii din provincie, în cealaltă, personalul auxiliar al redacţiei… iar aula, a cărei elevaţie semăna cu un «uterus» avea două «apofize» ca nişte «oviducte», într-una, care ducea spre toaletă, eram aşezaţi în rând noi, cei de la naţionalităţi conlocuitoare: Zimán Manci, şefa noastră (o fostă croitoreasă), Szász Béla, locţiitorul şef, pe urmă eu. În rândul celălalt: nea Máté, tanti Groszmann şi Tudor Arghezi, cel din urmă.
Invitatul nostru era un om sec, sever ca un profesor, totuşi semăna cumva cu Thorton Wilder şi avea privirea ca Dohnányi Ernő (NB.: renumit artist muzician).
Am ciocnit paharele cu votcă, m-am apropiat de el şi i-am spus că mi-a plăcut strofa respectivă (între timp m-am mai documentat şi eu), amintindu-i şi despre traducerea în limba maghiară a unei poezii de către Dsida Jenő. M-a urmărit în tăcere, a dat din cap din când în când. Mă pregăteam să mă retrag, când deodată a spus în limba maghiară (vorbea puţin sacadat, rar, dar foarte limpede): «Én is tudtam kicsit magyarul, de már elfelejtettem». («Şi eu am ştiut puţin limba maghiară, dar am uitat-o deja».). Eram atât de surprins, că i-am răspuns numai după minute lungi în limba română: «Unde aţi învăţat limba maghiară?» Îmi răspunse tot în limba română: «La rude, în timpul copilăriei, în judeţul Trei Scaune». Furat de gânduri, la puţină vreme dup aceea a mai adăugat în limba maghiară: «Egész éjjel mentünk a szénásszekéren…» («Am mers toată noaptea cu carul de fân…»)
După aceste vorbe, nu ştiu din ce cauză, ne-a cuprins melancolia, sentimentul de tristeţe a unei singurătăţi de rău augur. Numaidecât s-a ridicat şi el, a mulţumit pentru invitaţie şi a plecat.
Între timp – să nu uit – printre cei din aula mare a stârnit o mare, dar înăbuşită agitaţie (cei umblaţi la toaletă l-au descoperit) faptul că Arghezi stă printre «bozgori». Câteva figuri mai şterse au şi apărut la masa lui, invitându-l: «Maestre, veniţi la masa noastră!» Arghezi însă i-a refuzat: «Mulţumesc, mă simt bine aici».
A doua zi directorul a întrebat: «De ce nu mi-aţi spus? Ce de blam!» Însă directorul adjunct, Vicu Mindra, îmbrăcat elegant, în haine negre, a fugit înainte de masă acasă la Arghezi, i-a cerut scuze şi a făcut contract pentru un volum de versuri pentru copii şi o carte de traduceri de Nekrasov. Nici editura rivală, Editura pentru Literatură n-a rămas mai prejos. L-au căutat şi ei şi au contractat volumul de versuri 1907. Până la urmă şi «echipa elită» era nevoită să mişte ceva. Tovarăşul Chişinevschi a trimis maşina după el şi l-a rugat să se prezinte în faţa Comitetului Central.
Arghezi, ajuns la faţa locului, şeful secţiei de propagandă îl întreabă cordial: «Maestre, maşina a ajuns la timp?»
Arghezi a răspuns morocănos: «Nu. A întârziat cinci ani.»”
În anii când mi-a fost dat să umblu mai des la Bucureşti, am auzit şi eu anecdota maşinii care a întârziat cinci ani. În mai multe variante. Nu am verificat dacă, într-adevăr, Chişinevschi era atunci căpetenia secţiei de propagandă, dar n-are nicio importanţă. Din cele relatate de Szőcs István, m-a frapat propoziţia rememorată în limba maghiară de către Arghezi: „Egész éjjel mentünk a szénásszekéren…” („Am mers toată noaptea cu carul de fân…”).
Nu mi-e greu să-mi închipui carul de fân care cobora când lin, când cu hopuri de pe fâneţele munteneşti harghitene, pentru că, din copilărie, păstrez şi eu asemenea amintiri. În vremea aceea, când eram copil, în august populaţia de sex bărbătesc a satelor secuieşti se muta pentru 2-3 săptămâni sus pe munte. Era o muncă pe cinste să coseşti nişte ierburi mărunte, tari (ţăpoşica), peste care aluneca coasa, să usuci, să aduni fânul… Totuşi, avea un farmec aparte, de nedescris, ceva mitic această existenţă montană, acele zile şi nopţi care au fermecat sufletul copilului, i-au tensionat fantezia cu închipuiri despre zâne şi zmei. Nu este întâmplător că şi în poezia argheziană sunt destul de frecvente. Întâlnirea cu noaptea profundă, înstelată, tainică, poate şi înspăimântătoare, care i-a lăsat urme adânci, dăinuitoare în suflet s-a produs oare sub cerul Bucureştilor? Înclin mai mult să cred că nu. E cu mult mai credibil să datăm originea motivelor nopţii din timpul vacanţelor petrecute la Vlăhiţa, din acele drumuri nocturne spre casă, făcute pe deasupra unui car cu fân, coborând, molcom, spre casă, de unde se văd numai stelele. Cel care a umblat măcar o dată pe valea Vârghişului, în aval, până la peştera de la Mereşti, sau la fâneţele, sălaşele de vară, stânele aflate de-a lungul drumurilor montane deasupra Vlăhiţei, ducând spre Harghita, de la Mădăraş, şi-a petrecut cel puţin o noapte în aceste locuri, aceluia nu e nevoie să i se explice sentimentele înfiripate în sufletul unui copil supersensibil, care a copilărit pe aceste meleaguri. Asemenea trăiri n-avea unde să le încerce, nici în Oltenia (locul de baştină al tatălui), nici pe moşiile, de mai târziu, ale acestuia, de pe şesul Piteştilor.
Aflându-mă faţă în faţă cu pomenirea, de către Arghezi, în istorisirea lui Szőcs István a judeţului Trei Scaune, prima dată m-am gândit la apariţia unui nou caz de creare voită a confuziei, de către poetul Cuvintelor potrivite. Însă, după ce mi-am amintit de concluziile articolului publicat de muzeologul din Sfântu Gheorghe, Cserei Zoltán despre disputele administrative de la sfârşitul sec. XIX între judeţele Braşov, Odorheiul Secuiesc şi Trei Scaune asupra apartenenţei meleagurilor homorodene şi a Baraoltului, mi-am dat seama că unei persoane cu identitate bucureşteană – probabil – îi părea mai elegant să-şi declare originea din Trei Scaune, fiind mai aproape de Braşov. Doar şi călătoriile, împreună cu mama, la Vlăhiţa în timpul copilăriei, pesemne că se făceau cam în felul următor: după ce coborau din tren (ruta Braşov–Cluj), într-una din gările: Rupea, Homorod sau Augustin, continuau drumul spre casă cu vreo căruţă „ocazională”, parcurgând şi o bună porţiune a teritoriului aparţinător la Trei Scaune, numele acestui judeţ întipărindu-se mai lesne în memoria copilului, decât Odorheiul Secuiesc. Deci, menţionarea numelui Trei Scaune n-ar fi făcută tocmai fără temei.
Acestea, totuşi, sunt amănunte, cărora nu le dau mare importanţă. Mult mai mult m-a interesat poezia din care a citat autorul articolului de maculatură, apărut în Scânteia, despre aşa-zisa putrefacţie a poeziei etc., publicarea articolului respectiv încadrându-se în politica culturală comunistă „partinică”, promovată în ţările est-europene, aparţinătoare blocului sovietic. Cu atât mai mult că şi în viaţa literară, transilvăneană, maghiară, în această perioadă aveau loc acele procese literare organizate sub imboldul luptei de clasă, cu denunţuri, excluderi, eliminări, de care nici azi nu ne putem aminti decât cu ruşine.
Fărâma din poezia Mă uit, a lui Arghezi, citată de Szőcs István, era în perfectă concordanţă cu tema pe care o dezbat, de aceea am şi tresărit, citind-o. Iată o remarcă, accentuată, a căutării de sine, vizionare, a poetului. (După lungi căutări, am dat şi de varianta în limba maghiară a poeziei, în traducerea, inspirată, a lui Szemlér Ferenc). O redau integral:
„Mă uit în cer, mă uit în pământ.
M-am întrebat cine sunt.
Gânduri se duc, vin
Din vânt, din senin,
Ca nişte păsări rotunde.
Încotro? De unde?
Glasuri mă strigă cu nume străine.
M-aţi chemat pe mine?
Sunt eu cel căutat?
Mi se pare că vântul s-a înşelat.
Câte puţin sunt dator
Fără să-mi fi dat nimic, tuturor –
Şi lemnului uscat, şi bălţii stătute,
Şi florilor, şi pietrelor, şi vitelor bătute,
Şi oamenilor din răstignire.
Cu ce să plătesc nefire şi fire?
Sângele meu nu-i al meu.
Mi-e teamă să zic «mie» şi să zic «eu».
Cu ce fel de drept
Mi-aş umfla bârnele din piept
Şi mi-aş întinde pe zarea
Toată, spinarea?
Ce martor aş întreba
Ca să-mi răspundă întrucâtva
Măcar dacă sunt?
Mă tot uit în cer, mă tot uit în pământ,
În baltă şi stuh
Şi adânc în văzduh.”
Poezia, creată în anii 1930, a fost inclusă în volumul de poezii Cărticica de seară, editat în 1935. Poetul publicase, deja, romanul Lina. Un eveniment de seamă, în viaţa sa particulară, petrecându-se prin pierderea tatălui natural, iar la înmormântare îşi prezintă mama fratelui său, dinspre tată. Mai multe glasuri îl „strigă cu nume străine” (Arghezi?). E plin de nedumeriri, îndoieli (de care nu poate scăpa, definitiv, până la sfârşitul vieţii), însă obârşia şi-a clarificat-o cu certitudine. Ar putea declara şi el, parafrazându-l pe József Attila: „Tata mi-a fost oltean, mama pe jumătate secui,/ pe jumătate neamţ”. Amintirile sale, din mica copilărie, cele despre rubedeniile din Vlăhiţa (ca de exemplu: „Am mers toată noaptea cu carul de fân…”) au fost interiorizate în suflet în aşa măsură încât – prin capilarii ascunse, vrând, nevrând, conştientizate sau sub limita conştiinţei – s-au strecurat în structurile adânci ale poeziei.
Cătunul
A apărut în volumul O sută şi una de poezii (1947). O singură metaforă a poeziei m-a frapat în aşa măsură încât m-a purtat până la cimitirul din Vlăhiţa. E bine că poezia, în traducerea ilustră a lui Kányádi Sándor, poate fi citită şi în limba maghiară. Sunt sigur că pe poet l-a inspirat, în crearea acestei poezii, imaginea cimitirului de la Vlăhiţa:
„Cătunul s-a mutat tiptil, din zare,
În cimitirul lui, mai mare.
Ce s-a născut, pe rând s-a şi-ngropat
Şi crucile-au intrat în sat,
Viori de lemn
Încremenite într-un semn,
Şi au ieşit din sat până departe,
Lăsându-i drumurile moarte.
Ia seama bine, dacă treci,
La încâlcitele şi vechile poteci.
Să nu te-mpiedici de ciulini.
Morţii-s acolo, ca-n cătun, vecini.
Târât în ploaie de ciubote grele,
Drumeţul, noaptea, poate să se-nşele
Şi, încercând cârligul pus la porţi,
Să ceară găzduire de la morţi.
”
Azi, Vlăhiţa are statut de oraş. Ca localitate, este compusă din două părţi aparte, bine definite. Partea din jurul fabricii metalurgice dispune de un caracter orăşenesc (Szentkeresztbánya – Mina Sfântei Cruci), partea superioară a localităţii, cea veche, numită Satul Mare (Nagyfalu) sau Satul Vlah – Vlăhiţa (Oláhfalu) şi-a păstrat până azi aspectul rural. La extremitatea vestică a acestei părţi a localităţii se află un cimitir vechi, cu o extindere mai mare decât cea obişnuită, dispunând de o „pădure” de cruci specifice, caracteristice locului, care pot fi zărite chiar de pe şoseaua Miercurea Ciuc – Odorheiu Secuiesc. În timpul vacanţelor, copilul Tudor Arghezi trebuie să fi văzut cimitirul din căruţa cu care transportau apă minerală din Băile Homorod, mai mult, îmi închipui că băiatul nu numai că l-a văzut, în treacăt, dar, împreună cu bunica, Ágoston Zsuzsanna, sau cu maică-sa, Ergézi Rozália, a şi umblat prin acest cimitir, cel puţin la 1 noiembrie, de Ziua Morţilor, pentru a aprinde câteva lumânări pe mormântul rudelor decedate, precum al bunicului, Ergézi Joannes. Este ştiut că, pentru acest eveniment, rudele catolicilor se adună în satele lor de baştină de pretutindeni, chiar şi de pe meleaguri îndepărtate. Se poate presupune că, în câteva ocazii, şi Ergézi Rozália a venit din Bucureşti pentru Ziua Morţilor, aducându-l şi pe fiul cel mare…
Sunt convins că Arghezi, cu acest prilej, a descoperit aspectul bizar al „viorilor de lemn/ încremenite într-un semn”. Asemenea simboluri pot fi zărite şi pe la răscruci, ridicate pe lângă drum, în amintirea unui accident tragic – secuii aparţinând unei etnii profund credincioase – dar o aşa mulţime din aceste cruci, asemănătoare unor scripci de lemn pot fi zărite numai şi numai în cimitirul din Vlăhiţa şi în câteva sate din apropiere, ele simbolizând conexiunea dintre lumea „de sus” şi cea „de dincolo”, concepţia făcând parte din cultul morţii la secui.
Cu ocazia aşternerii pe hârtie a poeziei, poetul şi-a adus aminte de viziunea cimitirului aflat în strânsă concordanţă cu universul de credinţă al oamenilor locului şi transpune în liră realitatea existentă aici: „Târât în ploaie de ciubote grele,/ Drumeţul, noaptea, poate să se-nşele.” Pe acela care umblă, aici, în amurg, îl încearcă un sentiment de nesiguranţă, de împreunare a celor două lumi, când nu mai poate fi perceput, cu exactitate, unde se termină satul şi de unde începe cimitirul, populat cu scripci de lemn.
Mângâieri
Memoriile contemporanilor evidenţiază, în mod univoc, faptul că – în afară de cei mai apropiaţi membri ai familiei – Tudor Arghezi nu era ataşat nimănui, cu legături strânse: nici prietenilor, nici rudelor. Mai mult, era foarte dur cu unii dintre ei. Relaţia sa cu tatăl natural era când agresivă, când tolerantă. Pe rudele din partea tatălui nu le cunoştea, de fapt nici nu ştim de ele, în afară de un frate vitreg, Nicolae. Bunica, Bălaşa, a murit tocmai în anul căsătoriei fiului ei, în 1883, Arghezi având atunci trei ani, abia dacă a păstrat ceva din amintirea ei. În afară de tată, nici urmă despre ei în poezia argheziană.
În schimb, rudele dinspre mamă sunt prezente. Lor „le-a închinat” chiar poezii întregi. Cea mai înduioşătoare fiind, poate, poezia Mângâieri, scrisă în 1956, evocând figura blajină a bunicii dinspre mamă, Ágoston Zsuzsanna. Poezia a fost inclusă în volumul postum, Călătorii prin vis, publicat în 1973.
„La toate relele, bunica
Răspunde: «Maică, nu-i nimica».
Şi nici un fel de norocire
N-o scoate nicidecum din fire.
Gându-i cuminte şi blajin
«După furtună, spune, e senin.
E timp urât şi timp frumos,
Că viaţa are sus şi jos».
Mă uit la buze şi sprâncene,
La ochii ei, cu pleoapele alene.
Tare-a mai fost frumoasă şi bunica!
Dar zice că nici asta nu-i nimica.
Când îşi strecoară ochii verzi, agale,
Ca printr-o crăpătură de migdale,
Îmi spune-n şoaptă: «Ce mai pui de lele
Fusesem în zilele mele!
Zvâcneau în mine nişte draci!…
Nu e nimic! Ce poţi să faci?»”
Se cuvine remarcat chipul de o simplitate lipsită de orice prefăcătorie, înţelepciunea trăită, filosofia vieţii, axată pe supravieţuire, în pofida tuturor greutăţilor (dacă în cazul unei femei din popor putem vorbi de filosofie). Trebuia să fi fost, astfel, Ágoston Zsuzsanna, cea născută la Racu, un sat din judeţul Harghita, şi nu avem niciun dubiu că ea este personajul prezentat în poezie, deoarece, cum am mai spus, bunica din partea tatălui, Bălaşa, a murit când nepotul avea trei ani, astfel – fie copilul oricât de talentat – nu putea păstra amintiri aşa de relevante despre ea.
Am amintit simplitatea, naturaleţea filosofiei de viaţă a bunicii Ágoston Zsuzsanna, însuşiri fără de care n-ar fi putut îndura vicisitudinile vieţii. Chiar şi circumstanţele naşterii sale s-au abătut de la normalitate. Era şi ea copil din flori, asemenea nepoţilor ei din Bucureşti. Cu ocazia înregistrării matricole, la naştere, i s-a atribuit numele de familie al mamei, Császár Terézia. Este trecută deci în registrul matricol de la Racu cu numele de Császár Susana. Mama şi-a părăsit satul natal, împreună cu bastarda ei – probabil – datorită şicanelor la care era supusă, ca fată dezonorată. Nefiind văzută cu ochi buni de consăteni, se mută la Vlăhiţa şi se angajează ca muncitoare în mină sau în fabrică. Fetiţa sa în creştere îşi vede zi de zi mama întorcându-se, după o zi de muncă istovitoare, într-o cameră cu chirie, vlăguită, murdară, în zdrenţe. Presimte că va avea o soartă similară şi ea când va fi adultă. Pe baza registrului matricol din Vlăhiţa – nu se ştie în ce mod – copila nelegitimă va primi un tată. Posibil să fi fost recunoscută de tatăl natural, de aceea parohul taie în rubrica registrului matricol numele mamei, scris în cerneală neagră (Császár) şi trece deasupra cu albastru: Ágoston. Oricum s-o fi întâmplat, mama şi fata ei erau stigmatizate, deopotrivă, chiar şi de către lumea muncitorească mai liberală a Vlăhiţei.
( Înscris în registrul matricol de la Racu despre naşterea Susanei)
Ágoston Zsuzsanna are 25 de ani când se căsătoreşte cu minerul de naţionalitate germană, veneticul din Bucovina, Ergesi Joannes. Naşterile urmează una după alta. Între 1856–1869 are opt naşteri, din care doi prunci (primul József şi primul János) nu ajung la maturitate.
Familia va creşte şase copii. Maria, cea mai vârstnică, în 1870 este dată în căsătorie la vârsta de 14 ani unui miner (Vida). Cu atât mai bine, familia are de întreţinut cu un copil mai puţin. Cu doi ani în urmă, moare, subit, capul familiei.
( Înscris în registrul matricol de la Vlăhiţa despre decesul lui Joannes Ergezi)
Ágoston Zsuzsanna, rămânând văduvă, se va recăsători peste trei ani cu un muncitor metalurgist, László József. Mama încearcă să aranjeze soarta copiilor, ajunşi la maturitate. După cum am văzut, Rozalia este angajată ca slujnică la Bucureşti, dar abia se instalase în capitala din Regat, vine acasă şi ea cu un copil bastard, cel care va fi crescut, câţiva ani, tot de bunica. Veronica, cea de-a treia dintre copii, se angajase şi ea – aşa se pare – ca slujnică la Braşov. Dintre băieţi, József părăseşte şi el familia, se pare că ia şi el drumul spre Braşov (nu am dat de urmele lui). János, în anii ’80, se căsătoreşte cu numita Kovács Júlia, cea care va naşte doi copii, botezaţi ambii cu numele de János (primul născut ar fi decedat de copil). Şi această ramură se va pierde în timp.
Numele de Ergézi dăinuie cel mai mult timp la Vlăhiţa prin ramura lui Ergézi Rudolf, cel care – din căsătoria cu Jakab Rozália – va da viaţă celor opt copii ai săi. Ágoston Zsuzsanna nu a apucat în viaţă naşterea tuturor nepoţilor, trece în nefiinţă în 1907. Din ramura lui Rudolf, în 1920 se va naşte un băiat, tot cu numele de Rudolf, a cărui legendă – datorită faptului că era un filfizon, îmbrăcat totdeauna elegant, „la patru ace” – s-a menţinut mult timp în Vlăhiţa (era probabil şi coreograf).
După opinia istoricului local din Vlăhiţa, Herceg Ferenc, ultima sursă în scris despre familia Ergézi provine din 1920. În mină şi în fabrica metalurgică este declarată greva generală pe care autorităţile din Bucureşti, nou instalate, vor s-o înăbuşe cu mână de fier. Printre membrii comitetului de grevă o găsim şi pe o anumită Ergézi Jolán, care este soţia lui – nu mai ştiu a cărui – Ergézi Rudolf. Membrii comitetului sunt arestaţi şi duşi la Sibiu în faţa instanţei. Unii sunt judecaţi, alţii nu. Ergézi Jolán va fi închisă 6 luni, dar după ce este eliberată şi revine la Vlăhiţa, este primită cu atâta duşmănie de către conducerea uzinei, încât familia se mută din localitate. Nu se ştie unde îi poartă norocul, poate la Braşov, poate la Târgu-Mureş… Cu plecarea lor, dispare familia Ergézilor din Vlăhiţa şi din zona pe care o pot cuprinde. Ramura lor bărbătească a dispărut, iar cea feminină poate s-a dizolvat în celelalte familii (NB.: pe internet am dat de un anume Ergezi Ernest în oraşul Lorain din statul Ohio – USA, decedat şi el în 1993).
Toate acestea le-am aşternut pe hârtie spre a dovedi că numele de Ergézi supravieţuieşte, cel mai longeviv – poate – prin familia poetului Arghezi, ceea ce este însă cert: Tudor Arghezi este acela care-l face nemuritor. Firul ascendenţei se va rupe însă aici: Mitzura Arghezi a rămas nemăritată, Baruţu n-a lăsat „moştenitori” pe linia de sânge, a avut o fată adoptivă.
Atât am reuşit să descopăr despre soarta familiei Ergézi. Alţii – mai norocoşi – care vor apărea, poate, vor dezvălui mai multe. „On ne sait jamais!” Închei cu un singur exemplu. Căutând pe internet (într-o altă chestiune), mă întâlnesc, deodată, pe web-site-ul Judecătoriei din Odorheiu Secuiesc iarăşi cu numele de Ergézi. Într-un proces de uzucapiune din 2009 reclamanţii Májer Mihály şi Kondrád András dau în judecată pe pârâţii: Ágoston Zsuzsanna, soţia lui Ergézi János, pe Ergézi Róza, Ergézi Véri, Ergézi József, Ergézi János, Ergézi Rudolf şi alţii, pentru înregistrarea în cartea funciară pe numele lor a câte unui imobil din Vlăhiţa şi – respectiv – din Lueta. Reclamanţii au câştig de cauză în proces, iar imobilele posedate cândva de familia Ergézi vor fi trecute juridic pe numele reclamanţilor. Într-una din aceste case, nu ştim când şi câţi ani, până la ce vârstă, a trăit şi Tudor Arghezi. Într-una dintre ele (nu se ştie care), cândva, Ágoston Zsuzsanna, lucrând la război, cu furca de tors în brâu, sau cu andrele de împletit printre degete spunea poveşti, poate cânta cântece populare, balade secuieşti copilului care va deveni unul dintre cei mai de seamă poeţi români ai secolului XX.
Pe baza unei vorbe locale (amintită şi în memorialul lui Katona Szabó István) poetul Arghezi „a umblat în Secuime, în satul natal al mamei sale, în caz de moştenire din partea părinţilor dinspre mamă”. Pe baza procesului de moştenire, derulat la Judecătoria din Odorheiu Secuiesc, a avut, ar fi avut ce moşteni. Nu ştim deznodământul demersul poetului.
Cinci cârlige
Nu este o exagerare să credem că Arghezi a petrecut mai mult de trei veri fericite de vacanţă la Vlăhiţa. Poate ani buni. Cercetând urmele Ergezienilor, am dat de familia Svella din localitate, aflată în cea mai strânsă rudenie cu ei. Asupra acestei relaţii de rubedenie mi-a atras atenţia publicistul Ágoston Hugó, prietenul meu bun, cel care, în prezent, îşi duce traiul la Târgu-Mureş, însă o parte însemnată a vieţii active şi-a petrecut-o la Bucureşti, ca redactor şi/sau ziarist. Într-o perioadă, de după schimbarea de regim, a fost numit, ca delegat UDMR, în consiliul de conducere al Radioului Public Românesc. Cu ocazia şedinţelor, ocupând loc, de obicei, pe lângă Mitzura Arghezi, reprezentanta PRM, cu care era în relaţii joviale, se înţelegeau bine, putem spune, comportându-se cu empatie unul faţă de celălalt. Prietenul meu Hugó mi-a relatat în felul următor acest contact:
„Timp de patru ani şi mai bine am stat lângă doamna Mitzura Arghezi la şedinţele Consiliului de Administraţie al Societăţii Române de Radiodifuziune. Am avut, aşadar, ocazia să discutăm despre mai multe lucruri. Mi-am exprimat, nu o dată, admiraţia faţă de opera tatălui Domniei sale, Tudor Arghezi. Într-o zi, i-am spus şi despre descendenţa mea germană pe lângă cea maghiară. Spre surprinderea mea, mi-a răspuns că şi familia lor are strămoşi germani şi maghiari. Am întrebat-o: Sigur, sigur? Sigur! – mi-a răspuns categoric. Nu mai ştiu de ce n-am insistat: a început şedinţa sau credeam că e vorba de un lucru consacrat, bine ştiut, pe care ar fi trebuit să-l fi cunoscut şi eu, aşa, pentru cultura mea generală.”
Mitzura Arghezi, cea care s-a dovedit o înverşunată păstrătoare a tainelor familiale, iată că, în convorbirea cu Hugó a scăpat o vorbă, recunoscând – indirect – că bunică-sa, pe jumătate, era de origine maghiară, pe jumătate germană.
Hugó a arătat interes pentru cele relatate de mine despre genealogia argheziană, publicate în revista Székelyföld. Dându-mi câte o mână de ajutor, când şi unde a avut ocazia. Astfel, printre altele, mi-a trimis o fotografie a Mariei Svella, născută Ergézi, aflată undeva pe internet. (Potrivit unor păreri ale specialiştilor, fotografia a fost făcută cândva la începutul sec. XX.) Mi-a făcut o mare plăcere să văd această poză, pe de o parte, pentru că mi-am dat seama de aspectul fizic al fetelor Ergézi (NB.: trebuia să fi fost atrăgătoare!!!), pe de altă parte, prin această filieră, a familiei vlăhiţene Svella, am dat de rudele apropiate ale Ergezilor. Luând contact cu domnii Svella Károly şi Herceg Ferenc, ne-am apucat să dezlegăm taina cum şi când a ajuns în familia Svella o fată Ergézi, despre care eu am relevat deja că este o verişoară a Rozaliei. (După noi cercetări de arhivă, am aflat următoarele: Ergesi Joannes şi Ballaschin Mária, originari din Bucovina, pe lângă fiul lor János, mai aveau un băiat, Ferenc, cel care şi-a întemeiat o familie în Vlăhiţa sau la Lueta, căsătorindu-se cu Krusinszki Katalin. În această familie Ergézi sunt crescute trei fete: Mária, (cea din fotografie care se va mărita cu un băiat Svella), Veronika (născută în 1886 şi despre care nu avem informaţii) şi Irén, cea de-a treia, care se căsătorise cu un antrenor de înot, Dexler Ferenc, şi au stat la Szolnok, după aceea la Budapesta. Ea este singura persoană cu numele de Ergézi, aflată de mine într-un catalog de familie din Ungaria.)
(Svella Maria, născută Ergezi, verişoara Rozaliei Ergezi.)
Contactele mele cu familia Svella au avut şi un al doilea rezultat. De la ei am făcut rost de un fragment de memorial al scriitorului şi redactorului Katona Szabó István (Târgu Secuiesc, 1922 – Gödöllő, 2013), cel care a activat mult timp la Târgu-Mureş, consemnările lui – prin mijlocirea unor date referitoare la familia Svella – ducându-mă mai aproape de Arghezi. Iată fragmentul memorialului:
„Arghezi a fost apostrofat ca un poet «mistic» şi numai după «dezgheţul» intervenit de după moartea lui Stalin a fost reinventat, cu ocazia unui congres al Uniunii Scriitorilor a fost aşezat în mod festiv printre membrii prezidiului şi a fost lăudat de aceia care cu puţin timp mai înainte l-au calomniat. Personal nu l-am cunoscut, însă, întâmplător, am aflat câte ceva din viaţa lui, despre care istoricii literari români au tăcut adânc. Sipos Lajos, fostul meu profesor de franceză de la Liceul din Târgu-Mureş mi-a dat de ştire, cu ocazia unei întâlniri, că are cunoştinţă despre un maistru restaurator de mobilă, cu numele de Svella, care este rudă apropiată a lui Arghezi şi ştie lucruri interesante despre copilăria scriitorului. M-a însoţit până la el, m-a prezentat, ca pe un fost elev de-al său, încât omul să aibă încredere. Domnul Svella avea în jur de 50 de ani şi o faţă care semăna leit cu cea a poetului. Cele povestite atunci de el au fost repetate, mai apoi, şi în prezenţa lui Lőrinczi László (Pusztacelina, 1919 – Settimo san Pietro, Sardinia, 2011), fostul meu prieten de şcoală şi coleg actual în redacţia Új Élet, cel care a făcut şi notiţe din cele relatate de Svella. După opinia domnului Svella, Arghezi este descendentul unei familii de negustori înstăriţi din Moravia, pripăşită în Vlăhiţa, strămoşii lui în sec. XIX scriau încă numele Aerghezi. Una dintre fiice a ajuns la Bucureşti, la un oarecare domn Theodorescu, ca menajeră. Acest domn a fost tatăl lui Arghezi, copilul purta încă numele lui. Numele actual de Arghezi l-a preluat ca scriitor şi nu l-a schimbat toată viaţa. Domnul Svella, din amintirile sale de familie, ştia că tânărul Arghezi a umblat în Secuime, în satul natal al mamei, în cazul de moştenire al avuţiei dinspre părinţii tatălui mamei. Ştia că dovezile cele mai sigure se aflau în registrele matricole bisericeşti, dacă acestea s-au păstrat. Ştia că toate aceste registre matricole provenite din anii de dinainte de 1900 au fost adunate de pe tot cuprinsul Transilvaniei şi păstrate în arhiva ministerului de interne, unde, practic, sunt inaccesibile. […] Domnul Svella a declarat că a scris preotului de acolo în această problemă, dar n-a primit niciun răspuns. N-a ajuns la Vlăhiţa, să facă cercetări personale, în acest caz, dar în timpul când se afla la Bucureşti a împrumutat din biblioteca Academiei toate cărţile despre viaţa lui Arghezi, ca să afle cum e interpretată originea numelui Arghezi. Fiecare dintre aceste lucrări vorbesc despre faptul că numele lui adevărat a fost Theodorescu, iar Arghezi este un nume de scriitor. În această privinţă au apărut două teorii, fără să se refere la părerea scriitorului însuşi sau la vreo explicaţie concretă. Una dintre teorii a datat numele din toponimul Argeş, cunoscut nu numai geografic, dar şi din legenda Meşterului Manole şi a mănăstirii Argeş. (Asemenea legendei cetăţii Deva şi a lui Kőmíves Kelemen din folclorul maghiar. Bineînţeles, aceasta din urmă n-are niciun amestec în alegerea numelui poetului.) A doua teorie aduce în concordanţă (alegerea numelui poetic – nota trad.) cu grecescul Argos, având în vedere erudiţia clasică a poetului şi interesul său pentru această cultură.
Nu se dă, însă, explicaţie, în niciuna dintre cele două teorii, sufixului -i, inexistent, de altfel, în limba română, ceea ce nu poate fi motivat altfel decât ca un efect lingvistic maghiar. Acest aspect mi-a întărit suspiciunea că aceşti comentatori cunosc, desigur, originea maghiară a mamei lui Arghezi. […] După toate acestea, am telefonat lui nea Laci (Lőrinczi László – nota trad.) în Sardinia, iar el i-a relatat: – Fata Arghezi din Vlăhiţa a plecat la Bucureşti să se angajeze ca slujnică, apoi – devenind menajeră la un oarecare domn Theodorescu – va fi mama copilului acestuia, copil care, mai târziu, preia numele de Arghezi. Slujnica a lucrat şi la al doilea domn Theodorescu, dar Arghezi nu a dezvăluit niciodată, care dintre cei doi este tatăl lui. Copilul a urmat cursurile primelor două clase elementare la Vlăhiţa, în şcoală maghiară, şi – fiind înscris în clasa a treia la Bucureşti – la apel, cu ocazia primei zile de şcoală, a spus: «Jelen!» («Prezent!»), iar colegii de şcoală l-au făcut «boanghin». Acest lucru l-a aflat nea Laci de la însuşi Arghezi.
De altfel, Arghezi vorbea bine limba maghiară şi, mai ales, avea un accent corect, ca acele persoane, care şi-au însuşit limba din copilărie. Atât băiatul, cât şi fata lui Arghezi – la fel ca şi dânsul – ascundeau, cu sfială, orice referire asupra persoanei mamei! Mai mult, când nea Laci a scris o postfaţă la o carte a lui Arghezi, tradusă de el în limba maghiară, fata l-a întrebat, cu rea-credinţă: «aşa, că n-aţi scris nimic despre descendenţă?». Nea Laci a mai relatat că cineva a tradus o operă a lui Arghezi în limba maghiară, iar Arghezi a remarcat că: «Traducerea sună mai bine, ca în originalul meu!» Mama lui Arghezi a murit în 1944, în stare de demenţă totală. Nea Laci i-a vizitat mormântul, i-a spus chiar lui Katona Szabó István în care cimitir se află, dar acesta nu a reţinut.”
*
Fragmentul de memorial al lui Katona Szabó István, deşi contribuie cu câteva noutăţi la cunoştinţele noastre anterioare, privind biografia argheziană, reflectă cu fidelitate circumstanţele efectuării actului de documentare în anii premergători schimbării de regim, când sursele din arhive nu erau accesibile. Amintirile lui Lőrinczi László – după părerea mea – au o mare importanţă, deoarece el şi-a trăit viaţa în Bucureşti şi numai după 1990 s-a mutat în locul natal al soţiei sale (artistă de harpă) în Sardinia. Am aflat de la Kányádi că şi Lőrinczi László era preocupat de biografia lui Arghezi, l-a cunoscut, personal, atât pe poet, cât şi familia acestuia, fiindu-le chiar un apropiat, le făcea vizite la Mărţişor, acasă la poet. El a tradus în limba maghiară romanul Ochii Maicii Domnului, apărut în 1972, la Editura Kriterion. Moştenirea sa literară nefiind prelucrată, încă, din păcate, nu ştiu ce s-a întâmplat cu toate cele adunate despre biografia poetului.
Să facem o recapitulare a datelor aflate de la Katona Szabó István:
-
Dezvăluie filiaţia Svella, prin care am dat de cele mai apropiate rude Ergézi. De la membrii familiei Svella, am aflat cum cele două familii s-au unit, prin căsătoria unui băiat Svella cu Ergézi Mária, reprezentată în fotografie (despre care am amintit), această ramură ajungând, cumva, la Târgu-Mureş, din care se trage şi domnul Svella, restauratorul de mobilă (după care Arghezi se interesează intens de soarta moştenirii avuţiei Ergezilor). Cele relatate de el prezintă caracteristicile unei legende de familie, transmise din gură în gură (Nb.: cu mitul decăderii, dintr-o fostă situaţie familială avută: negustori înstăriţi). Noi am aflat deja: Ergézi, străbunul nu era originar din Moravia, nu provenea dintr-o familie de negustori bogaţi, care-şi scriau în secolul XIX numele cu Aerghezi.
Apoi, după cum am văzut, Ergézi Rozália, provenind dintr-o familie de mineri, nu s-a angajat ca menajeră la domnul Theodorescu.
-
Lőrinczi László vorbeşte despre doi domni Theodorescu (unul, într-un timp semna Theodorescu) la care a servit slujnica Rozália. Din cele prezentate deja de noi, rezultă că, într-adevăr, existenţa celor doi „domni” nu e o scorneală, dar slujnica n-a lucrat la nici unul, ci era angajata lui Manole Pârvulescu. Ne dă de gândit, însă, acea informaţie a lui Lőrinczi cum că Arghezi n-a spus niciodată care dintre cei doi este tatăl lui adevărat. Aici, Lőrinczi a bănuit ceva, pentru că el a tradus romanul de speţă autobiografică al lui Arghezi (Ochii Maicii Domnului), al cărui erou principal, Ioan Vintilă nu numai că nu cunoaşte, adică nu este sigur cine este mama lui, dar şi la întrebările care scrutează persoana tatălui său dă răspunsuri evazive, spunând că el, pe baza Noului Testament, este fiul Domnului, se aseamănă cu Iisus, fiind creat după chipul Lui, al aceluia, care este fratele şi sfântul tuturor copiilor fără tată. A fost, deci, cuprins de îndoieli în privinţa persoanelor ambilor părinţi. Afirmaţia o putem susţine prin rememorarea şirului de întrebări scrutătoare, puse una după alta, ca o cavalcadă din poezia Copil din flori. Sau din altele.
-
Eu dau crezare afirmaţiei lui Lőrinczi László cum că primele două clase elementare Arghezi şi le-a făcut la Vlăhiţa, şi anume, în şcoala primară din zona industrială (înfiinţată din anul 1851), şi nu în şcoala din sat, iar Lőrinczi trebuia să fi aflat acest lucru nu de altundeva, ci de la însuşi poetul. Nu dispunem însă de documente doveditoare. Am căutat în toate arhivele posibile de la Budapesta la Bucureşti, prin Miercurea Ciuc şi Alba Iulia etc., însă documentele referitoare la şcolile din Vlăhiţa, pentru deceniul 1880–1890, lipsesc cu desăvârşire.
Nu este un argument doveditor sută la sută, însă ne dă de gândit faptul: poeţi mai sfioşi, mai introvertiţi, cum era de altfel şi Arghezi, ascund unele fapte autobiografice demne de a fi tăinuite de ochii lumi, incluzându-le tocmai printre rândurile poemelor lor – mi-atrage atenţia bunul meu coleg, traducătorul acestor rânduri, Bartha György –, poate, puse în cârca unui alt personaj liric, fie acesta chiar şi… Dumnezeu (cine ar fi în stare să păstreze un secret mai bine ca El?). Poezia Abece, din ciclul Hore de copii, intră în această categorie. Iată un fragment, asupra căruia merită să ne concentrăm atenţia:
„C-un crâmpei de alfabet
Mergea scrisul foarte încet.
N-aş vrea nici atât să-l supăr
Cât piperul de ienupăr,
Dar o să vă spui ceva:
Nici carte nu prea ştia.
Orişice învăţăcel
Ştia mult mai mult ca el.
El, care făcuse toate,
Nu avea certificate.
Câtu-i Dumnezeu de mare
N-avea trei clase primare.
La citit se-mpiedică,
Nu ştie aritmetică.”
Certificat de şcoală, adeverind cele trei (sau două) clase primare, la o şcoală maghiară dintr-o altă ţară, poate nu avea. Dacă ar fi fost eliberat un astfel de act, cine să-l traducă, şi chiar dacă ar fi fost tradus, care ar fi fost folosul? Copilul, ajuns la şcoala în limba română din Bucureşti era, practic, analfabet. Adică avea „un crâmpei de alfabet” într-o altă limbă decât limba şcolii unde se afla. Trebuia s-o ia de la capăt cu învăţatul. Ceea ce a făcut. Şi a devenit geniul literaturii române!
-
Despre cunoştinţele de limbă maghiară ale lui Arghezi, am aflat deja din relatările lui Kányádi Sándor, propoziţiile citate de Szőcs István întărindu-ne informaţiile că poetul – cel puţin în timpul copilăriei – vorbea limba mamei sale la nivel de limbă maternă. Ataşamentul poetului faţă de limba maghiară se poate deduce şi din episodul următor: Zsehránszki István, publicist contemporan cu noi, care trăieşte în Bucureşti, vizitând Mărţişorul (funcţionează în prezent în regim de casă memorială), pe biroul poetului (păstrat pentru posteritate în asemenea condiţie, încât lasă impresia că Arghezi chiar acum s-ar fi ridicat de pe scaunul de lângă el) a zărit marele Dicţionar Maghiar-Român, Român-Maghiar al lui Kelemen Béla, în două volume (Ediţia Academiei Române). Arghezi l-a folosit, dacă îl avea la îndemână. Nu este exclus că verifica exactitatea traducerilor (NB.: în 1964 i-a apărut în limba maghiară cea mai reprezentativă culegere a poeziilor sale, la Editura pentru Literatură, în îngrijirea autorului, cu prefaţa semnată de Beniuc.)
-
Noi cunoaştem locul odihnei de veci al Rozaliei Ergézi, adică unde era. Acolo, sub copacii din parcul ospiciului de la Bălăceanca, pe sub care obişnuia să se plimbe, în braţe cu o bucată de haină, pe care trebuia s-o cârpească, cu nişte andrele de împletit şi sfoară – parcă şi-ar fi continuat şi aici munca de menajeră (precum notează Popescu-Cadem). Dar, în 1960, venind de la Paris, nepotul său, Elie Lothar, pe care l-a crescut până la vârsta de 20 de ani, nu-i mai găseşte mormântul, osemintele fiindu-i mutate, între timp, în groapa comună din cimitirul localităţii.
Lőrinczi László putea să-l vadă, încă, pentru că a trăit în Bucureşti din anii 1946.
*
Arghezi, în 1939, publică în revista Fundaţiei Regale un ciclu de poezii, evocând obiceiul de Crăciun al familiei sale. Iată un fragment din poezia Cinci cârlige:
„Mâinile bătrânei mele
Împletesc în cinci andrele
Într-ascuns, pentru Ajun,
Darurile de Crăciun.
Ziua-ntreagă nu-i mai văd
Şchiopătarea prin omăt;
Cui apucă de o-ntreabă,
Maica spune că-are treabă.
Dar copiii prin perdea
Prind în umbra ei ceva,
Iscodind taina mătuşii,
Seara, pe gaura uşii.
Ea, cu lâna între deşte,
Stă din lucru şi zâmbeşte.”
Mai mult decât sigur că eroina poeziei este Ergézi Rozália, chiar dacă istoricii literari meticuloşi îi atribuie acest rol soţiei sale, Burdea Paraschiva. Nu poate fi vorba despre soţia poetului, pentru simplul motiv că pe aceasta n-a numit-o nicicând „bătrâna mea” sau „mătuşă”. I se adresa, chiar şi la bătrâneţe, cu apelativul „fata mea”. E drept că, în timpul apariţiei poeziei, Rozália, probabil, nu mai stătea cu familia fiului său, evocarea chipului mamei, însă, cu retrăirea atmosferei sărbătorilor de odinioară, ca temă poetică, nu e o raritate. Un motiv decisiv, în identificarea personajului liric, îl constituie prezenţa imaginii poetice „a mătuşii” şchiopătânde, „prin omăt”.
Din datele internării în spital reiese că Rozália, într-adevăr, şchiopăta la bătrâneţe. În 1980, cu ocazia centenarului poetului, revista Tribuna României publică un montaj din amintirile poetului. Iată, într-un fragment, evocarea mamei:
„Nu te mai văd de doi ani în drumul meu. Veneai la mine şi-ţi luai ajutorul meu, pe care ţi-l dau din toată inima. De un timp n-ai venit. Aş fi auzit că ai fi murit, biată bătrână, care ai fi putut să fii muica mea, care ai fost, poate, chiar mama mea. Tu mă sărutai ca pe un copil al tău. Începuseră să-ţi tremure gura şi braţele cu care mă cuprindeai. (…) Te caut şi nu te găsesc nicăieri. Şi te caut şi-n vis, unde, încă, n-am aflat că ai fi murit. Visul ştie mai bine lucrurile neştiute, dar de tine totuşi nu ştie nimic.
Umblu în vis prin străzi neumblate, unde nu te cunoaşte nimeni şi întreb: Unde-i bătrâna mea, care venea la capătul lumii să-şi ia ofrandele mele? Am întrebat în casele oarbe, în curţile înguste: Nu stă aici bătrâna mea care stă sprijinită de un toiag? Cum şchioapătă dintr-un picior şi, în tăcere, îi curg lacrimile tăcute?
Nu ştie, nu te-a văzut.”
În poezia Pomul, din ciclul amintit, prezenţa Rozaliei, în viaţa familiei Arghezi este univocă: „Dar mănuşile – aşteaptă!/ Toate sunt pe mâna dreaptă… // Maica-mare-i de părere/ Că scăpase din vedere.”
Balada Paraschivei din Buneştii Bucovinei
„Fata mea, de când ne-am luat
Vremea tot ne-a tulburat.
Am trăit, după cum ştii,
La-nchisori şi-n puşcării”.
Arghezi, în tinereţe, n-avea prea mare succes la femei. Prima sa iubire, muza „agatelor negre”, Natalia, de origine sârbă, moare la tinereţe. Amintirea ei l-a urmărit mult timp pe poet, în poeziile inspirate de ea o invocă: „Lio, Lio!” De profesoara Aretia Panaitescu se îndrăgosteşte, având vârsta de 23 de ani, întreţin o corespondenţă bogată, dragostea poetului va rămâne, însă, neîmpărtăşită. O derulare fulgerătoare are relaţia sentimentală cu profesoara şi poeta din Piteşti, Constanţa Zissu, cu şase ani mai în vârstă decât Arghezi. „Rodul” acestei iubiri, Eliazar, primul copil al lui Arghezi, se va naşte la Paris şi va fi lăsat de mamă acolo, sub îngrijirea unei dădace, pentru că statutul său de profesoară, nemăritată, încă, nu-i permite să aibă un copil nelegitim. Relaţia va fi legitimată la 4 octombrie 1912, poetul căsătorindu-se cu mama primului său copil. Eliazar va fi adus acasă, din Paris, de către bunica lui şi crescut de ea, aşa după cum am mai amintit.
Relaţia cuplului va fi însă efemeră, căci, după un an şi patru luni de căsnicie, soţia va intenta acţiunea de divorţ, sub motivul că pârâtul tată şi-a părăsit căminul conjugal, luând cu el şi copilul. Divorţul se pronunţă în februarie 1914.
Poetul se va recăsători pe la mijlocul primului război mondial, în 5 noiembrie 1916, luând-o de soţie pe Paraschiva Burdea, de 26 ani. Pe baza datelor înscrise în registrul matricol, doamna Paraschiva, fără ocupaţie, s-a născut la Pleşeşti, judeţul Suceava, părinţii, decedaţi amândoi. Poetul va avea o soţie simplă, neşcolită, cea care va păzi cu dârzenie pacea căminului. Ciorba gătită de ea – scrie undeva poetul – are preţul a mii de literaturi.
Poate să fie numai o răstălmăcire făcută de mine, dar sunt înclinat să cred că – pe lângă iubire – în alegerea de a lua de soţie pe această fiinţă singuratică, simplă, ajunsă cumva din Bucovina la Bucureşti, au contat şi experienţele dobândite în copilărie, la casa maternă din Vlăhiţa a poetului. Ştia că rudele, dinspre tată, ale mamei, provin tot din Bucovina, i-a cunoscut bine pe aceştia, dar şi pe ceilalţi muncitori nemţi din Vlăhiţa, veniţi şi ei de pe meleagurile bucovinene, care s-au dovedit a fi oameni oneşti, de încredere, harnici, muncitori, care-şi ţin cuvântul dat. De altfel, bucovinenii se bucurau de un bun renume în faţa românilor, iar acest renume a şi crescut în timpul războiului, când Bucovina – cu participare activă a ruşilor – va fi anexată de România. Arghezi, aşadar, a căutat şi şi-a găsit tovarăşul de viaţă de încredere în persoana bucovinencei Paraschiva Burdea.
„Ţara ta din Miazănoapte
Tăia spicele necoapte.
Vaca voastră nu da lapte
Fiindcă soarele greoi
N-ajungea până la voi.”
N-am aflat, dacă Arghezi a ştiut, ori ba, din care parte a Bucovinei a emigrat la Vlăhiţa familia Ergézi, în preajma anilor 1850. Ţin să cred că Arghezi, copilul, ar fi aflat acest lucru de la bunici, mătuşi, unchi, cei care, în timpul copilăriei lui au menţinut o legătură vie cu cei din colonia de mineri din Iacobeni. După părerea istoricului local din Vlăhiţa, Herceg Ferenc, marea majoritate a minerilor şi a muncitorilor metalurgişti au imigrat la Vlăhiţa de la minele de mangan şi fier, de la furnalele din Iacobeni. Îmi închipui că Arghezi ar fi umblat acolo, pentru că avem informaţii sigure despre drumul/drumurile în satul de origine al părinţilor soţiei sale, Buneşti. O mărturie a acestor drumuri poate fi socotită poezia Altar la Putna.
La Iacobeni, nemţii încep să imigreze de după anexarea în 1774 de către Austria a Bucovinei, mai precis de după 1783, pe când, în preajma Iacobenilor, căutând aur şi argint, descoperă zăcăminte bogate de mangan şi de fier. Vin aici germani, numiţi şi ţipcer, de naţionalitate austriacă cu o experienţă bogată în minerit şi metalurgie din zona Szepes (Slovacia), formând o colonie înfloritoare pe valea Bistriţei Aurite. În localitatea minieră, aflată între Vatra Dorna şi Câmpulung Moldovenesc, unde – pe lângă biserica româno-ortodoxă – a existat şi o biserică lutherană şi una catolică, pentru germani-ţipcer, în anii 1930, 75% din locuitori erau de etnie germană. Azi nu mai există niciun suflet!
Căutând rudele familiei Ergézi pe web-site-ul comunei Iacobeni, am dat de un set bogat de fotografii, reprezentând viaţa din trecut a comunităţii germane din sat, marea majoritate a pozelor provenind din perioada dintre cele două războaie mondiale. Şi, ca să vezi, în partea de jos a fotografiei cu nr. de ordine 27, reprezentând o festivitate de depunere a coroanelor în cimitirul german, din 1935 (e mai exact, dacă scriem cimitir austriac, pentru că în primul război mondial pe aici a luptat armata austriacă), printre numele înşirate găsesc un Otto Ergösi. Nu se ştie, dacă şi familia, mutată în Vlăhiţa, îşi scria numele iniţial cu ö şi l-a schimbat ulterior.
Am căutat, fără nici un succes, urmele Ergézilor şi în Germania, deoarece germanii proveniţi din Bucovina au multe asociaţii. În consecinţă, putem afirma, pe baza cunoştinţelor noastre prezente, că strămoşii mamei lui Tudor Arghezi provin din colonia de mineri din satul bucovinean, Iacobeni.
Pentru Arghezi, poate, prezenta nu mai puţin interes comuna Buneşti şi satul aparţinător, Pleşeşti, satul de origine al soţiei sale, o fostă staţie de graniţă între Bucovina şi Moldova. Vechea clădire a oficiului de grăniceri în prezent este ocupată de primăria locală. În poezia Nunta (din volumul Poezii noi, apărut în 1963) Arghezi afirmă cu o oarecare mândrie că soţia sa, Paraschiva Burdea este de sorginte răzeşească.
Potrivit Dicţionarului Explicativ Român (DEX) cuvântul răzeş înseamnă ţăran liber, cel care avea în posesie o bucată de pământ moştenit din tată în fiu şi cultivat în comun de către colectivitate. Nu plăteau impozit, însă, dacă era necesar, trebuia să presteze serviciu militar (aidoma etniei secuieşti). În literatura română, răzeşii au fost imortalizaţi prin romanele lui Sadoveanu (Fraţii Jderi, de ex.). Etimonul cuvântului „răzeş” este adjectivul maghiar „részes”. Menţionez doar atât că, în evul mediu, numeroase sate de ceangăi-maghiari moldoveneşti beneficiau de acest statut.
La urma urmelor, chiar dacă Arghezi nu s-a putut lăuda cu o origine din nuntă regească ori de o spiţă boierească, totuşi, prin familia sa, a reuşit să agonisească un „pedigriu” mai elevat. O provenienţă de meşteşugari olteni – dintr-o ramură –, din cealaltă: mineri germani, secuiancă liberă şi soţie de răzeşi. Copiii săi s-ar fi putut lăuda cu o asemenea ascendenţă.
Decesul soţiei l-a încercat profund pe poet. În poezia Litania (apărută în 21 iulie 1966) scrie următoarele:
„Ştergeţi-mi numele –
El nu mai are rost să fie citit.
Eu niciodată nu mi l-am iubit.
Mi l-am urât şi-atunci când era aplaudat.
Aveam cu cine scri şi pentru cine.
(…)
Tovarăşa de-o viaţă
Topită-ncet, a intrat în ceaţă.
Nu mai e seară, nici dimineaţă.”
În Balada, scrisă în august, parcă şi el îşi ia rămas bun de la viaţă:
„Vremea mi-a venit şi-mi vine
Să te port de-acum în mine.
În zăbranic, dragă fată,
Inima mi-e-nfăşurată.”
Testament
Am un ataşament personal faţă de această poezie, poate una dintre cele mai mari creaţii a liricii mondiale: am rostit-o eu într-un recital de poezii, organizat la casa de cultură din Miercurea Ciuc în a doua jumătate a anilor 1960. Am păstrat-o în memorie până în ziua de azi:
„Nu-ţi voi lăsa drept bunuri, după moarte,
Decât un nume adunat pe-o carte,
În seara răzvrătită care vine
De la străbunii mei până la tine,
Prin râpi şi gropi adânci,
Suite de bătrânii mei pe brânci,
Şi care, tânăr, să le urci te-aşteaptă,
Cartea mea-i, fiule, o treaptă.”
Străbunii lui Arghezi, într-adevăr, au suit din abisuri adânci, foarte adânci pe suprafaţa acestei lumi create, deoarece faţă de adâncul minei numai iadul poate fi mai adânc. Acesta din urmă a fost umblat în tot cursul vieţii de poet.
Poezia a fost tradusă, genial, în limba maghiară de poetul Illyés Gyula.
S-ar putea ca aceasta să fie traducerea poeziei Testament, despre care poetul îi spunea lui Lőrinczi László că este mai reuşită decât originalul? (Exagerând, bineînţeles. Chiar şi verificând textul tradus, pe baza Dicţionarului Maghiar-Român, aflat pe biroul său, la îndemână). Ce putem noi afirma este că ambele variante sunt geniale, atât originalul, cât şi versiunea în limba maghiară.
Întâlnirea intelectuală a celor doi mă duce cu gândul la o întâlnire reală, emblematică, cathartică, cutremurătoare, chiar a celor două personalităţi de seamă ale literaturii europene din a doua jumătate a sec. XX. Întâlnire care a însemnat cu mult mai mult pentru amândoi decât o întrevedere protocolară obişnuită, împotmolită în plictiseala oficială.
Arghezi, în septembrie 1960, la invitaţia Uniunii Scriitorilor Maghiari şi a Institutului de Relaţii Externe, îşi petrece două săptămâni în Ungaria, împreună cu familia. Pe atunci era într-un stadiu avansat – poate gata pentru tipar – volumul său de poezii alese, în limba maghiară, volum care apare în librării la începutul anului următor, cu titlul: Testamentom. La acest volum Arghezi scrie, înaintea prefeţei lui Domokos Sámuel, încă o prefaţă: o pre-prefaţă, cu titlul Încă un cuvânt. Iată, un pasaj:
„La plecarea mea spre acasă – scrie poetul – luându-mi rămas bun de la gazde, pe lângă simţul răspunderii mai păstrez şi o nuanţă a nostalgiei care nu mă va părăsi niciodată. Reţinerea firească a autorului abia dacă poate fi împăcată cu acel gest ca să adauge manuscrisului său şi o explicaţie, deoarece exprimarea părerii critice este totdeauna o îndatorire a cititorului. Însă, nimic nu mă poate împiedica să mărturisesc acele impresii care în capitala ungară şi la bordul lacului Balaton cu o apă azurie m-au purtat dintr-o surpriză în alta. În ceea ce îi priveşte pe oameni, am notat multe nume în agendă. Renunţ ca să le enumăr, nu vreau să fiu nepoliticos faţă de amintirea decentă a unor întâlniri cu persoanele cunoscute marcante.”
Poetul s-a întâlnit într-o vilă aflată la bordul lacului Balaton (poate în vila de agrement a Uniunii Scriitorilor de la Szigliget), cu Illyés Gyula, traducătorul poemului eponim al volumului de traduceri. Poetul maghiar, în Jurnalul său, şi-a notat următoarele impresii despre această întâlnire: „Poezia Testament este o perlă a literaturii moderne române. Nu citesc bucuros cu voce tare poezii, dar atunci când stăteam împreună cu Tudor Arghezi într-o casă de lângă Balaton, iar poetul în vârstă – având şi vederea slăbită – m-a rugat că dacă el însuşi nu poate citi poezia, măcar să audă cum sună în limba maghiară. I s-a spus că este aproape ca originalul. După ce am terminat cu cititul, s-a ridicat cu greu din fotoliul adânc, chiar împiedicându-se. Cu lacrimi în ochi mi-a pipăit faţa cu degete tremurânde mi-a sărutat-o şi în partea dreaptă şi în partea stângă. I-am urmărit de foarte aproape trăsăturile cenuşii ale poetului moşneag, peste care s-a abătut ca o umbră a sfârşitului ce se apropia şi pentru că şi pe mine m-au podidit lacrimile, i-am sărutat şi eu faţa din ambele părţi.
După această întâlnire am petrecut săptămâni întregi transpunând în limba maghiară în mod demn una dintre capodoperele liricii mondiale de iubire a secolului: Psalmul de taină. Numai acela, care cunoaşte poezia şi în original, poate să-şi închipuie ce râvnă mi-a trebuit ca să reuşesc să obţin ca această cascadă de cugetări şi de viziuni, cu rime măiestre, de şaizeci şi ceva de versuri, să ne minuneze şi în limba maghiară ca în limba autorului său genial: «O, tu aceea de-altădată,/ Ce te-ai pierdut din drumul lumii!/ Care mi-ai pus pe suflet fruntea/ Şi-ai luat într-însul locul mumii,/ Femeie răspândită-n mine/ Ca o mireasmă-ntr-o pădure,/ Scrisă-n visare ca o slovă,/ Înfiptă-n trunchiul meu: săcure.»
Pulsează aproape la fel şi în limba maghiară versurile acestei poezii, iar ultimele patru care sunt asemenea unui cutremur, le-am putut reda aproape cuvânt cu cuvânt: «Ridică-ţi din pământ urechea,/ În ora nopţii, când te chem,/ Ca să auzi, o! neuitată,/ Neiertătorul meu blestem.»”
Despre întâlnirea din 1960 a lui Tudor Arghezi cu Illyés Gyula relatează şi Dan Culcer într-un interviu luat în 1978 autorului poemului O propoziţie despre dictatură (scrisă în 1956), interviu care din cauza împrejurărilor de cenzură din România de atunci n-a putut fi publicat, ceea ce s-a întâmplat numai după 1990. La întrebarea lui Dan Culcer: „Aţi avut, aveţi oare, prieteni români (scriitori sau alţii)? Ne puteţi povesti o întâmplare, o istorie importantă despre asta?” Răspunsul lui Illyés: „Cea mai emoţionantă întâlnire am avut-o cu Tudor Arghezi, la Balaton. În vremea aceia am tradus Testamentul, cu admiraţie şi simpatie reciprocă, fiind şi eu de sorginte „populară”. Am mers la el să-mi exprim respectul şi să-l întreb, dacă am înţeles bine un pasaj al poeziei. Erau mulţi în încăpere, şi el stătea destul de bătrâneşte într-un fotoliu. Cineva a amintit, deja, la prezentare, ce succes am avut cu traducerea poeziei: curgea, de parcă Arghezi ar fi scris-o în limba maghiară. La aceste spuse s-a ridicat, ca un miop, mi-a pipăit obrazul, şi a sărutat, unul câte unul, ochii mei. Ne-au dat lacrimile.”
Relatările lui Illyés Gyula sunt mult mai mult decât emoţionante şi se completează reciproc. Oare în ce limbă s-a purtat discuţia între cei doi? Eu cred că în limba franceză, pe care o stăpâneau amândoi. Despre faptul că ştia (puţin?) limba maghiară, Arghezi, aşa cred, a tăcut cu sfioşenie, deşi cunoştea – probabil – cuvânt cu cuvânt şi versiunea în limba maghiară a poeziei Testament. Dacă discuţia s-ar fi derulat în limba maghiară, Illyés, care era receptiv la asemenea gesturi, n-ar fi trecut-o sub tăcere în jurnal, dar i-ar fi vorbit şi lui Dan Culcer, în interviul dat. Pe atunci nu prea se vorbea despre originea secui-germană a mamei celui mai mare poet român, Arghezi. Acest lucru nici nu are importanţă. Importantă este însăşi poezia. Cu această poezie, introductivă, a volumului Cuvinte potrivite, Arghezi, având pe atunci 47 de ani, îşi face apariţia în literatura română. Dar şi în literatura universală. Implicit – datorită traducerii congeniale a lui Illyés Gyula – şi în literatura maghiară:
„Din graiul lor cu-ndemnuri pentru vite
Eu am ivit cuvinte potrivite
Şi leagăne urmaşilor stăpâni.
Şi, frământate mii de săptămâni,
Le-am prefăcut în versuri şi-n icoane.
Făcui din zdrenţe muguri şi coroane.
Veninul strâns l-am preschimbat în miere,
Lăsând întreagă dulcea lui putere.
Am luat ocara, şi torcând uşure
Am pus-o când să-mbie, când să-njure.
Am luat cenuşa morţilor din vatră
Şi am făcut-o Dumnezeu de piatră,
Hotar înalt, cu două lumi pe poale,
Păzind în piscul datoriei tale.
Durerea noastră surdă şi amară
O grămădii pe-o singură vioară,
Pe care ascultând-o a jucat
Stăpânul, ca un ţap înjunghiat.
Din bube, mucegaiuri şi noroi
Iscat-am frumuseţi şi preţuri noi.”
În pre-prefaţa Testamentului, în limba maghiară, Arghezi scrie: „Umblând pe pământ maghiar, omul îşi pune, pe drept, următoarea întrebare: care este cauza, pentru care popoarele noastre nu s-au sudat de mai demult: maghiarii cu românii? Pentru că, pe lângă vecinătate, aceste popoare sunt predestinate de atâtea asemănări, de atâtea vocaţii comune, să se completeze unul pe celălalt, să-şi asume purtarea sorţii şi a viitorului lor comun, împreună, umăr lângă umăr. Albia solidă, unificatoare a Dunării ar fi trebuit să ne ofere exemplu la viaţă şi la prietenie şi unuia, şi celuilalt.”
Într-adevăr, două popoare singuratice, în mijlocul Europei de Est, înconjurate de o mare slavă. Întrebarea poetului este logică şi actuală. De ce, oare? Bineînţeles, pentru situaţia existentă, atât Tudor Arghezi, cât şi Illyés Gyula nu poartă nicio vină. Şi cu atât mai puţin, Ergézi Rozália.
Vezi și: Ferenczes Istvan, „Arghezi/Ergezi”, https://vatraoficial.wordpress.com/2015/05/11/arghezi-ergezi/
[Vatra, nr. 12/2015]
Emanuel MODOC – Exercițiul moderației
În condițiile în care debutul în poezie al lui Vlad Drăgoi a fost marcat de existența unui precedent liric în spațiul românesc, cel puțin la nivel de formulă, rapid semnalat de critica de întâmpinare (Jucăriile mortului al lui Constantin Acosmei), aproape că nici nu e de mirare ca recenzenții volumului Metode s-au arătat ușor sceptici în a-l clasa pe tânărul poet brașovean în rândul autorilor cu o poetică originală. Deloc surprinzător, deci, faptul că critici precum Alex Goldiș sau Adina Dinițoiu nu au preferat, în privința Metodelor, varza la a doua fiertură, chiar dacă e puțin bizar faptul că, dintre toți autorii debutați în 2013, Vlad Drăgoi a fost singurul luat în colimator și „acuzat” de epigonism. Altfel stau lucrurile cu cel de-al doilea volum, Eschiva*, apărut la Cartea Românească, în care Drăgoi pare să-și fi lepădat câteva zeci de straturi teribiliste din discursul poetic, luând calea unei distanțări evidente față de schemele poetice din volumul de debut. Și asta cu toate că prima treime a Eschivei e formată aproape în totalitate din același tip de poezii pentru care poetul și-a atras oprobriul criticii de întâmpinare. O mișcare, aș zice, binevenită, deoarece, – în ciuda faptului că i s-a reproșat acest lucru –, exercițiul moderației l-a ajutat pe tânărul brașovean să își fluidizeze discursul poetic.
Trecând rapid, în chiar parcursul volumului, de la cinism la indeterminare, Vlad Drăgoi își probează o nou-găsită sinceritate și o provoacă la o privire necruțătoare înspre interiorul ei, de unde o subminează și o supune în permanență dubitației: „cred așadar/ că o singură clipă/ de bucurie naivă/ afișată de un copil/ ferit, în mare,/ de părțile urâte ale vieții,/ face mai mult/ decât orice satisfacție/ venită de regulă/ după/ prima depresie pe bune// faza e că starea/ rămâne atâta de puțin/ că nici nu știu/ cum & când se/ reinstalează/ convingerea/ că în mine/ de fapt/ nimic/ umanitar” (p. 15). În același timp, nu lipsesc nici schemele, devenite deja loc comun, prin care se produce detensionarea discursului erotic prin dezacord evident: „cânt:/ fată frumoasă cu păr negru,/ vezi-mă când stau întins în cadă/ și linia apei limpezi/ fix la inimă e// undele făcute de bătaia cu ritm/ pentru tine sunt/ către tine vin;// și ca niște semilune subțiri de elastic/ tot mai mult lungite/ către tine/ către tine ele/ se transmite” (p. 23). Însă forța volumului Eschiva nu stă în pariul (post)ironic, nici în tehnica, pe alocuri abuzivă, a poantei („și în autobus/ dacă mă țin cu mâna de bara de jos/ și tu ești aproape și grasă/ apăi nu te legăna/ că-ți ating sânu/ și mor de rușine” – p. 33), nu în convenția detașării asumate și nici în metodele, oricum facile, de detensionare întru evitarea pateticului. Adevărata putere a acestui volum vine din recalibrarea desuetei oralități discursive (mă refer, aici, la amplele poeme narative din volum) pe un suport pop-culture ale cărui convenții – acceptarea sau nu a acestora în actul lecturii nu reprezintă o judecată valoare validă – lasă loc de respirație execuției: „băiatul care vine pe pietonală de la kfc cu sandviș dublu booster picant în mână/ – cum vine el așa el are cumva/ eleganța protosului vătămat în luptă – și este oprit de către cuplu ca să facă/ poze la fericire lângă fântână/ el cu bucurie face/ că să mănânce senvișul nu trebuie neapărat acuma/ că după ce toată noaptea a ținut în brațe/ pe fata deosebit de frumoasă/ a mai mâncat o ciorbă de dimineața de la 9/ și ce poate să te trezească la ochișori mai bine/ decât cum treci prin parc și vine spre tine/ superba și albastra și tomnatica rouă.// și cât de pe bune e superba și albastra și tomnatica rouă/ și cât de mult aș vrea să-ți fie asta culoarea/ cât de limpede e cerul/ ce frumos se vede marea” (p. 26).
În același timp, discursul lui Vlad Drăgoi se bazează aproape în exclusivitate pe suportul banalului cotidian pentru a exprima intensități lăuntrice. De pildă în poemul 2., o întâmplare mundană declanșează o întreagă re-sensibilizare interioară: „deci în general suntem foarte răi și odată am crezut și eu/ (deși e mult zis am crezut, era un fel de teorie excentrică/ aplicată forțat receptorilor […])/ am crezut că manifestările de acest tip sunt necesare,/ că pun sângele în mișcare/ și că nu are cum să nu facă bine fizic, la organism/ și la fel credeam că se pune sângele în mișcare/ și dacă faci judecată/ și vb foarte serios că mie mi-e greu și acum/ să nu fac judecată/ pentru că unii parcă chiar și-o cer și nici nu știu săracii/ cât de aproape pulsează inima făcută rea/ cât de neagră poate ca să fie furia ce crește în piept/ ca un pui de alien” (p. 32).
În puține momente din volum, eschiva e de fapt abolită și trădează un intimism autentic și sincer, fără urme de bovarism, prin care stările minore sunt transfigurate, fluid, în trăiri substanțiale: „despre aproape toate punctele/ de decizie majoră din viața mea/ pot să spun că au fost defazate/ sau oricum consumate/ într-o amară neorânduială/ cu feelingul acela de cauzalitate benignă/ pe care eu sincer nu l-am trăit niciodată ca lumea/ și doar l-am intuit/ ca pe-un reziduu al traseului corect” (p. 42). Expansive fără a deveni anoste, emoționante fără a deveni patetice, poemele fluviale din ultima parte a volumului se configurează pe un contrast destul de evident între desuetudinea formulei (citește oralitate) și temele pe care le abordează. Dar în același timp, poziția safe adoptată de personajul central din ele face ca întregul discurs să redea nu stridență, ci organicitate, construind fluvii vaste, cu ramificații miscibile. Motivele ce țin de banalul cotidian reprezintă pretexte deosebit de productive pentru redarea unui sentimentalism ce emerge din scurtele momente de respiro inserate între pornirile de frondă ale mai vechiului Drăgoi. Astfel de momente, deosebit de frumoase, pot fi regăsite în poeme precum cu viteza cobrei în atac („și dacă n-ar fi momente/ cum a fost faza cu apropierea de mama/ în fața blocului/ eu cred că sigur și rapid aș ajunge la un prag/ în care m-aș întreba foarte serios/ de câte momente de ratare e nevoie, Doamne,/ ca să ți se pună definitiv/ neagră lespede pe suflet?”), superbul poem Elsa („dar ăsta sunt, elsa, adică ăștia trebe să fim, în momente de genul? nu e oare eschivă când terminăm cu plângerea față de cel dispărut și drag, nu e menirea noastră veche și complet neegoistă ca să trebuiască să ne consumăm de durere până facem gaură în stern?”) sau în emoționantul poem ocazional, dedicat prieteniei, witchfinder general. Sunt texte puternice, ce îi consolidează lui Drăgoi o poziție favorabilă în rândul autorilor care reușesc, la al doilea volum de poezie, să își construiască o voce originală, profund individualizată și, sper eu, impermeabilă la judecățile date asupra lor privind potențialul liric survenit din schimbarea registrelor.
Prilej de a vorbi despre autotelismul poeziei lui Vlad Drăgoi. La sfârșitul anului 2014, studioul indie Hello Games a anunțat lansarea unui joc video inedit, No man’s sky, care va funcționa pe principiul generării procedurale. Studioul promite un univers care, literalmente, se autogenerează, fractalic, pe baza unor ecuații prestabilite, din care se speculează ca vor fi create puțin peste 18 cvintilioane de planete unice. Această cifră, inutil de mare, garantează că un jucător nu va putea întâlni niciodată două planete care să arate la fel. Rețeta, pe cât de neobișnuită, rămâne totuși o rețetă, iar variațiile pe aceeași temă nu pot garanta nici unicitatea, nici perenitatea unei astfel de formule, dar în același timp oferă suficient balast încât e imposibil ca materialul să fie epuizat în câteva vieți de om, datorită imensei varietăți în ce privește diferențele specifice. Tot așa, formula lui Vlad Drăgoi rezistă tocmai pentru că poemele din Eschiva își depășesc condiția de creație supusă rețetarului și induc un carusel generos de trăiri și intensități care se bazează pe potențialități ce nu pot fi realmente epuizate.
___________
* Vlad Drăgoi, Eschiva, Editura Cartea Românească, București, 2015, 52 p.
[Vatra, nr. 12/2015]
Mihaela VANCEA – Răzbunări bine temperate
,,Ce a furat comunismul vinde acum democrația. Chiar și sentimente”, spune unul dintre motto-urile cu care se deschide romanul și care este, totodată, și replica unui personaj al Mierlei negre*. În fond, Radu Țuculescu scrie o carte despre Radu Anghel, un tânăr căruia regimul comunist i-a jucat o farsă sub pretextul neînduplecatei transparenței pe care o promova. Autorul, la rându-i, a lăsat între paginile romanului o bună parte a experienței sale dinainte de ’89, fără a scrie, însă, un roman al nostalgiei sau al reactualizării unei adolescențe sub comunism. De altfel, preferința pentru alternarea trecutului cu prezentul se remarcă și în volumul Stalin cu sapa-nainte din 2009 sau Poveștile mamei bătrîne din 2006. Romanele sale au fost traduse în diverse țări precum Franța, Austria, Italia, Cehia, Ungaria și Serbia. Dar, dintre toate acestea, după cum mărturisește chiar Radu Țuculescu într-un interviu cu Diana Matei acordat pentru site-ul liternautica, Mierla Neagră are la bază ,,cea mai mare halcă tăiată” din viața sa.
Majoritatea personajelor sunt reale, ,,pipăite”, doar Mario Bucătarul, spune el, este un personaj inventat. Însă diferențele dintre cele deja întâlnite și acesta din urmă nu se observă deloc pe parcursul romanului, dovadă a faptului că toată experiența în Clujul pre si post revoluționar, de la experiența internatului, la oamenii pe care i-a cunoscut și străzile pe care le-a umblat au determinat un adevărat boom creativ. Personajele lui au biografii puternice, solide, conturate treptat odată cu fiecare din cele trei părți ale romanului: Internatul, Despina și La picioarele desculțe.
Primele trei pagini, cu toată introducerea despre dulceață, despre cum arată internatul Liceului de Muzică și cele câteva rânduri despre tovarășul pedagog Prada, se încheie cu momentul cheie al capitolului și al cărții. Cu butonul de switch al vieții personajului Radu Anghel, deci, cu imaginea pantofilor negri, ,,proaspăt lustruiți”, cu trupul căzut lat în mijlocul unei toalete, care-i aparține lui Mirel, Mirositorul de Picioare: ,,Obrajii îi sunt umflați, ca niște ardei umpluți. Printre dinții dezveliți de-un rînjet cabotin, atîrnă o bucată de material de culoare neagră. Apuc capătul cu două degete și-l extrag încet, răbduriu. Din gură îi ies aburi cu miros de mlaștină. Duhoarea morții”. Momentul în care găsește cadavrul declanșează prin tehnici cinematografice un val de amintiri din copilăria în care tatăl îi cânta la fluier, până la momente cheie ale vieții din internat. Seria de flashback-uri îi introduce și pe prietenii săi, pe Fangli și Ponco, alături de care plimba căruțul cu mâncare, pe Radu Orbul, cel care i-a dat prima țigară, dar și pe colegul curajos care fuma chiar în timpul orelor, Sîrb Ioan, poreclit Brînză. Nu lipsesc nici discuțiile despre fete, despre muzică și, mai ales, despre corbul care-și făcuse cuibul într-un zid, în spatele unui conifer, corbul pe care ,,tovarășul pedagog Prada” nu-l suportă, mierla neagră. De altfel, profesorul întrupează toate principiile regimului comunist cenzurând adesea acțiunile celorlalți sau găsindu-și turnători precum Mirel.
Dar romanul nu este nicidecum o radiografie a sistemului comunist, cât a evoluției lui Radu Anghel. E vorba, mai degrabă, de o radiografie a unei stări generate de sistemul politic, o radiografie a dorinței de răzbunare, întrucât Radu Anghel va fi acuzat pe nedrept de tovarășul pedagog pentru moartea lui Mirel, după ce el, la rândul său, îl va fi învinovățit pe Prada de moartea lui Ponco. În ciuda impulsivității personajului, răzbunarea pe care o pregătește e calculată și lentă. Schimburile de replici sunt vii, de-a dreptul delicioase in toate circumstanțele. După cum e și momentul în care, din solidaritate pentru colegul său, Ponco, care cîștigase marele premiul la Festivalul Internațional al tinerilor flautiști de la Praga, Radu Anghel îi ia apărarea. Fiind una din nopțile în care Mirel trebuia, la ordinul lui Prada, să miroase la propriu pe cei care nu și-au spălat picioarele, Radu Anghel se împotrivește acestei acțiuni. Schimbul de replici e ilar prin curajul pe care-l afișează pe care-l afișează Radu Anghel, căci el e personajul care face din propria impulsivitate o artă, e punctul care declanșează toată literaritatea romanului. Dacă el n-ar fi fost purtat de cele mai spontane reacții, probabil că întreaga poveste ar fi fost o înregistrare fadă a amintirilor unui tânăr cazat la internat: ,,Nu-i put picioarele, tovarășe pedagog! Mie îmi put, nu lui! Îmi put al naibi, ca la un dihor! De la mine ajunge mirosul la nasul turnătorului! Pe bune! La mine nu trebuie să vă aplecați, sînt sus”.
Totodată, în construcția personajelor experiența de dramaturg a autorului poate fi considerată un punct-cheie. Replicile sunt colorate, ironice, hazlii, spontane, naturale și livrează exact cantitatea necesară de conținut. În discursul lor, cu toții se provoacă unii pe alții și, la rândul lor, provoacă cititorul. Obrăznicia adolescentină a lui Radu Anghel atinge punctul culminant în episodul imediat următor, al dușului. Trimiși de pedagogul Prada la dușuri pentru a scăpa de mirosul neplăcut al picioarelor, cei doi se încăpățânează să rămână sub apa rece, decizia culminând cu moartea lui Ponco. Surprinzătoare sunt gândurile și analizele pe care Radu Anghel le face ulterior. Personajul nu-și dă voie să se simtă vinovat, toată responsabilitatea așezând-o pe umerii pedagogolui și ai lui Mirel, mirositorul de picioare. Astfel, momentul de debut al romanului își găsește justificarea în aceste flashback-uri. Cele două morți ale studenților contrastează una cu cealaltă. În timp ce Ponco moare curat, sub apa rece, moartea lui Mirel e apăsătoare prin miros, întrucât trupul lui zace într-una din toaletele turcești. Apropierea de cadavrul său e descrisă aproape cinematografic. Fiecare imagine se adaugă celeilalte asemenea unei serii fotografice. Cadreșe sunt redate prin propoziții scurte. ,,E Mirel, colegul meu. Mirositorul de picioare”, ,,Încerc să-i aflu pulsul, pipăindu-i gîtul cu degetele”, ,,Printre buze îi iese o bucățică de textilă neagră”. Mărturia falsă a tovarășului Prada care-l surprinde exact în acel moment, îl aruncă pe Radu Anghel la închisoare. Asupra acestei perioade se insistă cel mai puțin, carcera fiind tot un spațiul al rememorărilor și al unui nou start, în care Mario Bucătarul, colegul de celulă va juca un rol important în evoluția sa.
Mierla neagră devine cu fiecare pagină un adevărat bildungsroman, cu atât mai mult cu cât, cea de a doua parte a cărții e dedicată eșecurilor amoroase. Radu Anghel se mută cu Mario Bucătarul într-un oraș aproape de graniță unde o va cunoaște pe Despina. Capitolul surprinde o dublă ratare amoroasă concretizată în căsnicia lui Radu Anghel cu această tânără, care pare că se mișcă în lume purtată de două obsesii. Pe de o parte, ea are obsesia ratării unei cariere muzicale, cu toate că din încercările sale reiese că nu are pic de talent, iar, de cealaltă, eșecul amoros. Dacă la început pare copilăroasă, cu reacții pe măsură, fără să îl judece pe Radu Anghel pentru experiența carcerei, în timp, aceasta se dovedește a fi debilă, urmând haotic obsesia chipului lui Aron, băiatul de care a fost îndrăgostită în timpul liceului. Astfel, statistica amoroasă a Despinei, jurnalul descoperit de Radu Anghel, care îndosaria relațiile cu diversi Aroni îl împinge pe acesta spre o nouă formă de răzbunare la fel de calculată, poate chiar ușor sadică. Romanul e construit pe aceeași tehnică a rememorării, discursul personajului fiind adus în actualitate prin conversația cu Radu Orbul, căruia i se destăinuie: ,,Am venit cu Mario Bucătarul în Marele Oraș… Dar partea asta o cunoști si tu. În schimb, ghicește ce i-am spus Despinei, înainte de a-i întoarce spatele, definitiv. <<Greu de ghicit, nu mă prea duce capul, a început să gîlgîie>> <<Nu uita, i-am spus cu cel mai candid zîmbet pe buze, în șură ai o bârnă pe care a folosit-o și bunicul tău cu succes>>”.
Partea a treia, La picioarele desculțe, e o revenire asumată la viața dinspre care s-a retras, la prieteni, la părinți, la profesori, la Maria și Irene. Îi reintegrează pe toți într-o lume peste care el pune, treptat, stăpânire, un univers culinar la care contribuie și Mario și de care se folosește pentru a se răzbuna pe tovarășul Prada. La finalul romanului, dacă pedagogul e întruchiparea comunismului, Radu Anghel devine militant al societății consumeriste de a cărei putere imobilizatoare și expansivă este conștient: ,,Urmăresc oamenii de aici, de sus, și îi văd luînd proporții, tot mai dependenți de poncouri, de bombițe, de desert, de meniurile noastre în care, ingredientul secret este praful din ciuperci… o linguriță, nu mai mult… ici colo… îi văd tîrîndu-se, desculți, pe arterele Marelui Oraș, cu trupurile grele, transpirate, gîfîind hîrîit, mereu nesătui, pofticioși, înghițind cu nesaț tot ce li se pune în față, visînd poncouri, bombițe, deserturi, sucuri, sosuri”. Pulsația vieții este îngreunată de arma pe care a ales-o în răzbunarea sa.
Prin urmare, Radu Anghel, personajul principal al romanului, se mișcă prin mai multe lumi și timpuri. Nu in sensul SF, ci în sensul în care el cunoaște universul internatului, loc care-l trimite spre închisoare. Ulterior, abia dupa ce a trecut prin două carcere, internatul în sine fiind descris ca atare, căsnicia cu Despina devine și ea o formă de prizonierat. E o carceră mobilă, în permanentă transformare, care-și mută zidurile în planul emoțiilor și în substratul căreia se dezvoltă o stringentă nevoie de răzbunare. Romanul e un succes tocmai pentru că alternează aceste trăiri cu episoadele de solidaritate și prietenie sau cu scenele amoroase. Până la urmă, Radu Țuculescu întreprinde un exercițiu de multitasking literar, combinând lirismul unor fraze specifice ipostazei de îndrăgostit sau imaginarul corespunzător acestei trăiri, cu succesiuni de replici ironice, încărcate de subtilitate la care se adaugă un fir narativ solid redat în mod cinematografic, prin tehnica flashback-ului, ca o formă de editare a poveștii inițiale din perspectiva subiectivă a personajului Radu Anghel.
Abia la finalul romanului cititorul își va da seama că, în sine, romanul e o buclă, începe și se încheie cu aceleași personaje peste care au trecut anii. Cartea se citește dintr-o suflare, cititorul putând cu ușurință să intuiască anumite întâmplări, să deslușească un soi de lege a echivalenței pe care personajul se încăpățânează să o aplice.
___________________
* Radu Țuculescu, Mierla neagră, Editura Cartea Românească, 2015, 296 p.
[Vatra, nr. 12/2015]
Andreea POP – Politici de expansiune
De la un fond livresc mai mult sau mai puțin declarat pot fi revendicate cele mai multe din poemele care alcătuiesc winrar-ul lui Mihók Tamás (Tracus Arte, 2015). Ele dezarhivează o serie de exerciții de sondare introspectivă într-un regim tonic, alert, de euforie verbală care desfășoară „travaliul” vizionar în ritmuri sincopate.
O demonstrează cel mai concret chiar secvența care deschide volumul și care descrie foarte fidel efervescența la care e supusă imaginația poetului, tradusă aproape sub forma unui manifest agresiv prin ostentația lui: „cuvintele mele nu mai au/ răbdări de topică// noaptea ele se adună/ ca boala cándida/ pe limbă// au renunțat la cozi infernale/ & la bunele maniere// […] cuvintele mele sunt imprudente/ ca o bombă atomică/ într-un poem samizdat/ scris cu cuvintele altuia/ mai înalt și mai singur”, *. De o asemenea gesticulație impetuoasă vor uza cele mai multe din poemele de orientare livrescă, în care achiziția culturală va fi valorificată în chip nemediat și aplicată unei game generoase de variațiuni: schița teoretică, uneori pe marginea rostului poeziei (mântuitor all in), referința culturală, prelucrată prin inserția literară (în total iacov, hipodrom muzical), „șlagărul” postmodern (jocul terț), reperele cotidiene – kandinsky, kafka – etc. Toată această schemă în care e angrenată „moștenirea” cultă echivalează în poemele winrar-ului partitura cerebrală ca tonalitatea cea mai la îndemână pentru consemnarea crizei și a hiatusului existențial. Reflecția lucidă (și acidă, simultan, căci de o temperatură incandescentă adesea), ridicată la rang de fizionomie lirică fundamentală, face din poet un cerebral îmbătrânit înainte de vreme care își deapănă singurătățile într-o suită de balade postmoderne.
Construite pe o asemenea acustică de austeritate, poemele vor media radiografia monotoniei și vacuumul cotidian în imagini tehnicizante care îl aproprie pe Mihók Tamás de o zonă de „cantonament” frecventată cu regularitate și de către alți „confrați” literari (Ștefan Baghiu, Justin Dumitru etc.) și care concentrează plictisul și alienarea urbană în mici „rezervații” de viață suprasaturate de sens. Dincolo de mecanica zilnică („sunt atâtea inerții în orașul ăsta/ de-ți vine a scoate poeți din/ semințele de dovleac”, tot așa, nu spun nimic), ori „fauna” locală („cu gene false/ extensii de păr și alte drăcovenii”, răscoala din paișpe), tot acest „monolog al așteptării” e rezumat foarte sugestiv în poemul amprente, care ar merita citat în întregime pentru felul în care descifrează izolarea individuală în ecuație cibernetică: „aștept zorii zilei cu mâinile încrucișate mint/ cu mâinile delăsate mint/ cu mâinile în buzunar// de fapt/ nu poziția mâinilor mele dă de gândit/ ci flecăreala de pe fb// dau scroll în jos pe timeline-ul altora/ cuvântul omonim îmi pare o nesimțire/ el a ajuns atât de lung că a-ntrecut limitele/ cuvântului om/ bunul simț & co.// […] e un sentiment de aerosol sau mai știu eu ce/ pe fb/ plouă cu pisici și câini/ ar spune englezul/ rece și bonom/ pe aripile tale de înger/ văd amprente/ aș spune eu/ cald și trist// mă pun înapoi în pat/ și mă-nfășor în pătură/ precum într-un/ shut down.” Într-o astfel de atmosferă aseptică vor fi tratate și poemele erotice, care suferă, mai toate, de o mină ceva mai relaxată. Poezia ține aici de teren de joacă, desenul amoros e soluționat în câteva locuri în cheie ironică (am ajuns să cred), iar notația senzuală sfârșește deseori în farsă (la persoana a treia). Predispoziția poetului pentru expansiune și voluptate imaginativă se poate citi cu ușurință în astfel de versuri.
Căci nicăieri nu-i loc de patos dramatic, indiferent de reflecția sobră, de factură superioară, în direcția căreia sunt focalizate câteodată mai mult sau mai puțin evident poemele; episodul biografic (aproape accidental în ansamblul celorlalte „bucăți”) cu tentă melancolică și irizare elegiacă din tabla de șah a lui bunicu (foarte reușit, dealtfel) va fi, de aceea, repede amendat de înclinația rațională a poetului („mă vei acuza de/ voluptate testamentară”). Mihók Tamás scrie peste tot o poezie de o tonalitate degajată, vibrantă, dar care în traiectoria ei dezinvoltă, ce prizează deseori experimentul formal ca pe o virtute de prim rang, nu se pierde, totuși, în divagații pur decorative. Întâia calitate a liricelor din winrar de tot e dată de (con)știința echilibrată a dozării materialului poetic.
_________
* Mihók Tamás, Winrar de tot, Editura Tracus Arte, București, 2015
***
Tot o poezie de program extravertit, care își declamă angoasele cu o exuberanță a frazării, va scrie și Maria Pilchin în debutul Poeme pentru Ivan Gogh (Paralela 45, 2015). Doar că politica de expansiune vizează aici mai mult aparatul retoric, decât pe acela al imaginilor, circumscrise, în majoritatea lor, unui perimetru ex-centric. Două vor fi direcțiile principale în care poeta își va concentra materialul liric.
Mai întâi, ca o linie fundamentală de acțiune, un puternic filon livresc, mult mai declarativ decât în poezia lui Mihók Tamás (până la exces, uneori) și care înghite, în prelungirea lui, aproape toată armătura tematică în jurul căreia gravitează poemele. O adevărată demonstrație de forță poate fi citită în astfel de secvențe, în care lirismul Mariei Pilchin lansează sub forma unor proiectile o gamă generoasă de referințe livrești din clasicii ruși ori universali (predomină, totuși, primii, pe care poeta și-i asimilează cu un soi de orgoliu istoric) – pe care le deconspiră de multe ori încă din titluri –, inserții autohtone în registru ironic și ludic, prin care demitizează statuile literare românești (IVANUȘCA ȘI ALIONUȘCA, DUMNEZEUL FĂRĂ NUME), ori elemente de „recuzită” din imaginarul cultural colectiv, amestecate toate într-un Babel complex, cu convingerea că „până la urmă/ totul sfârșește/ într-o carte/ spunea mallarmé// începuturile și/ sfârșiturile sunt/ toate livrești/ viața e un ex libris”, HAPPY-END. În prelungirea episoadelor livrești funcționează, de multe ori, și poemele erotice, în desfășurarea cărora poeta angajează un repertoriu imagistic de temperatură înaltă (indiferent dacă vizează teoretizarea amoroasă, autoportretul feminin, ori desenul erotic cotidian), care debordează de voluptate în câteva locuri (CATREN FRĂMÂNTAT, SMS-UL SULAMITEI), dar care își vor atinge punctul maxim de intensitate în pasajele care topesc notația senzuală pe un fundament social. Poemul COPIII MEI DE LA DONEȚK ilustrează foarte sugestiv un astfel de aliaj: „uterul meu se crispase/ de durerile facerii ieri/ născusem pe copiii căzuți/ din avionul de la donețk/ copiii mei ah copiii mei/ pe care i-am zămislit/ în durerile morții/ i-am purtat în pântecul/ meu de femeie o zi/ și tată le fu/ neputinciosul sentiment/ al disperării/ […] ah copiii mei de la donețk/ urlu din toți rinichii/ și ovarele mele/ scormonesc în țărâna/ de scrum și cărbune/ țâțele mele sunt pline/ de lapte neînțărcat/ iar copiii mei cad/ ca un ovul nefecundat/ câte unul câte doi/ din cerul de la donețk”. Cu astfel de versuri, tensiunea din lirismul Poemelor pentru Ivan Gogh vibrează deja la un alt nivel și dezvăluie ramificațiile traumei (una mai mult colectivă, deși foarte acut resimțită și la scară personală) în toată arhitectura lor copleșitoare.
Adevărata fizionomie a poemelor Mariei Pilchin aici se vede cel mai bine, în surescitarea maximă a versului post-revoluționar, care adună, în derularea sa impetuoasă, mai toate preocupările esențiale ale volumului. Rezultatul va fi o poezie postbelică, articulată în tușe uneori postapocaliptice și scrisă cu impuls tulburat din tenebra cotidiană (căci vizată e nu demonstrația patriotardă, ci exorcizarea rănii istorice), care își deplânge propria istorie zbuciumată ca pe mortul cel mai drag. E loc de multă reflecție politică și gesticulație militantă aici, care stimulează focalizarea lucidă a realității (o cerebrală e și Maria Pilchin), ale cărei coordonate prind accente cenușii în scenariul liric închipuit de poetă. Nu fără nuanțare ironică și viziune grotescă va fi configurat tot acest perimetru de criză, trasat între două coordonate care „înghit” orice urmă de asperitate: pe de o parte, Europa cu „gesturile ei de femeie aristocrată” și, dincolo de promisiunile ei, „corida de est”. „Lecția de geopolitică” îi va oferi poetei prilej de sondaj interior, pe care îl va opera de pe poziții radicale. Populat cu ruși, moldoveni fără simțul apartenenței, amintiri din „epoca de aur” care frizează amănuntul personal și îl circumscrie unor hotare întunecate („steluța lui lenin”, urss-ul „deloc de pluș/ al copilăriei noastre” etc.), desenul biografic pe care îl conturează poemele în astfel de secvențe ia forma unei schițe sumbre. Câteva episoade care descriu geografia derizorie a poetei – prilej de critică socială fără rezerve – vin să demonstreze aceste meridiane maligne, ale căror consecințe vor fi dezvoltate în poeme ca MADE IN CHINA, RULETA RUSEASCĂ, în verdictul amar din IANUS BIFRONS („dinspre nistru vin toate/ neîncrederi credințe/ țara mea nu e un teritoriu/ țara mea e o hartă”), ori în acuzația pamfletară din ORAȘ FĂRĂ ZĂPEZI („în orașul acesta arlechinii/ își au reședința circul e închis/ iar show-ul a ieșit în strada/ arta toată a fugit afară/ și acum face trotuarul”). O poezie a sechelelor e, în fond, lirismul de „tranșee” al Mariei Pilchin, rostită în cadențe de cazon.
Atunci când își îngăduie confesiunea intimă directă, nemediată de scenaristica belicoasă, poemele dezvăluie mici oaze de vulnerabilitate, în profunzimea cărora irizează angoasa: „la mese în ajun de alegeri/ strigăm cu toții despre/ imperialismul rusesc/ anexarea basarabiei/ și multe altele/ dar niciodată nu am plâns/ mai mult mai adevărat/ decât în fața unui film rusesc/ despre viață și durere/ acesta ți se bagă în carne/ și întoarce cuțitul de două/ de trei ori și atunci/ ierți totul/ totul”, ȘI IERȚI TOTUL. Nervura încordată a versurilor ține loc de vioara întâi în Poemele pentru Ivan Gogh.
_________
* Maria Pilchin, Poeme pentru Ivan Gogh, Editura Paralela 45, Pitești, 2015.
[Vatra, nr. 12/2015]
MIHÓK Tamás – Jogging Back in Time with Electra
Prefațator al volumului Daddy issues/disecție mai potrivit decât Radu Vancu nici că se putea. Nășit de autorul Frânghiei înflorite și al Cantosurilor domestice, debutul literar al Roxanei Cotruș înveșmântează, așa cum ne indică și (non)culoarea copertei, rănile deschise ale unei realități tragice irevocabile. Dacă Vancu jonglează cu traumele rămase în urma sinuciderii tatălui cu seninătatea acrobaților, gimnastica Roxanei implică, pe alocuri, mișcări net mai ofensive, ricoșeuri firești ale preaplinului traumatic.
Numai că această înrudire tematică este cvasi-irelevantă: perspectiva feminină a cărții pulverizează izomorfismul dintre poezia celor doi poeți de generații diferite. Roxanei Cotruș, o veritabilă Electra a postmodernismului poetic românesc, îi place să se autoflageleze în fața unei fantasme paterne stocate în amintiri. Sosiile tatălui, niște bărbați tineri random, sunt cele care o invită pe poetă într-un illo tempore ușor (de) teatralizat „de vreo doi ani / fac atletism / de performanță (…) încep s-alerg c-o viteză inferioară / c-o pauză la fiecare lună. (…) după vreo două luni, / prelungesc pauza / că-l întâlnesc pe unul care / SIGUR / îți seamănă” (Tata, te repar); „se aud pașii lui intrând, / legănându-se / prelung.” (Inițiere) Este, deci, căutat un timp încremenit în concept. Iar la debutanta noastră parcurgerea acestei traiectorii abisale se face articulat, în candența pașilor de jogging.
Odată accesat, noul câmp energetic îi perturbă ritmul firesc și controlul asupra percepției „atunci începe maratonul (…) mă deshidratez, mă-nfometez, fac febră musculară. / de-asta nu observ / că / SIGUR / îți seamănă” (Tata, te repar).
Din acest punct critic pe care poeta îl conștientizează cu lux de amănunte, obiectivul disecției temporale rămâne același, nu și natura gesturilor din cadrul ei. Apar două maniere. Pe de-o parte, sintaxa vocativelor și a imperativelor care trădează credința poetei în dialogul transcendental și trans-temporal. Daddy issues/disecție abundă în asemenea exemple. Iată cum fiica abandonată îl provoacă verbal – câteodată chiar îl pune la zid – pe tatăl trecut la cele veșnice, revendicând astfel domeniul său afectiv: „Și duduia notar semăna cu amanta aia a ta”, „numai c-a ta e dintr-aia stătută” (Amanta noastră), sau prin antiteze fragile „Vino, pleacă, vino!” (bloodflood – o evidentă trimite la piesa omonimă a celor de la alt-J). Pe de altă parte, Roxana Cotruș pare a fi adepta explicitărilor, nicio dâră de ambiguitate să nu-i strice jocul. De aici capătă flexibilitate discursul ei poetic: din enumerațiile în care elementele sunt grupate în jurul unui simbol sau al unui motiv central „stopul / cearșaful alb / scările / betonul / sicriul / drumul / de țară / livada / prunii, merii / păreau niște pitici / în / toposul nedumeririi mele” (Inițiere). (Menționez că aici cuvântul topos ar fi total nelalocul lui, dacă nu ar fi utilizat tocmai în scopuri transfigurative.) Din ambele maniere amintite rezultă o bine temperată fragmentare a discursului, de fapt o disecție secundară.
Idealismul actorului principal, al Electrei, resimțit din prelunga pregătire fizică și psihică (ideea de warm-up), e dejucat prin conștientizarea slăbiciunilor tatălui absent și împins dedesubt. Astfel, la suprafața poemului rămân pastilele de (auto)ironie din categoria tachinărilor, prin care poeta își conservă vulnerabilitatea interioară. În opinia mea, tachinarea propriilor psihoze reprezintă firul roșu al cărții, depășind chiar și tatăl ca element unificator de rang tematic. Aceste săvârșiri se fac mimetic, prin îmbinarea tonalităților grave cu cele ludice „de câte ori mă-ntorc spre tine / mi se pare că numai tu mi-ai rămas / până încerc să m-ajung / din urmă / și iau / umbrele / iau / lumina / căderea / înălțarea / și le bag într-o șosetă” (warm up). Splendidă metaforă în contextul ratării.
Complexul Electra rămâne însă factorul responsabil pentru sedimentarea tuturor ratărilor biografice din aceste poeme. Niciun posibil curtezan al Roxanei nu îi poate umple acesteia golul pe termen lung „berea de după / mi te-a scos în cale, mascul feroce, deștept, (…) mi-am dat seama / că tu = tata” (alfa (loading)…). Sau iată un alt vers grăitor și concis „mi-ai cunoaște iubitul și ai strâmba din nas”, care nu lasă urmă de îndoială că fantasma paternă, ca în Hamlet, este cea care trage sforile epicului.
În Daddy Issues/disecție, Roxana Cotruș preferă un autoritarism didactic – autoarea este profesoară de română – în detrimentul fineții și al subtilității plastice (ale căror secrete, de altfel, le cunoaște la fel de bine). Da, este impresionant (și în același timp greu de înțeles pentru mine, îmi asum) felul cum își gestionează ea particulele traumei în funcție de impulsurile artistice. Celor care îi cunosc lucrările plastice artista le poate lăsa următoarea impresie: că poeta Roxana Cotruș își activează emisfera cerebrală opusă – sau cel puțin un compartiment cerebral vecin – pictoriței Roxana Cotruș. Poezia e exploatată ca tărâm al justificărilor nu de puține ori incisive, în timp ce în pictură ea lasă garda jos în mod deliberat. Altfel spus, Roxana scrie cu luciditatea unui psiholog și pictează cu dezinvoltura unui visător. Rareori se întrepătrund aceste două planuri, iar când o fac în scris, se coagulează niște pasaje poetice greu de uitat „dar credeam că dacă mori / te naști în clipa aia altundeva, te reîncarnezi în om sau în altceva. / Iar când mama zicea: «s-au făcut deja 3, 5, 7 ani» / urmăream toți copiii și câinii de 3, 5, 7 ani, / (aș fi adoptat unul, l-aș fi chiar furat) / dar niciunul nu semăna cu tine / m-am lăsat păgubașă (…) De-atunci dorm numai în cearșafuri colorate.” (cearșaful alb) De fapt, Roxana recunoaște: „Odată am încercat să-ți fac portretul. n-a fost boom! / dar mie mi-a plăcut. Îl păstrez și acum lângă celelalte pânze / până oi avea curajul să te continuu. / să te fac ca la carte.” (Amanta noastră). Ba mai mult, ea își confirmă masculinitatea, esența accentuată de animus „am fost cea mai băiețoasă din curtea școlii” (incursiune biografică), pe care o resimțim și în tensiunea actului ei de creație.
Este vorba, prin urmare, de o răzbunare interioară, una justificată. Poeta se joacă cu amuletele pe care le-a moștenit pe linie paternă cu cruzimea cu care s-a jucat odinioară moartea cu sensibilitățile ei. De aici și reacțiile stridente de tipul „Ce-a mai rămas din tine? / am mai rămas eu / să rîd, să mă hlizesc la fiecare stop” (Ce-a mai rămas din tine). Vedem cum ea nu se lasă bătută în fața imensității nebuloase a destinului, ci, mai degrabă, caută să fie chit cu acesta (v. finalul poemului romanță-n a treia dimensiune). Această imposibilitate sufocantă declanșează impactul estetic în poezia Roxanei Cotruș.
Menajamentul de sorginte blagiană al misterului (ce-i drept, mai mult afirmat decât exprimat) îi vine ca o mănușă poetei, de aceea nu sunt convins că o eventuală victorie asupra cataclismelor – vorba lui Radu Vancu – ar mulțumi-o. Uneori, această direcție doar se întrezărește printre constructele imperative, iar altădată este exprimată fățiș: „teama-mi punea stăpânire pe ființă / și / aluneca-n mister” (Inițiere).
Spre finalul cărții, vocea acestor „nonșalante descântece de traumă nevindecabilă”, așa cum îi etichetează versurile cu maximum de convingere Al. Cistelecan, coboară câteva note, iar premisa exprimată în poemul-central al volumului Daddy issues…, „Atunci apar eu să te repar / Că nu vreau să te mai sinucizi încă o dată.” (Tata, te repar), este valorificată. Pe linia de finish, Electra dă mâna cu fantasma paternă după care a alergat, confesându-i-se astfel: „Mai ții minte /…/ mergeam cu tine de mână / aproape zilnic… / (tot cei mai buni prieteni am rămas.)” (Epilog) Trecându-l prin procesul interiorizării poetice, „acum ești o istorie / de factură inspirațională (…) doar pentru mine.” (schizotimie), Roxana reușește să-și salveze tatăl de la reiterația suicidului.
Cât va ține pactul lor? Rămâne de văzut.
____________
* Roxana Cotruș, Daddy issues/disecție, Editura Charmides, Bistrița, 2015
[Vatra, nr. 12/2015]
Andreea POP – Acrobaţii la cote înalte
Cele mai multe din liricele Dianei Caragiu din Respiră cu mine au ţinuta unor mici montaje fanteziste, în care exuberanţa imaginaţiei ţine de principiu esenţial de coagulare a materialului poetic. E aici o poezie care abundă în decupaje onirice, suprarealiste chiar pe alocuri, şi în care jubilaţia înscenării descrie cel mai frecvent scene desprinse de orice coordonate materiale imediate. De aici impresia de plutire şi gesticulaţie ludică pe care o produc poemele, care iau forma unor piruete nonşalante chiar şi atunci când tratează tema gravă, cu bătaie existenţială.
Căci nu fără o miză superioară va fi toată această reverie abstractă, pe fondul căreia poeta brodează cu dezinvoltură o serie de schiţe anatomice despre lumea din jur. Cel mai adesea, ele vor viza definiţia teoretică (mai concret, notaţiile pe marginea alterităţii temporale, ridicate la rang de arhi-temă a volumului), dar nu vor face abstracţie nici de inserţia religioasă (respiră cu mine, cântec neterminat), notaţia livrescă (recviem), ori câteva referinţe biografice difuze (ghetsimani). Cu toate aceste premise care ar putea gira efectul unei poezii de reverberaţii adânci, poemele Dianei Caragiu rămân, însă, în multe locuri, fără o destinaţie coerentă. Fondul sobru al ideii nu-şi găseşte întotdeauna o expresie adecvată, iar versurile alunecă uneori pe o pantă artificială; dacă unele produc un efect comic („îmi cade viaţa în vine/ ca un chilot fără elastic […]”, foc), în alte locuri logoreea imaginativă traduce o geografie derizorie: „[…] de sub unghie negrul vorbeşte/ fără şir/ vom strânge deşertul mai tare de gât/ şi leii din savane ne vor mânca din palme/ de la balconul în stil baroc se-aude o voce/ nu poţi să-mi faci asta/ fusta mea în stil rococo/ se furlandiseşte într-o cracă abstractă/ aş vrea ca nisipul să nu-mi mai gâdile tălpile/ asta mă face să râd/ pe un pervaz un scaiet deprimat/ trage pe nas o linie albă/ am ochiul format, ţipă extaziat/ şi freza bărzăunului cade: zdrang!/ nu spun că nu are dreptate, dar nu sunt pregătită”, în căutarea titlului pierdut. Atunci când îşi asumă propria vulnerabilitate în chip direct, nemediat, însă, Dianei Caragiu îi ies nişte momente poetice autentice, de reală vibraţie lirică, în care angoasa personală dezvăluie fiorul discret al tensiunii. Astfel descrisă, lupta interioară capătă dimensiuni hristice: „e atâta linişte în mine de-mi aud clipocitul sângelui/ în care mi se scaldă toţi adormiţii neamului/ din când în când, ei mi se-aşază pe mal şi-mi cântă/ un cântec de leagăn/ un fel de taci cu mama, las’ că trece/ eu le povestesc despre fricile mele/ cum nicio spaimă nu-mi seamănă una cu cealaltă […]”, Dumnezeu drăguţul. Meritul întâi al viziunilor pe care le descifrează aceste secvenţe e dat de simplitatea croielii versurilor şi a racordării materialului poetic la posibilităţile lui efective de articulare.
Stând sub semnul unei zodii exuberante, adolescentine aproape şi antrenând o emisie lirică degajată, liberă de orice gesticulaţie convulsivă, chiar şi în mijlocul reportajelor de criză, poezia din Respiră cu mine irizează cel mai adesea în coregrafii artizanale.
__________
* Diana Caragiu, Respiră cu mine, Editura Vinea, Bucureşti, 2014
* * *
Imaginea cea mai reprezentativă pentru geometria pe care o schiţează poemele lui Septimiu M. Cristian din debutul Amanetul femeii cu cap de cucuvea este aceea a unui labirint cu intrări multiple. Generozitatea imaginaţiei, ramificată în direcţii diferite, dă nota esenţială a gesticulaţiei lirice predominante în discurs. Poetul pare că vrea să cuprindă totul şi adună cu pasiunea unui colecţionar o gamă largă de „conspecte” pe marginea fizionomiei lumii.
De aici frecventele poeme „vizionare”, care antrenează o serie de scenarii închipuite, desfăşurate de regulă pe spaţii ample şi care structurează materialul poetic sub forma unor reflecţii cosmice despre alteritate (Pulbere de dicţionar, Alchimistul), ori cu discret filament religios (Grădinarul, Fotograful etc.). Ele dovedesc o sensibilitate matură (chiar vetustă pentru un debutant de 15 ani!), predispusă la teoretizare şi observaţie morală, care cultivă parabola existenţială ca formă de tatonare şi (re)cunoaştere a limitelor. Înzestrare care, în economia generală a poemelor, se dovedeşte a fi în mare parte deficitară, căci nu-şi găseşte măsura cea mai adecvată. Exersată în această direcţie, melancolia de fond a poetului, dublată de jongleriile cerebrale care stau la baza montajului tehnic al versurilor, lasă loc de prea multe explicaţii, definiţii uneori şcolăreşti sau observaţii cu caracter de evidenţă, care indică toate spre un lirism încă în stadiu de germinare, necopt, insuficient eclozat. E şi aici o poezie care preferă construcţia elaborată, artizanală, în detrimentul confesiunii directe, ca o soluţie mai accesibilă de temperare a impulsului imaginativ şi care indică, totodată, o carenţă în planul trăirii concrete.
Sunt reuşite şi fac diferenţa, de aceea, cele câteva excepţii în care Septimiu M. Cristian îşi asumă la vedere bucăţi din „bagajul” personal, aşa cum se pot citi în Confesiunile din poemul cu acelaşi nume, de pildă („Şi-mi mai pare rău/ că ştergeam de multe ori/ când eram mic sărutul/ lăsat de bunici pe obraji.”), ori, şi mai concret şi semnificativ pentru felul în care conturează un soi de artă poetică, în drama postmodernă a propriei neînsemnătăţi: „Mi-e teamă/ că tot ce am colecţionat într-o viaţă/ în clasorul identităţii mele/ timbre de amintiri, monede de emoţii/ bancnote de idei/ va putrezi în mormanul de hârtie/ pe care-l voi ocupa după ce voi pleca/ în mintea cititorului.// Mi-e teamă, da/ că tot ce am adunat şi cuantificat/ va fi risipit, deşi mă înşel/ fiindcă eu nu trăiesc în original./ Ce eu am văzut, a fost văzut şi de alţii./ Ce eu am auzit, şi de alţii a fost auzit./ Ce eu am gândit şi imaginat/ şi de alţii a fost gândit şi imaginat./ Eu sunt doar o copie/ o literă scrisă de mii de ori/ pe fruntea ta de hârtie,/ iar dacă vreun om ar îndrăzni să mă şteargă/ nimeni nu mi-ar regreta/ dispariţia.”, Mi-e teamă. Efectul de autenticitate atinge în astfel de episoade cote maxime. Tema livrescă va fi reluată şi cu alte ocazii, dar fără acelaşi impact, după cum nici cele câteva poeme cu nuanţă religioasă nu produc schimbări majore de perspectivă în volum.
Scrisă pe un ton uşor euforic uneori, mereu cu vervă descriptivă (prozastică, pe alocuri), însă, poezia din Amanetul femeii cu cap de cucuvea descrie sondajul minuţios al lumii exterioare în tuşe filosofice, de orientare astronomică.
_________
*Septimiu M. Cristian, Amanetul femeii cu cap de cucuvea, Editura Tracus Arte, Bucureşti, 2014
* * *
Tot despre o poezie articulată pe o tonalitate însufleţită, de temperatură înaltă, e vorba şi în debutul Printre tăceri. Mai mult decât o funcţie decorativă, de expozeu imaginativ, verva rostirii traduce, la Isabella Drăghici, dorinţa ascensională, de elevare continuă spre un dincolo permanent, ca gesticulaţie lirică frecventă.
Ea se explică mai ales prin fondul profund religios al poemelor, care „contaminează” mai toate liniile de semnificaţie ale volumului. O religiozitate de cele mai multe ori castă, descrisă în pietăţi delicate, dar care atinge câteodată intensităţi aproape erotice prin coregrafia înflăcărată pe care o articulează. Notabilă e în Alchimie, de pildă, unde capătă semnificaţiile unei uniri cosmice: „Aprinde-mă!/ Sunt… materia prima./ Calcinează-mă în focul iubirii pure,/ modelează-mă din albastre unde,/ înmiresmată să fiu de dor/ Să am forma braţelor tale,/ a gândurilor,/ a inimii tale./ În sus să merg,/ către Tine,/ dincolo de eter,/ către niciunde.” Extazul din episoadele de acest gen va fi egalat doar de „bucăţile” erotice, unde poeta operează montajul poemelor după aceeaşi tehnică a mirajului cosmic. De multe ori în poezia Tăcerilor cele două sectoare se vor intersecta până la contopire: „Vom fi amândoi apoi/ doar raza intensă/ a pământului/ luminând infinitul./ Şi-n această îngemănare de eu şi tu,/ ne vom aşeza,/ tăcuţi şi dilataţi de atâta iubire,/ să ne savurăm unul în celălalt eternitatea”, Cuplul ideal. Aici găsim cea mai fidelă definiţie a liricii pe care o practică Isabella Drăghici, situată la intersecţia aproape blasfemică dintre sacru şi eros, şi descrisă în tuşeuri de cochetărie feminină, care provoacă şi instaurează distanţa, simultan.
Celelalte preocupări ale poetei joacă mai mult un rol conjunctural şi nu schimbă în chip definitiv fizionomia volumului. Aşezate lângă versuri de natura celor de mai sus, câteva poeme de orientare socială, care acuză malignitatea spectacolului cotidian (Îngenunchere, Manifest, Înviere), dau o coloratură pestriţă discursului. Se reţin, în schimb, câteva secvenţe care derulează freamătul „războaielor” personale, cum se întâmplă în poemul Oglindiri, de pildă, şi care introduc o gamă de inflexiuni noi, ceva mai grave: „Între gândurile noastre au alunecat gheţari./ Nu ne-am mai recunoscut,/ Nu mai ştiam cine suntem./ Adormeam pe bancheta cu «adevăruri»,/ întunecaţi şi rătăciţi,/ şi nu vedeam cum inimile/ ne amorţesc în îndoială şi frică./ În această zbatere,/ în numele iubirii,/ ne uram,/ în numele libertăţii,/ ne puneam cătuşe sufletului./ Dar într-o zi, sfărâmaţi şi obosiţi,/ ne-am văzut mai goi ca niciodată:/ ne luptam fiecare cu sine însuşi.” Fără să facă abstracţie de unele formulări artificiale (Răsărit în oglindă, Eneagramă), excesiv alteori prin muzicalitatea uneori insistent melancolizată a frazelor, cel dintâi volum al Isabellei Drăghici are însă meritul de a descrie în mod autentic travaliul căutării de sine.
_________
* Isabella Drăghici, Printre tăceri, Editura Tracus Arte, Bucureşti, 2014
[Vatra, nr. 10-11/2015]
Florin-Corneliu POPOVICI – Lecţia de canto(s): psihopoeme ale unei inimi pulverizate
Cu psihologie de gambler la ruleta rusească, reunind calităţi şi tare, Radu Vancu pune miza exclusiv pe „acasă”, indiferent dacă acesta e spaţiu de locuit sau compania celor apropiaţi, singurii de care se simte responsabil şi afectiv legat.
Structurată în 4 capitole (Mansarda, Gărduleţul alb de lemn, 20 de waţi şi Creierul e lumea de apoi), 4 a.m. Cantosuri domestice include tot atâtea spaţii de securizare, de energie vie şi de intimism, de protecţie, de limitare-delimitare. Ideea de mansardă, de pildă, regăsibilă, între altele, la Cârtiţa de mansardă a Teodorei Coman, se situează în acelaşi registru al semnificaţiilor pe care Gabriel Liiceanu, în Uşa interzisă, le dă omului hotărât, în speţă omul care-şi fixează reperele, omul care pune hotar, care cucereşte spaţiul (homo viator) şi bate ţăruş, cel care aproprie şi îşi găseşte simbolic Centrul, rădăcinile, cel care construieşte şi se construieşte/mobilează pe interior.
Volumul, o continuare tematică a Frânghiei înflorite, este un titlu care induce în eroare de două ori: o dată, pentru că, deşi am fi tentaţi să facem conexiuni cu cântecele cavalereşti din vechime (gen El cantar del mio Cid), în acestea nu există nimic „cavaleresc”, baladesc sau ero(t)ic, a doua, pentru că „domesticitatea” invocată, crezută a fi caldă, firească, parte a intimismului, este una ,,contondentă”, mijloc şi modalitate de refugiu, rampă de lansare pentru plonjarea poetului în infernul obsesiilor sale, infern care, după cum vom constata, este unul interior, în arhipelagul fiinţei sale. Nevoia de familie (abundent invocată, între care se disting figurile soţiei Cami şi a fiului Sebastian – pentru care face un adevărat cult – şi, prin recul, a tatălui dispărut prematur – personaj absent, dar de o copleşitoare arhiprezenţă), de microcosmos coagulant, de „acasă” simbolic, de spaţiu protector (de tip incintă), este una organică în poemele lui Radu Vancu, care-şi inspiră titlul cărţii după poemul The Cantos (neterminat, împărţit în 120 de secţiuni-cantosuri), scris între 1915-1962 de poetul modernist Ezra Pound, al cărui traducător este, alături de regretatul Mircea Ivănescu.
În ciuda domesticităţii atipice (o domesticitate oarecum „sălbatică”, travesti, oximoronică), parte integrantă a atipicităţii creaţiei per ansamblu a lui Radu Vancu, în contextul scriiturii tinere, care abundă de pornografie, detabuizare, depo(i)eticizare, de violenţă de limbaj (deseori la modul gratuit, eliberator), de consemnare a faptului mărunt, de punere sub semnul întrebării a condiţiei, rostului şi rolului poetului (calitate ce diferă fundamental de accepţiunea tradiţională), capătă consistenţă apelativul de „zonist” aplicat celui în cauză, cel puţin din punctul de vedere al fascinaţiei acestuia (uneori morbidă) pentru zona crepusculară a fiinţei, pentru mecanismele cognitive care declanşează centrarea obsesivă a gândurilor pe factorul de tip „zoster” – traumă majoră. Deloc întâmplător, creierul (alături de ochi) ocupă un loc central în poemele lui Vancu, şi aceasta datorită faptului că acolo se află „sediul” raţiunii, al logicii (deşi, în cazul vieţii sale ulcerate, ultragiate, logica îşi conţine dilemele, paradoxurile, întrebările fără răspuns şi ilogismele) şi al lucidităţii, care, în opinia sa, datorită aportului mare de dramă pe care-l conţine (a se vedea celebrul dicton camilpetrescian „câtă luciditate, atâta dramă”), e mai apăsătoare decât o sinucidere „curată”, ,,chirurgicală”, făptuită într-o criză de luciditate sau dimpotrivă, dintr-o profundă înţelegere a lucrurilor (de genul „totul e deşertăciune”). De aceea, a trăi zilnic în propria piele, în propriul trup – pedepsit cândva exemplar, în semn de iluzorie răzbunare, după propriile mărturisiri, prin crestări cu lama, prin muncă sisifică sau prin abuz de alcool -, devine, pentru Radu Vancu, mai angoasant şi mai apăsător chiar decât sinuciderea în sine, urmând modelul patern atât de des invocat.
Creierul torturat-torţionar, creierul-călău (a se vedea pasiunea lui Vancu pentru opera lui Kierkegaard, mort de apoplexie cerebrală, şi din care preia idei ce ţin de prioritatea realităţii umane concrete, în dauna gândirii abstracte, legătura dintre emoţii, sentimente şi alegerile pe care oamenii le fac în viaţă, sfâşierea individului între un Dumnezeu neînţeles şi disperarea de a fi părăsit într-o lume în care trebuie să existe, dar care i se refuză sistematic etc.): „Creierul e o grenadă de mălai lichid şi fierbinte.” (p.12), „Şi creierul meu e o ulicioară/ de acum două secole/ în care poeţii romantici/ se sinucid în grup/ sub clar de lună.” (p.14), „Eu însă nu-s contemporan/ cu creierul meu. Ceea ce-i un/ privilegiu.”, creier măcelărit de un soi de barbară „mineriadă” mentală, cu „răngi groase de lumină” (p.25), organ de care, terapeutic, se dezice periodic: „Gemetele/ lui nu-s contemporane cu mine.” (p.26), „creierul e carne crudă de vânat/ încă vie, abia însângerată” (p.40), „Se pot construi/ lumi întregi în care gândirea/ nu sfâşie creierul.” (p.42), „Bunicul murea/ de câţiva ani în casa de sub noi/, cu creierul zdrobit.” (p.71), „creierul năclăit de spaimă” (p.72), „Şi mă rog, cu creierul numai/ adolescenţă şi spaimă şi miere” (p.73), „creierul meu nu-i deloc creditabil” (p.74), „Creierul meu bate/ într-o inimă de călugăriţă/ tânără, retrasă-n craniul/ meu ca-ntr-o mănăstire din/ Sadad.” (p.74), „Creierul/ e lumea de apoi” (p.76). Inflamarea creierului (citeşte revolta creierului) naşte monştri.
La polul opus, chestiunile ce ţin de inimă, de afectivitate, definesc relaţia privilegiată pe care poetul o are cu familia, în special cu fiul Sebastian, în ipostaza căruia i-ar fi plăcut să se afle la vremea sa, dacă (acea obsesivă „clauză” condiţională) propriul tată nu ar fi decis să-şi încheie brutal socotelile cu viaţa, în floarea vârstei. Soţia şi fiul Sebastian sunt priviţi cu adulaţie, ca oamenii providenţiali din existenţa sa ternă, oamenii care deţin soluţia menţinerii sale în viaţă la un nivel acceptabil şi, de ce nu, în final, a soteriologiei sale. Legat de mântuire, Radu Vancu (la care nevoia de concreteţe este una atroce, iar semnificaţia simbolurilor este una răsturnată, cu tente blasfemiator-ironice şi proiecţii în negativ – a se vedea, spre pildă, ideea de strălucire, o strălucire „opacă”, de rău augur, ca şi rânjetul morţii) nu se cramponează de varianta credinţei oferită de creştinism, ba dimpotrivă, „erezia” sa supremă, tradusă prin obsesia suicidului, încalcă toate dogmele, preceptele biblice şi ideologiile. Om al răscrucii (nu însă şi al crucii), om schizoid, al intersectării şi amalgamării contrariilor, poetul experimentează traumatic „adaptările” sale simbolice (fizice, dar şi psihice) la paturile de tortură procustiene, el pendulând dramatic între căutarea febrilă a divinităţii (vinovată, chipurile, pentru gestul suprem de frondă al tatălui), contestarea vehementă a acesteia şi căutarea unui rost existenţial.
Prezenţa orei 4 a.m. în titlul prezentelor poeme, dincolo de ispititoare speculaţii şi de motto-ul extins care o conţine, ne este explicată chiar de către Radu Vancu la finele cărţii sale, în Canto-ul XLII, „Ora când trupul/ capătă o relevanţă disperată” (p.75) sau în Canto XLV, „Ora la care/ câteva miliarde de neuroni/ sunt la fel de singuri/ ca 7 miliarde de/ oameni. Şi de neajutoraţi,/ şi de feroce.” (p.80) Căci, într-adevăr, solitudinea şi ferocitatea (gândului, dar şi a faptei, a imaginii cu rădăcini naturalist-fiziologice şi a vieţii de tip lagăr de exterminare nazist) sunt printre temele predilecte ale poetului. Încercarea de contracarare a lor se face prin apelul la universul familial atât de familiar poetului, la familia-cochilie, colac de salvare, izvor de inspiraţie şi refugiu, topos de echilibrare (precară) a fiinţei şi, de ce nu, destinatara repertoriului de cantosuri domestice. Nu laşitatea îl împiedică de la a comite gestul suicidului (şi aici se delimitează, dezice de tată, pe care-l ceartă uneori drăgăstos pentru consecinţele nefaste ale faptei sale extreme), altfel, un gest banal, antieroic, ce nu contează defel pentru marea Istorie, ci chipul angelic al fiului Sebastian (şi aici ochii acestuia au un rol îmblânzitor-catalizator decisiv), despărţire pe care nu o concepe nici în cele mai negre coşmaruri, deşi conştientizează că nicio fiinţă nu este eternă. Prin familie, Radu Vancu se de-fineşte, de unde nevoia permanentă a poetului de a exprima recunoştinţa faţă de aceasta. Din acest punct de vedere, 4 a.m. Cantosuri domestice poate fi privită ca o declaraţie de iubire în 45 de cantosuri.
Construită pe paradoxuri, 4 a.m. Cantosuri domestice debutează în Canto I cu un mesaj optimist, încrezător, ce priveşte generaţia din care fiul său e parte: „Vor fi oameni şi vor împinge lumea mai departe.” (p.9) Fără a identifica însă o direcţie precisă („mai departe” putând a însemna mersul pe loc, de unde şi iluzia mişcării), poetul plasează în această cugetare-predicţie şi o subtilă ironie dulce-amară la adresa acelora lipsiţi de şansă, resemnaţi, călcaţi în picioare de un destin maşter care-i sileşte să meargă înainte pe calea damnării. Tot în debut, atmosfera domestică ilustrată este una ambivalentă: pe de-o parte, seara petrecută în compania lui Sebastian, la un joc de Lego (apare aici ideea organizării haosului – inclusiv a turbionării mentale -, a construirii, a reunirii-fragmentării, dar şi a omului de tip Lego, a cuvântului Lego (L’ego), a trăirii de tip Lego – ruinare, rupere în bucăţi, dar şi automobilizare exemplară), ar avea ceva idilic în ea, dacă nu ar exista, pe cealaltă parte, frământările atroce ale poetului, războaiele neîntrerupte care se dau în mentalul său generator de scurtcircuitări terifiante, de flash-urile care au ca punct de plecare momentul zero al dispariţiei tatălui, la care poetul-copil e martor şi, prin contaminare, la începutul declinului său. Nu e Jocul de-a vacanţa, ci consolidarea relaţiei tată-fiu, implicarea paternă a lui Vancu fiind una responsabilă, dedicată. Construirea, din piese Lego (îmbinare a creativităţii, artisticităţii şi a tehnicităţii) a unei staţii de poliţie e una cu încărcături simbolice: nevoia de dreptate, de adevăr, de încredere şi de respect pentru lege şi ordine. Compania lui Sebastian (îndemnat astfel să devină artist-creator) îl linişteşte pe poet, îl echilibrează sufleteşte, îi satisface nevoia de a-şi plasa afecţiunea, de a ocroti, îl deturnează de la a comite gestul necugetat şi de a fi mai puternic decât propriul tată. Când e cu fiul său, restul nu mai contează, în prezenţa acestuia el devine „un altul”: „Azi lumea nu merită împinsă mai departe de atât.” (p.9) – un fel de imortalizare a clipei, de oprire simbolică a timpului, de repaos binemeritat. Relaţia tată-fiu, dincolo de efectul compensator, defulator, al inducerii stării de bine, are un caracter paideic profund, bazându-se pe o pedagogie şi pe o „ucenicie” reciprocă: copilul învaţă de la tată, iar tatăl, de la propriul copil. E un soi de vulnerabilizare-devulnerabilizare, de călire interioară, dar şi de surpare (conştientizarea că nimic nu poate dura o veşnicie, că evoluţia aduce schimbarea de paradigmă şi de vârste şi, implicit, „ucide” idilismul şi starea paradisiacă).
Translatând un pic ideea jocului Lego (care recreează simbolic universul), viaţa însăşi este un construct de tip Lego (construim, dar suntem şi construiţi), textul/poemul e de tip Lego, la fel şi imaginaţia. La Radu Vancu, piesele Lego au şi valoare de simulacre, de surogat, de cópii kitsch: „Tineri ţărani Lego/ dintr-o Galilee Lego”, „păcatele şi dejecţiile Lego”, „copii Lego”, „la umbra crucii Lego”, „un John Lennon Lego”, „Dumnezei şi concepte şi dureri Lego” (p.9). Şi cuvântul e de tip Lego, putând fi îmbinat oricând, după bunul plac, într-o infinitate de soluţii posibile, dovada fiind felul cum poetul „împrumută” din Coelho şi construieşte în voie: „la umbra crucii Lego şezum şi plânsem.” (p.9)
Universul familial tămăduitor este simplu prin complexitatea gestului aparent mărunt: plimbările şi jocul cu Sebastian, încălzirea laptelui, curăţenia şi bătutul covoarelor (operaţiuni detestate de Vancu din cauza risipei de energie vitală), pregătirea mămăligii (a se vedea Aglaja Veteranyi, De ce fierbe copilul în mămăligă), spălatul vaselor (când îl „calchiază” pe Eminescu: „Nu credeam să-nvăţ a spăla vase/ vreodată. Maldăre şi pururi tânăr.”- p.19), fierberea ouălor, bărbieritul şi spălatul pe dinţi (operaţiuni când poetul evită privitul în oglindă, întâlnirea cu sinele), ducerea la şi aducerea lui Sebastian de la grădiniţă, serbarea lui Sebastian, la săniuş, veghind somnul lui Sebastian sau tratându-l de febră etc. Împreună, au efectul benefic al înlăturării zgurii de pe suflet, devin un antidot împotriva tristeţii şi dezgustului poetului, o portiţă de evadare din starea de „lagăr de exterminare” (p.10) Sinuciderea tatălui – cauza. Tristeţea şi dezgustul poetului – efectul. Efect distructiv pe toate palierele, de gen tsunami, cu consecinţe ireparabile, în ciuda oricărei încercări iluzorii de fugă şi de refugiu: „tristeţea e supă fierbinte de tăiţei pentru înfrigurat”, „dezgustul e supa alfabet pe care după ce o beau/ copiii surdo-muţi încep să cânte.” (p.10) În aceste condiţii, Radu Vancu nu-şi permite să devină jovial şi nici abstract (ca de exemplu credinţa într-o divinitate invizibilă şi inaccesibilă), nevoia sa de concreteţe (imaginea cutremurătoare a părintelui atârnând în ştreang depăşind, prin violenţă, orice formă de concreteţe posibilă), după cum am afirmat, fiind una organică. Graniţa între viaţă şi moarte este una extrem de subţire, tentaţia suicidului trădând o anume labilitate psihică, dar şi abandonul suprem, eliberarea de Povară. Deşi „sinuciderea e un câine pentru un bătrân” (p.10), chipurile, un reazăm, poetului îi lipseşte totuşi vârsta necesară (dacă se poate vorbi despre o anume „vârstă” propice pentru a te sinucide) şi determinarea pentru a o comite. Tot „domesticul” îl salvează, dar şi cerebralitatea mult invocată, scânteia de raţiune care pârjoleşte pornirea instinctivă, iraţională. La Radu Vancu e o luptă surdă între Raţiune şi simţire, între Ispita de a exista şi cântecele de sirenă ale neantului. Dincolo de erezie, egocentrism şi anatemă, sinuciderea tatălui e percepută prin prisma efectului de contaminare, prin autocondamnare şi supunere forţată la acelaşi cod al supliciului, al sinuciderii paradoxale zilnice continue, atom cu atom, neuron cu neuron.
Obsesia suicidară a lui Radu Vancu e alimentată şi de invocarea numelui unor sinucigaşi celebri, ca de pildă, Maria Ţvetaeva, John Berryman, Sylvia Plath, Emil Ivănescu, Anne Sexton. Gestul lor devine însă brusc neinteresant şi lipsit de consistenţă în momentul când în preajma poetului apar îngerii săi păzitori, soţia Cami şi fiul Sebastian, fără de care s-ar simţi incomplet, nedesăvârşit, pribeag: „dar cel puţin să fie aici, în mănsărduţa cu Cami şi Sebi.” (p.12) Este interesant că acţiunile domestice cotidiene, banale şi nevinovate, repetitive prin caracterul de necesitate pe care îl au, declanşează în mintea poetului feed back-uri cu o anumită doză de dramatism. Aşa se face că se revede pe sine copil firav, „mămăligă nefiartă” (p.12). O imagine plastică sugestivă este viaţa ca mămăligă, a cărei temperatură face diferenţa între rai şi iad, dintre deliciu şi supliciu. La fel, motivul vieţii ca goblen, întâlnit în Canto-ul XI.
Domesticitatea lui Radu Vancu ascunde în sine doze letale de causticitate (nu şi de dispreţ suveran). Cum (auto)ironia nu îi mai ajunge, iar de hazul de necaz nu poate fi vorba datorită contextului sumbru, poetul îşi întregeşte starea de încrâncenare făcând apel la sensul schimbat al cuvintelor: „Marea/ mea magie e că încă/ sunt aici. Şi tot asta e şi/ marea ta magie.” (p.17) Per ansamblu însă, lucrul domestic făcut cu mâna, plonjarea într-un „descensus” bun, pozitiv (în comparaţie cu descensus ad inferos), al banalului, trivialului, dar atât de necesarul cotidian vine să îmblânzească zbuciumul mental al poetului, inflamarea, până la meningită cronică sau demenţă, a creierului său.
Tot de creier (care, pentru Radu Vancu, devine uneori o povară, un neprieten, pe motiv că îl forţează să zacă în infern, să nu uite, dar şi ,,candoarea atroce”- p.24) şi de mecanismul complicat al gândirii ţin şi derapajele (voite sau nu) de la logică, în genul Întâmplărilor din irealitatea imediată ale lui Max Blecher: „Oricum/ tot ce scriu/ va fi cândva/ realitate.” (p.20) sau „Va fi cândva real/ mortul pe care l-am ţinut/ în braţe […]” (idem)
Problema identitară nu scapă nici ea de centrifuga mentală a lui Radu Vancu. Fiind un ins dubitativ, un „poet nevrotic” (p.23), criza sa de identitate apare de cele mai multe ori în momentul fracturilor de destin (având ca punct culminant Fractura-dispariţia tatălui). De acolo şi schizoidia, întrebările fără răspuns ce ţintesc rostul existenţial ce survin oricum la vreme de armistiţiu cu sinele, în cazul identităţii ca limitare a fiinţei, dacă e să dăm crezare opiniilor lui Leon Wieseltier, formulate în Împotriva identităţii: „Ci-ne-e-Ra-du?Ci/-ne-e-Ra-du?” (p.22)
Alături de Mansardă, în arsenalul omului hotărât, al celui care delimitează şi porţionează spaţiul, există şi Gărduleţul alb de lemn, alt mijloc de luare în posesie (inclusiv a propriei persoane), de ordonare a haosului existenţial. Gărduleţul, care permite şi sărirea pârleazului, are, la Radu Vancu, culoarea albă, semn al purităţii visate, dar şi treaptă spre iluzoriu, efemer şi fantomatic. E un alb lipsit de strălucire însă (un alb care, la unele popoare, e culoarea doliului), din repertoriul strălucirii mate, oximoronice, înşelătoare (gen scânteile ce sar, prin mângâiere repetată, din blana pisicii). La poetul în cauză, nu numai culorile nu au o identitate clară, ci şi zilele (absenţa cronologiei riguroase): „Într-o zi şi ziua asta va fi orbitoare/ ca o casă de nebuni.” (p.29) E ziua paradoxală, strălucirea care orbeşte, care ucide privirea, ochiul, strălucirea văduvită de sărbătoare, de elementul celebrator, spectacular, festiv. De unde şi trăitul la cote de avarie, supravieţuirea pe muchie de cuţit în locul vieţuirii: „sunt dărâmat de tot trăitul ăsta. (p.29) E strigătul de disperare al omului muncit, în sens propriu, dar şi muncit de gânduri, de idei underground, de temeri, de frustrări şi de obsesii.
Radu Vancu nu se fereşte să-şi facă publică „domesticitatea”, aspectele ce ţin de intimismul locuirii, de unde şi confesivitatea sa abruptă: imaginând/ denudând trăiri şi slăbiciuni, privaţiuni din tinereţe în ipostaze de hamal sau de vopsitor la înălţime, despre alunecarea în viciu, în violente porniri hübrice şi în alcoolism care, alături de drama sinuciderii tatălui, l-au adus într-o stare de disoluţie şi de epuizare cronică pe care şi-o conştientizează profund: „dărâmat ca acum” (p.29) Descărcatul sacilor cu zahăr devine o metaforă pentru absenţa unei vieţi dulci. În sens cărtărescian, binomul „orbitor-orbitoare” nu este învestit cu calităţile mirificului, excelenţei, miracolului, ale imaculatului şi ale strălucirii fără de prihană, ci a fenomenului optic ce violentează retina, al strălucirii fără obiect de adoraţie şi fără aura mistică. E acea strălucire ironică şi în acelaşi timp cinică în mediocritate, în tern, în nonsens, în macabru: ,,ziua asta orbitoare” (p.30), zi ,,În care gâtul ştie că-i spânzurabil/şi cântă de fericire.” (p.30)
Invocaţia către gât (organ care face legătura dintre cap, sediul raţiunii, şi restul corpului) şi către inimă (sediul afectului) denotă existenţa bolnavă pe care o duce poetul: ,,Gâtule spânzurabil, inimo de vodcă şi zahăr” (p.30) Gâtul îşi pierde astfel funcţia anatomică de bază, iar inima, ,,îndulcită” artificial, ascunde un mare handicap sufletesc, similar cu cel al Inimilor cicatrizate blecheriene. La Radu Vancu, mărturisirea, însoţită de anateme, este expresia omului care tânjeşte la a se auzi pe sine, înainte de a fi auzit, însă nu şi compătimit, întrucât acesta manifestă o rară decenţă în suferinţa sa: ,,mi-e frică de întuneric” (p.31), ,,mă agăţ de Cami ca înecatul/ de buturuga lui,/şi încerc să nu/mă prăbuşesc acolo.” (idem), expresie a umanului din el, a vulnerabilităţii, a nevoii de a primi protecţie, de a se înconjura de ,,gărduleţul alb”. În acelaşi timp, recunoaşte că, după moartea tatălui, o bună bucată de vreme nu putea să adoarmă decât cu lumina aprinsă, semn al fricii de prăbuşire, de aneantizare. Familia şi aspiraţia spre lumină devin astfel singurele posibile breşe prin care poetul se poate sustrage gândului suicidar. Mai există şi bruma de speranţă (credinţa otrăvită de îndoială) pe care o exprimă manifest, punând-o în conexiune directă cu creierul, cel de la care se aşteaptă funcţionarea corectă, izbăvitoare, la momentul zero: „cel mai jalnic e că încă mai/ cred că frumuseţea există, să mai/ crezi asta când creierul tău stă/ de 17 ani în mijlocul/ unei lumini crude e o prostie/ fără margini şi scuze./ Poţi crede în virgine care nasc/ şi în oameni care învie,/ dar să mai crezi în frumuseţe/ după ce ai văzut că erecţia/ spânzuraţilor nu-i un mit/ e mai rău decât o crimă./ E o oroare.” (p.31) Fiziologicul în stare macră. De unde şi dificultatea de a te menţine raţional, cerebral în faţa fricii. Din acelaşi registru, macabrul: „Ce avantaj/ devastator să ai un cimitir/ în mijlocul oraşului – cum ai avea/o sinucidere în mijlocul/ unei vieţi.” (p.41)
Nevoia de concret, de a privi cu propriii ochi este, în acelaşi timp, nevoie de a înţelege. Chiar şi retrospectiv. Cum e gestul poetului de a urmări, pe laptop, o desfăşurare caleidoscopică de fotografii vechi şi noi, o întâlnire fericită a ştiinţei cu credinţa: „Coolerul laptopului bâzâie încet./ Cola scade în pahar. Neuronii/ foşnesc ca un lan de copii/ de grădiniţă sub tălpiţele lui/ Dumnezeu.” (p.32)
Criza şi gestionarea propriilor demoni se traduce la Radu Vancu prin paralela dintre monstruleţi şi monştri genitori, între ludicul aparent şi tenebre. În ciuda diminutivării, monştrii care-l bântuie nu au nimic în comun cu gingăşia personajelor din desene animate, inofensivi prin excelenţă. Punerea laolaltă a două toposuri fundamental antitetice, crâşma şi locul de joacă (peste care aşază un clopot de sticlă), e o formă de evazionism. Diferenţa stă în ,,arsenalul” pe care aceste toposuri dihotomice îl pun la dispoziţie.
„Mai zâmbi-vei, dulce Faţă, către mine vreodată?” (p.33), versul reluat de trei ori consecutiv, în Cantosurile XVI, XVII şi XVIII, devine expresia disperării omului care nu reuşeşte să găsească ieşirea din Labirint. Pentru ,,kierkegaard-ianul” Vancu, găsirea Feţei lui Dumnezeu (care pare să-şi fi întors definitiv faţa de la poet), de la care aşteaptă un cât de mic zâmbet, e obnubilată de imaginea feţei defunctului tată. De moarte poetul se teme, nu atât pentru sine, cât pentru fiul său. Semnificativă este imaginea trecerii nesupravegheate a lui Sebastian dincolo de gardul protector al locului de joacă, în proximitatea şoselei circulate, unde ,,Gura” (p.35) thanaticului personaj e avidă după a face victime.
În ciuda lipsei de vitalitate a poemelor sale născute de o suferinţă frustă, Radu Vancu, cel mutilat sufleteşte, evită să alunece înspre patetisme ieftine şi litanii deşănţate, găsind resurse să îşi ceară scuze faţă de interlocutor şi neincriminând defel poezia, căreia îi rămâne etern loial, chiar dacă aceasta, uneori, face victime (vezi cazul poeţilor damnaţi, sinucigaşi): „Cred că sunteţi sătui până-n gât/ de poeţi post-confesionali care vă spun/ cât de mizerabil o duc ei./ Cât de mult s-a depărtat/ viaţa de ei. Cât de mult/ poezia./ Se vaită degeaba, ascultaţi-mă pe mine./ Poezia a fost mereu atentă la ei. La/ viaţa lor. Ba chiar şi la moartea/ lor.” (p.36)
Radu Vancu „adaptează” spusele tatălui copilului din care Iisus scoate demonii în Evanghelia după Marcu, „Cred, Doamne, ajută necredinţei mele”, la cerinţele poeziei sale contestatare: „Cred, poezie, ajută necredinţei mele.” (p.37) Pentru poet, Dumnezeu pierde teren în dauna poeziei, iar „Faţa enormă” (p.33) e sancţionată drastic, blasfemiator, în genul Versetelor satanice: „Dumnezeu e cel mai puternic artist kitsch ever.” (p.38) La fel de „radicalist” este Radu Vancu când se fixează pe om, rodul creaţiei de mântuială, al unei divinităţi de mântuială: „omul, nu natura, e capodopera lui kitsch.” (p.38) În clipele de rătăcire şi de deznădejde maximă, când viaţa încetează să mai fie o poezie, când realitatea cruntă nu mai lasă loc liricizării, nu scapă de tiradele eretice nici măcar poezia, altădată aliat de nădejde al poetului: „îmi bag picioarele-n tine poezie. Să te ia naiba cu toate ale tale.” (p.38) Şi toate acestea în vreme ce urca cu greu un derdeluş la Păltiniş. Descensus pe panta rhei a vieţii, pe cealaltă parte!
„Şi dacă totul se petrece într-o pisică?” (p.39) Un rol major aici îl are imaginaţia poetului care dă vieţii un alt „înveliş”, straie noi, din regnul animal. Trecând peste faptul că, în cheie simbolică, viaţa este un perpetuu joc de-a şoarecele şi pisica, iar pisica este „beneficiara” a şapte vieţi, există încercarea de mistificare a realităţii de către Vancu-copil şi de aducere a tatălui-„motan” înapoi la viaţa-pisică: „E atâta spaimă în pisica asta încât de fapt totul se petrece într-un şoricel.” (p.39)
Sinuciderea tatălui îi dă dreptul lui Radu Vancu să creadă şi să nu creadă, să penduleze între îndoială, căutare şi scrâşnirea dinţilor. În registru cinematografic, viaţa sa este una subtitrată, „tradusă”, cu diferenţe majore faţă de ceea ce ar trebui să însemne viaţa adevărată. „Feeria” sa (diferită fundamental de Fairia, ţara de basm a lui Radu Pavel Gheo), este una de tip surogat, simulacru, o trivializare a celei reale: „şi undeva la marginea feeriei/ noi, «perifericii», vom scrie/ elegante cantosuri domestice/ despre mutilare.” (p.42)
Radu Vancu nu e un ins dezumanizat, el continuă să vibreze la frumuseţe, în special la frumuseţea care doare, neextirpându-şi „glanda” pentru aspectul calofil. Inspirat de candoarea lui Sebastian, el găseşte resurse să se aplece şi asupra fericirii, deşi aceasta i se refuză sistematic. Nefiind încorsetat de dogme, dar tributar suferinţei (provocată de alţii), Radu Vancu îşi îngăduie libertatea de a-şi despresura mentalul de îngrădirea malefică a frustrărilor: „şi dacă Isus ar fi fost roman,/ Grünwald l-ar fi pictat pe o/ canapea din IKEA romană/ şi acoperit de flori antice.” (p.44)
Capitolul 20 de waţi îl surprinde pe Radu Vancu lansat într-un lung şi emoţionant dialog monologat cu tatăl defunct, ocazie cu care-i mărturiseşte că (şi aici raţiunea, creierul funcţional joacă un rol primordial), oricât l-ar obseda sinuciderea, nu o va face niciodată, de unde şi refuzul, echivalentul unei deziceri simbolice, de a păşi pe urmele tatălui: „oricât de mult iubesc sinuciderea ta, nu mă voi sinucide.” (p.47), argumentându-şi imediat alegerea: „Eu am de dat ochii cu Sebastian.” (p.48) şi făcând un paradoxal apel la clemenţă din partea defunctului: „Aşa că înţelege şi iartă, tată – nu mă voi sinucide.” (p.48). Pe de altă parte, a continua să rămână captivul propriilor alienări şi angoase e o sinucidere lentă, mult mai „dureroasă” decât una instant, întrecând-o în barbarie. Continuând repertoriul macabru al supliciului, săgetat de pulsiuni iraţionale (semn că energia cerebrală scade sub cota standard de 20 de waţi) şi de porniri inchizitoriale, poetul îi propune tatălui un sinistru joc de roluri, tatăl rămânând „spânzuratul” (p.49), iar el, fiul cuprins de delir, imaginându-se în felurite ipostaze terifiante: fierar, punându-şi capul în menghină, bătându-şi piroane în ochi, înghiţind lame de ras, injectându-se cu ace contaminate, bând azot, înghiţind „şobolani flămânzi” (p.49). Norocul său e că ochii candizi ai lui Sebastian îl reţin de la punerea în practică a acestor atrocităţi. Arderea becului frigiderului şi dispariţia implicită a luminii îl otrăvesc de spaimă, îl coboară brusc în realitatea imediată.
Radu Vancu nu poate fi suspectat de teribilism sau că urmăreşte să epateze sau să impresioneze cu suferinţa sa. În poeme sau în viaţa sa reală, dincolo de mască, întâlnim sinucigaşul viu, omul cu inima pulverizată. În cazul tatălui său, paradoxal, moartea îl face mai „vizibil” şi prezent decât viaţa însăşi. De aceea, dorinţa de a se cinsti cu tatăl defunct îi scurtcircuitează raţiunea: „Aş vrea, tată, încă o după-amiază/ în care vodca să strălucească/ între noi şi să ştim că-n ochii ei/ limpezi ca flacăra de crematoriu/ tu eşti sinucigaşul ei/ de suflet iar eu sinucigaşul ei/ din flori.” (p.51) Absurdă şi aberantă neinterferare a unuia pe teritoriul stăpânit de celălalt, sinistru respect reciproc al „vasalităţii”!
La fel de paradoxal, tristeţea pare să fie un privilegiu pentru Radu Vancu. Numai aşa se explică de ce simplul a fi trist e inferior ca intensitate lui a fi „f f tare trist” (p.53), fapt care atrage şi „recompensa”: „aude un soboraş de copii cântându-i dulce în cap” (idem).
Capitolul ultim al cărţii, cel mai lipsit de „domesticitate”, Creierul e lumea de apoi, e construit pe amintirile personale ale poetului pe care acesta le prelucrează poetic, la marginea credibilităţii, evadând în ficţional şi punând în pagină fantasmele (bolnave ale) creierului, de unde imagini de un desăvârşit sadism: cu vărul Radu, care smulgea „capetele ciorilor cu dinţii” (p.59), cu prietenii din Cisnădie care „atârnau pisici cu capul în jos/ de bătătorul de rufe/ şi le făceau pastă de carne/ cu bâtele de baseball” (p.59) sau înecau câinii. Setarea creierului pe suicid, abolind ierarhiile normalităţii, face din violenţă ceva firesc, natural. De unde şi tentaţia risipirii, a autoanulării.
Jocul premonitoriu din copilărie ce-l are ca protagonist, cel cu „sunt dracii pe stâlpi!” (p.60), în care, invariabil, Vancu rămânea ultimul, prefigurează chinurile demonice de mai târziu. Deloc întâmplător, invocarea repetată a diavolului, întrebările existenţiale majore la care nu găseşte răspuns, teama de neant, toate acestea împletesc teribila „frânghie înflorită” a destinului care, în loc să-l determine pe poet să urce, îl coboară frenetic: „nu există progres/ în groază, cum nu există progres/ în dragoste.” (p.60).
Legat de prezenţa pisicii în cantosurile lui Radu Vancu, animal psihopomp în antichitate, adulat şi sanctificat în Egipt, aceasta este învestită cu valorile negativului, scânteile din blana ei intens mângâiate fiind puse în seama prezenţei necuratului în corpul felinei. Pisica-„Psihicuţă” (p.63) îl conţine aici pe factorul psi-, de unde conexiunea cu psihismul, multiplele nevroze. Din acest punct de vedere, cantosurile pot fi citite ca fişe clinice, radiografii ale unui psihic care caută cu disperare lumina şi care alcătuiesc „pornografia suferinţei” (p.63) văzută prin simţurile ulcerate ale poetului. Prin recul, imaginea cu „un Isus post-confesional scriind/ zeci de poeme morbide […]/ toate despre sinucidere prin crucificare” (p.62), este una emblematică. Chiar dacă nu este una reală, ce încheie socotelile cu viaţa terestră, crucificarea pe pagina cărţii a poetului este un act de atroce sinucidere asistată.
Senzaţia de inutilitate o regăsim în comparaţia devitalizantă (şi în acelaşi timp neonorantă) a corpului uman cu hârtia igienică: „se poate să fii/ o hârtie igienică mulată/ peste nimic şi să nu/ foloseşti nimănui/ la nimic.” (p.66) Radu Vancu procedează la igienă mentală în momentul în care, pornind de la varii amintiri din tinereţe (cu fratele Iuli ocrotind aricioaica cu pui, noaptea de „băut suicidar” (p.67), când fraternizează cu un câine de pripas, căsuţa din dudul bunicilor, îndrăgostit de colegul de bancă din liceu, devenit ulterior „pictorul/ schizofrenic Siviu V.” (p.72), Ligia şi iubirea neîmpărtăşită etc.), îşi „updatează” stările de spirit.
La Radu Vancu, credinţa nu are un substrat religios. Dincolo de puterea tămăduitoare extraordinară a familiei sale, el crede într-un soi de simbolism divin floral, un fel de regresie (mai mult sau mai puţin ironic-blasfemiatoare) de tip zeul Pan din timpurile imemoriale: „îngerii/ pătrunjelului, îngerii ţelinei, îngerii/ morcovului” (p.70) Liturghia vegetală în aer liber la care se constituie parte în copilărie, este una profană: „Oficiam sub coconul rugului de/ mure americane […]” (p.71) Astrul zilei este unul structurat organic: „un soare făcut din slănina cea mai moale” (p.72)
„Recunosc: sunt o cârpă. (p.68), „A/ scrie poeme metafizice e o/ laşitate oricum.” (p.78). Confesiune nudă, abruptă, brutală, structurată pe „curajul estetic şi claritatea morală” (idem).
4 a.m. Cantosuri domestice suportă oricare dintre următoarele accepţiuni: carte crudă, exerciţii de supravieţuire, radiografii ale unor psihisme (psihopoeme), strigăte eliberatoare, gâlceavă cu destinul, ascuţire a săbiilor, tehnică a pământului pârjolit, carte în care domesticul e exploatat în vederea obţinerii unor efecte „barbare”, carte despre neant şi pierderea reperelor, carte-memorial al durerii, carte care pune sub lupă „neurochimia terorii” (p.72), tratat de „neurolingvistică”, de „neuropoeme”, „Cantosurile bătăturilor” (p.78), poeme fără centură de siguranţă, poeme destinate aneantizării („Sunt neajutorate şi singure/ şi feroce. Şi abia aşteaptă/ să se autodistrugă”- p.80), poeme-călugăriţe suferind de Alzheimer, cantosuri de tip recviem, adagio în la minor, silogisme ale amărăciunii, carte care pune sub semnul întrebării normalitatea, firescul, luciditatea, cantosuri pe mai multe voci, în care „Cântarea Cântărilor” e tocmai drama pe care o presupune prezenţa lucidităţii sau, dimpotrivă, absenţa ei. Majoritatea cantosurilor sunt dialoguri monologate cu tatăl defunct. Apropierea de vârsta biologică (49 de ani), vârsta critică a refugiului din calea vieţii, adânceşte criza, angoasa şi frustrările în care îşi duce existenţa poetul. Există momente când, ca şi cum ar fi în viaţă, fiul îşi dojeneşte tatăl, într-un amestec de dragoste, ură, regret, iertare, furie şi neiertare: „După ce te-ai omorât la 49 neîmpliniţi,/ toată lumea peste 49 e meschină./ De fapt, toată lumea care nu-i moartă/ e meschină.” (p.16) sau „Cât de/ naiv, să crezi că/ se poate supra-/vieţui.” (p.17)
Departe de a fi un truver, rapsod, trubadur, menestrel (cantosuri triste, cântece de lebădă, elegii), Radu Vancu, în rarele sale posturi sentimentale, demonstrează că în absenţa oamenilor providenţiali viaţa nu are sens, nimic nu se coagulează. Între (auto)mutilări şi stranii tandreţuri, poetul construieşte o carte în care bătăturile şi terciuielile au ceva din semnificaţia, dramatismul şi rugina însângerată a piroanelor cristice.
________
* Radu Vancu, 4 a.m. Cantosuri domestice, Bucureşti, Casa de editură Max Blecher, 2015, 81p.
[Vatra, nr. 9/2015]
Andreea POP – Rezervaţii fobice
Regizată sub forma unui mozaic de imagini compozite, poezia Cristinei Bălaşa din Liniştea de după (Tracus Arte, 2014) traduce printre frânturi stări şi sentimente obscure, fără adresă precisă. O gesticulaţie fantezistă, cu frecvente prelungiri onirice, animă majoritatea poemelor şi ţine de atitudinea lirică fundamentală.
Această predispoziţie pentru scenariul închipuit va configura în toate episoadele volumului un univers ambiguu, uneori ermetic, în care radiografia realului este abandonată în favoarea elanului închipuirii li a detaliului delirant. În câteva locuri, poemele descriu mici tablouri de orientare suprarealistă: „păşeam pe trupuşoare vârâte în iarbă/ nu se vedeau decât iarba din ce în ce mai scurtă/ şi picioarele din ce în ce mai dungate// un roi de albine ne leapădă în căsuţa din copac/ noi ţipăm ca în somn când mâinile erau scurte/ şi multe îngăduitoare// şi ne auzim doar între noi când ropotim/ cu gâturile ieşite”, fantezie organică. Nu fără consecinţe la nivelul logicii interne a textelor vor fi astfel de promenade halucinante; o asemenea ţinută artizanală pe care o îmbracă versurile, chiar dacă echivalează cu o disponibilitate discursivă de largă mobilitate, descifrează simultan şi câteva carenţe la nivel formal. Folosite abuziv, piruetele imaginative pe care le articulează cu dezinvoltură poeta înscriu uneori versurile pe linia improvizaţiei şi a decupajului artificial, cu atât mai mult cu cât datele realului abia se lasă ghicite. Atunci când se cantonează într-o perspectivă ceva mai concretă, poezia din Liniştea de după descifrează o biografie difuză, vag conturată, desprinsă parcă din vis. Secvenţele cu focalizare cotidiană sau cele retrospective, atâtea câte sunt, au ceva din tonalitatea unei incantaţii, în care amintirea se îngână cu fantezia. Un poem din grupajul „Cu mâinile la spate”, cu „destinatar” matern, ilustrează înclinaţia poetei de a secţiona bucăţi de realitate, pe care le îmbină apoi într-o geometrie aproape codificată: „toamna asta cu dragostea pe brânci şi sângele tău bolnav/ bâjbâind rochii lungi de ocazii// cu mâini obişnuite care omoară gemeni/ cele calme când dragostea miroase a aer închis// cu faţa la perete când un gest matern este o umilinţă/ şi sărbătoreşti departe de casă”, rezervaţie familială. Poezia Cristinei Bălaşa îşi descoperă, în astfel de pasaje, dincolo de echivocul dramelor de familie şi al schiţelor intime disfuncţionale, o coloratură întunecată, sumbră, în care recuzita funebră face carieră.
Aici poate fi identificată sursa principală de tensiune de la care se alimentează cea mai mare parte a poemelor, în perseverenţa cu care versurile reiterează imagini mortuare, „accesorizate” cu o serie de ornamente de „cavou”, lugubre, preluate pe filieră simbolistă, în ce are ea mai caracteristic: mierla, descompunerea lucrurilor, muzica funerară, decorul spitalicesc şi boala etc. De aici teoretizarea ca formulă discursivă frecventă, de regulă pe marginea perenităţii, în detrimentul confesiunii directe (deşi o citim foarte pregnantă, aproape ca un manifest al neputinţei, în poemul dislocare), ce descrie regimul de alteritate în termeni siniştri, discret apocaliptici: „oamenii ca nişte canafuri mucede când îi prinde/ afară nimic statornic grija demolatoare rugile toate/ aşteptându-şi călăuza sub basmaua mamei/ după un perete atât de prietenos// liniştea care coace când suntem striviţi/ liniştea de după// jocul păpuşii cu anestezistul”, cântec de după (VI). Cerebrală şi cu un control al frazei mereu activat, viscerală chiar în câteva poeme care mărturisesc angoasa (sugestivă e imaginea care deschide tanatopoem-ul (unu) – „mintea ferfeniţă pe fundul apei verzui/ e tot ce mai mişcă” – ş toate celelalte „poeme fobice” în general), Cristina Bălaşa scrie o poezie care vibrează cel mai autentic în puseuri abstracte.
____________
* Cristina Bălaşa, Liniştea de după, Editura Tracus Arte, Bucureşti, 2014
* * *
Heteroclită ca focalizare, poezia pe care o scrie Cristina Cîrnicianu în Faţa tandră a infernului (Grinta, 2014) dezvoltă o galerie variată de atitudini şi preocupări, pe care le etalează într-un evantai discursiv generos. Redusă la esenţial, gesticulaţia poemelor traduce sondarea febrilă a proximităţilor ca modalitate de cunoaştere de sine. E aici o poezie introspectivă, de cameră, construită uneori pe alternanţa difuză a jocului de lumini ţi umbre, a cărei notă fundamentală o dă un soi de crispare dramatică în faţa mecanicii existenţiale.
În câteva locuri, tensiunea unei astfel de fizionomii încrâncenate se citeşte în felul în care poeta operează disecţia nervurilor fine ale angoasei; evidentă mai ales în prima secţiune, „Morţii mei”, toată această autoscopie ia forma unui exerciţiu compoziţional în care reportajul clinic şi consemnarea modulaţiilor bolii alternează cu o serie de conversaţii închipuite, de coloratură funebră; articulate pe o tonalitate lirică localizată la intersecţia dintre halucinarea maladivă şi fantazarea cu bătaie metafizică, poemele „respiră” într-o ambianţă încordată, de surescitare cerebrală în fază avansată. Nuanţarea detaliilor şi subtilitatea sugestiei aproape că ţin de caz patologic: „se lasă liniştea/ o pisică obeză peste pieptul meu/ închid numai puţin ochii/ printr-o trapă în tavan cineva aruncă din când în când/ saci cu buline roşii de hârtie glasată/ le văd printre gene cum cad lent/ brăzdate de raze firave de lumină/ apoi se topesc în aerul îmbibat cu spirt/ timpul trece meticulos/ cu precizia picăturii de ser în vârful unui ac”, nimic de pierdut (2). De o tonalitate uşor diferită vor fi versurile de orientare biografică, în care deşi miza rămâne tot una gravă, emisia lirică e ceva mai relaxată, eliberată puţin de solemnitatea obsesiilor anterioare. Transpuse într-o cadenţă care preferă rostirea mai degajată, ancorată mai mult în concret, unei exhibări excedentare, textele merg acum pe linia unui lirism cu ecouri expresioniste: „ce griji aveam noi/ cei care dădeam singurătatea pe uşă afară/ aruncam cu pietrele în ea/ ne credeam eroi…/ când ne-a venit rândul/ ne-am împrăştiat în lume diformi ca puii de lup/ auzeam cum ne cresc oasele/ ligamentele pocneau ca mugurii de primăvară/ şi ce ne mai strângeau pantofii/ ş ce ne mai intra frigul pe sub mânecile prea scurte/ […] abia după ce ni s-au copt bine oasele feţei/ şi pieile începeau deja să ne slăbească încheieturile/ ne-am întors acasă dezgropând înapoi drumul/ cam în tot atâta viaţă cât la dus/ i-am deschis uşa ca unei doamne”, noi şi diva. În altă parte, confesiunea retrospectivă ia forma unei incantaţii copilăreşti. Rememorarea se face peste tot cu o înfiorare discretă, aproape mistică.
De aici şi până la croiala minimalistă a poemelor anti corporate, care descriu scenarii cotidiene de austeritate, consumate pe fondul unei existenţe aride, calea e lungă. Poezia Cristinei Cîrnicianu se mută acum într-un registru diferit, care desfăşoară fragmentar câteva episoade urbane pe o tonalitate ceva mai incisivă şi mai accelerată decât înainte. Rămâne acelaşi fond grav, însă orchestraţia lirică vizează de data aceasta mai ales conspectul lumii exterioare, înregistrat cu un scepticism şi o ironie ascuţită indiferent de „adresă”, mai ales atunci când bifează „pontajul” corporatist şi metamorfoza radicală de după program, reveria suprarealistă citadină, ori teoretizarea existenţială. Departe de exhibiţiile severe cu nuanţă de parabolă din prima parte a volumului sunt aceste poeme, în care observaţia morală face trecerea de la structură de plafon la detaliu nelămurit, mai mult sugerat. În consens cu acestea vor fi şi bucăţile din „Teste de luciditate”, care dovedesc un elan cerebral ce atinge cote maxime şi care admite uneori şi notaţia livrescă ([bohemian drunks], [capricii]). La capătul acestui circuit halucinant, microscopiile din final revin la tatonarea confuză a graniţelor lumii de la începutul volumului, de data asta cu o componentă hotărât fantasmagorică şi descriind o atmosferă sinistră, de SF bizar. O piruetă contorsionată descrie cel mai fidel mişcarea poemelor din Faţa tandră a infernului, executată într-o gamă teribilă.
__________
*Cristina Cîrnicianu, Faţa tandră a infernului, Editura Grinta, Cluj-Napoca, 2014
* * *
Poemele din Id (Charmides, 2014) ale Ioanei Dunea deschid mici orificii în arhitectura cotidiană, prin care consistenţa lucrurilor e focalizată cu o profunzime aproape clinică. O poezie încărcată de tensiune găsim aici, care îşi descoperă nota cea mai personală într-o abilitare senzorială de intensitate anatomică. Potenţa versurilor vine nu din diversitatea scenariilor pe care le dezvoltă ori a paradei stilistice, ci pe filieră reflexivă, prin fineţea notaţiei şi maniera incisivă în care poeta operează disecţia straturilor de semnificaţie.
Tratat într-un astfel de regim de austeritate, lirismul va dezvălui întotdeauna nuanţele subtile, imperceptibile cu ochiul liber. Consemnarea lor se face cu o economie scenografică, în favoarea amănuntului esenţial şi pe o tonalitate rece, încordată, care distilează stările într-o cadenţă aproape monotonă. Ţinuta lirică ţine peste tot de analiză de laborator. E aici un fel minimalist de a sublinia fondul grav de la care se revendică textele, cum se întâmplă de pildă într-un poem ca La picioare, prin sugestia limitelor inserată în descrierea detaliului banal: „Lucrurile cu adevărat importante se fac în/ singurătate.// cum ar fi să cureţi covorul de scame/ până ce pielea palmelor se înroşeşte şi/ se subţie/ se subţie/ se subţie// dacă ai intra acum,/ ai spune că ţi-am pus lumea la picioare.// pentru că lumea stă în mâinile mele”. Aceeaşi fizionomie severă, lipsită de ornamente inutile, o dovedesc şi autoscopiile de factură biografică din grupajul „Uniform”, înregistrate sub forma reportajului abrupt, care descrie fluctuaţiile dinamicii temporale în termeni sumbri. Mai toate episoadele sunt evocate în momentul de climax al traiectoriei lor, încremenite într-o serie de poze schiţate sumar, în spatele cărora se ghiceşte spasmul reţinut. Contribuie la o asemenea mimică dramatică şi montajul riguros al textelor, dar densitatea încărcată a versurilor e întreţinută şi de materialul poetic propriu-zis. Se întâmplă de pildă în poemul care dă titlul secvenţei amintite mai sus, în care desenul copilăresc punctează o viziune sinistră: „pe coama dealului,/ aproape de linia ferată,/ sub salcâmi./ acolo am îngropat-o pe Fetiţa.// mai jos,/ printre blocuri,/ la lumină în vântul cald,/ puii ei adulmecau.// eram toţi,/ strânşi cu flori de prin garduri./ ne priveam ca şi cum sensul lucrurilor/ avea să fie complet altul/ de mâine.” Tot acest şir de retrospective desface în poezia Id-ului un evantai de tonuri întunecate, fără loc de reverii nostalgice (refulate cel mult, dacă există, căci poeta e o cerebrală definitivă); foarte potrivită imaginea maxilarului încleştat care apare în două rânduri diferite ca definitorie pentru surescitarea cu care se scriu aceste poeme.
Nu fără miză morală (măcar bănuită, dacă nu vizibilă de-a dreptul) vor fi asemenea momente lirice, în care componenta existenţială atârnă greu în economia discursului; un poem ca Marea tăcerii marchează de pildă un episod biografic esenţial, de încărcătură puternică, prin mişcările sacadate, maşinizate, ce animă versurile: „fac cu mâna. mama/ face cu mâna./ ştergătorul/ în relanti stânga/dreapta pe parbriz/ împrăştie luna./ ajunge/ să crezi că nimic nu durează/ că abureşti geamul/închizi ochii şi simţi/ cum rulează/ prin minte trasee/trasoare/ stai/cobori/mergi/ mai departe// drumul pe care îţi faci loc/ scrâşnetul zilei în noapte.” E loc însă, dincolo de aceste reflecţii grave, şi de referinţă culturală (Ca Roy Andersson), politică (Comunism, underground), sau de anatomia faptului divers (Ion; Linişte, întuneric). Nişte broderii delicate ale angoasei scrie peste tot Ioana Dunea, în care sondarea limitelor proprii se face în intimitatea claustrofobică a clopotului de sticlă.
_________
* Ioana Dunea, Id, Editura Charmides, Bistriţa, 2014
[Vatra, nr. 9/2015]
Alexandru Vlad in memoriam (8) – Poetul
Ion MUREŞAN
Poezia şi telefonul de sub apă
Cred că lui Alexandru îi era frică de telefon. La telefonul fix prefera să răspundă altcineva din familie înaintea lui, căci îl socotea un punct vulnerabil prin care oricine îi putea intra în intimitatea casei. Cât despre telefonul mobil, nici nu putea fi vorba: era singurul dintre prieteni care nu avea aşa ceva. Cred că în mintea lui mobilul era o fisură în blindaj, o fisură prin care intrau cei care voiau să-i fure Timpul lui, hoţii de Timp.
A rămas celebră unica tentativă a unui prieten, mai excentric, de a dota Prozatorul cu un telefon portabil. L-a căutat acasă, dar a aflat că este la pescuit. L-a găsit pe malul apei, cu ochii aţintiţi pe plută. L-a salutat.
– Ce vrei? l-a întrebat Alexandru, iritat.
– Am venit să-ţi fac un cadou, i-a răspuns prietenul şi i-a întins o cutie colorată, strălucitoare, făţoasă.
Prozatorul a lăsat undiţa jos, a deschis cutia, a luat telefonul în mână şi l-a chestionat pe generosul prieten. A aflat că aparatul e „nou-nouţ”, performant, nicidecum vreun „second hand”, că are şi cartelă în el şi că e un dar „din inimă” pentru el. Alexandru a mai vrut să ştie:
– Mi-l dai cu împrumut, pe câte zile?
– Nu cu împrumut, ţi-l dăruiesc!
– Adică de acum înainte e telefonul meu, îmi aparţine?
– Sigur că da.
– Şi pot să fac ce vreau cu el, n-o să mi-l ceri înapoi?
– E al tău, n-o să ţi-l cer înapoi niciodată.
Prietenul i-a format numărul, iar telefonul a început să sune în mâna lui Alexandru. El a zâmbit şi… a aruncat telefonul care suna în apă, aproape de plută. Apoi a luat undiţa în mână, i-a întins cutia goală prietenului generos şi i-a făcut semn să plece că-i deranjează peştii.
Ce are a face istorioara despre telefon cu poezia?
Foarte multe, cel puţin în mintea mea. Căci prietenul meu a avut o relaţie cu totul deosebită cu poezia. Şi nu greşesc deloc spunând că întotdeauna mi s-a părut un pic exagerat respectul lui pentru poezie.
Cred că lui Alexandru îi era frică de poezie.
A intrat în literatură ca poet. Avea o bibliotecă foarte bună (exigentă) de poezie. A tradus multă poezie în română. Ştia multe poezii pe de rost.
De câte ori, rar, scria câte o poezie, mă căuta, mă băga într-o cârciumă şi mi-o citea. Eu când scriu o poezie şi o citesc prietenilor, am o voce de învingător. El avea în voce un ton de confesional, ca şi cum ar fi făcut un păcat şi aştepta o inevitabilă pedeapsă. Scria rar şi-mi citea poezia oarecum scuzându-se, oarecum cutremurat, că el nu a vrut, dar a fost obligat.
Acum e pentru întâia oară când văd poeziile lui Alexandru Vlad adunate la un loc. Acum abia înţeleg de ce îi era frică de propria-i poezie. Căci poezia lui e plină de semne prin care i se părea că este avertizat că cineva încearcă să-i fure „lumina ascunsă în lucruri”.
Fiecare poezie a lui e o fisură prin care răzbate răsuflarea lumii de dincolo. Ca şi cum în miez de noapte ar fi auzit telefonul sunând de sub apă. Şi în receptor s-ar fi amestecat de-a valma mesajele de extremă urgenţă ale clenilor, mrenelor, porcuşorilor, caraşilor şi şerpilor de apă, cei cu capul plin de flori, ca un mormânt.
***
Al. CISTELECAN
Poetul care-ar fi putut fi
Nu toată lumea ştie, dar (mai) sunt încă destui care ştiu că Alexandru Vlad a început ca poet. În 1969, pe cînd era în clasa a XII-a (la „Ady-Şincai”), directorul liceului – Petre Bucşa, el însuşi poet şi om cu un umor în revărsare mereu tonică şi cu mînii directoriale mai degrabă solare şi teatrale decît reale – şi-a strîns vedetele literare ale propriei şcoli într-o plachetă – La poarta izvoarelor – pe care-a editat-o el ştie cum. Patru erau atunci (şi pe-atunci, toţi patru poeţi) vedetele literare ale şcolii noastre: Marius Jucan, Gheorghe Pugna, Lucian Taloi şi Vlad însuşi. Poemele tuturor par azi, fireşte, destul de naive şi de candide, dar „curate”: cum a făcut, cum nu, Petre Bucşa i-a scutit de birul patriotard care era încă imperativ, mai ales pentru culegerile liceene. Fiecare dintre ei şi-a scris ale lui – şi mai toţi, desigur, dragoste şi peisagistică. Nu-i de mirare, mai ales la Vlad. Dragostea era, fireşte, la vîrsta aceea o imperaţie tematică şi existenţială, dar şi un climat în care se scăldau, fatal, toată ziua: liceul nostru roia de fete superbe. Cît despre vocaţia peisajului, nici ea nu-i de mirare la el: era artist şi la desen (nici nu sunt sigur că n-ar fi putut fi şi pictor), dar mai ales era un artist al observaţiei şi contemplaţiei. Un acelaşi peisaj văzut de Vlad şi de oricine altcineva era întotdeauna două peisaje; unul cum dădea Domnul, dar celălalt plin de detalii ce se pregăteau întotdeauna să-şi ia zborul sau să se strîngă pe o abscisă parabolică. Arta detaliului ce zvîcneşte de concreteţe se vede (dar cum nu?!) şi în proza (de orice fel) a lui Vlad, dar ea se presimte deja în Acuarela de seară din „Addenda” Poemelor (recenta plachetă editată de Şcoala Ardeleană a lui Vasile George Dâncu). E un mic poem pictural, cu rafinament coloristic şi cu linii „pluviale” quasi-simboliste, plin de candoarea notaţiei şi de voluptatea contemplaţiei; un joc de lumini şi linii dizolvate în firele de ploaie şi care abia amestecă, încă vag, în fondul de stări virtuale, euforia participativă cu melancolia difuză. Poate nu-i relevant, dar în mai toate poemele care vor mai fi scrise Vlad va amesteca întotdeauna două stări, dintre care una, cea permanentă şi stabilă, un fel de stare-suport, e cea de melancolie; nu groasă, ci abia sugerată, abia indusă, abia trecută din inefabil în efabil. Linii la fel de pure şi candide are şi desenul erotic din Daphnis şi Cloe (fireşte, era oarecum de cuviinţă, fiind vorba de procesarea unui desen graţios din idila lui Longos) – şi şi aici va rămîne mereu activă o puritate afectivă manifestată epifanic – şi surprinsă în momentele de epifanizare; pe acelaşi soclu de melancolie ce se înalţă sub – şi din – dialectica nostalgiei în care joacă un sentiment sedimentat, dar reactiv (şi reactivat).
Nu ştiu cum s-a îndepărtat Alexandru Vlad de poezie şi nici prea bine cînd. Ca student, era deja prozator, deşi extraordinar cititor de poezie. Nu ştiam dacă mai scrie şi, oricum, îmi luasem gîndul. Pînă cînd, la o glumă provocatoare, mulţi ani mai tîrziu, mi-a răspuns că el, de fapt, are o poezie. Şi chiar avea. Iar apoi, cam o dată pe an, mai avea cîte una. Sunt cele de aici, apărute, mai toate, iniţial, pe prima pagină a revistei Vatra. Era chiar locul meritat, căci toate erau poeme de ţinut în antologie. Nu-s multe, după cum se vede, dar intervalele dintre ele nu se văd decît în schimbarea nucleului „tematic”; „tematic” în sens mai mult existenţial decît didactic, în măsura în care nostalgia şi epifaniile erotice vor fi scoase din cauză de avertismentele morţii. Dar nici boala, nici prezenţa tot mai apropiată a morţii n-au dislocat cu totul erosul ca nostos epifanic.
Între cele două nuclee – ambele, mă repet, cu un fel de gramatică epifanică – se mişcă mai toate poemele, inclusiv cele „accidentale” sau subtil ocazionale. Primul dezvoltă iradiaţiile unei iubiri scufundate în adîncul memoriei sentimentale asemeni unui bob de uraniu încă departe de perioada de înjumătăţire, încă tulburînd cu cîte-o iluminare anamnetică prezentul. Ecuaţia iluminantă are întotdeauna o rezolvare uşor epică (Vlad era şi-n poezie de şcoală americană), pe un arpegiu de anecdotică afectivă. Modalitatea epifanică a acestor iradiaţii se vede cel mai bine în Poem („şi am văzut-o”), unde nostalgia se lasă prinsă într-un fel de „miraj metempsihotic” şi unde timpurile afective fac un scurt-circuit extrem de concret. Această sintaxă de concrete, făcută din detalii riguroase, e cea pe care se construieşte totdeauna inefabilul ca atare al stărilor; pragul de bătaie al tuturor acestor iluminări afective e făcut din amănunte consemnate aproape scrupulos şi din ele e ridicată scena – realistă pînă la a fi reală – pe care se produce mirajul. E, fireşte, o modalitate de credibilizare a acestui miraj, de trecere a lui însuşi între concrete. Mirajul sparge un cadru concret şi se instalează în concret; vine din adîncul memoriei şi trece prin cotidian ca o adiere răvăşitoare (la Vlad catastrofele se fac din suavităţi, din diafane care răstoarnă totul). N-avem niciunde o retorică a intensităţii afective, ci doar o „descriere” narativizată a unui mic miracol anamnetic şi afectiv. Dar, desigur, tocmai transcrierea aceasta non-violentă, ca şi ne-participativă şi strict reportericească a incidentului de miraj, acreditează intensitatea acută a fondului nostalgic, trauma nevindecabilă a memoriei. Grupul de poeme de la început e un jurnal rarefiat de iluminări nostalgice, de insinuări ale mirajului în grila de monotonii a cotidianului. Timpul pe care rulează acest afect definitiv e oarecum „timpul-cascadă” de la Blaga, în care esenţialitatea existenţială a rămas suspendată într-un loc de neatins şi de unde pulsează imprevizibil. Eroticele lui Vlad nu sunt o exorcizare a traumei iluminante, ci dimpotrivă, o beatificare a ei. Există în ele, trecută în discret, o religie devoţională a iubirii, precum şi una nu mai puţin salvifică. În cele Şapte versuri cele două teme devin una, în urma unui alt scurt-circuit, de această dată deliberat şi ostentativ relaxat. E punctul, tradus cu umor, în care cele două epifanii se suprapun.
Poemele de final sunt un foarte concis jurnal de pregătire a pragului. Cu seninătate, dar şi cu un fel de abnegaţie autodistructivă, după cum se vede din Hybris. Şi ele în aceeaşi tonalitate „obiectivă”, cu detaşarea cu care ar putea fi şi ele spuse „de o străină gură”. Vlad are o ceremonialitate degajată a notaţiilor aşa că sîmburele lor atroce abia se zăreşte (spre deosebire de iradiaţiile din memoria afectivă, care au o violenţă eruptivă a diafanităţii lor). Puntea dintre cele două capete ale plachetei e făcută din „inspiraţii” ocazionale, cu siguranţă mărgele care s-au cristalizat singure. Dar (cred) tocmai ele sunt proba că Vlad a încercat să redevină poet (că începuse să creadă în această relansare se vede şi din faptul că nu s-a mai ascuns şi-n Curcubeul dublu strecoară două poeme). Ar fi reuşit, cu siguranţă. A şi reuşit. În această plachetă sunt cel puţin cinci poeme extraordinare.
[Vatra, nr. 7-8/2015]






















